«The Godfather Part II», La Obra de un Genio Inspirado.

Al Pacino in a scene from the film ‘The Godfather: Part II’, 1974. (Photo by Paramount/Getty Images)

Francis Ford Coppola se había desentendido por completo de la película cuya existencia transformó la suya propia. Paramount, su contraparte, estaba entre agobiada y agotada calculando qué hacer con los ingentes ingresos obtenidos. Entre sus deseos, por supuesto, era hacer otra obra con el particular director, en el universo originado en la mente de Mario Puzo. Se inventaron, negociantes ellos como pocos, las segundas partes, y comenzaron los contactos con el cineasta para construir la historia posterior de la familia Corleone. Coppola se negó inmediata y rotundamente.

La razón de la tajante negativa radicaba en los malos momentos vividos durante la filmación de lo que sería el origen de la saga. Pero el negocio era enorme, las posibilidades inmensas y la oportunidad única. Coppola encontró una salida salomónica: otorgarle la silla principal de la producción a un joven director de la época. La futura promesa, a quien el estudio rechazó de plano, era un tal Martin Scorsese. Nada por lamentar para la posteridad, pues al final Coppola aceptó al habersele prometido el cielo y un poco más por su retorno (y en forma de disculpas por el pasado), entregándole él a sus empleadores como respuesta a su generosidad pura maestría hecha cine, concluyendo todo en una de las mejores películas de todos los tiempos.

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GOW, por George Orson Welles (Primera Entrega).

George Orson Welles.

Fue el más grande; pero su tragedia fue nunca llegar a ser realmente el más poderoso. Su lugar predilecto era en los extremos, al que llegaba porque le sobraba de todo: talento, cultura, genio. Pero, como es natural, al ubicarse en un lado de la balanza de la vida, lo encontrado a la otra orilla era también una realidad apabullante por su escasez: dinero, oportunidades, amigos. George Orson Welles, su vida, es la película más grandiosa jamás hecha en Hollywood. Un amor fou entre un artista y los diferentes medios que usó para expresarse, a los que transformó a su paso por ellos. Su nombre impactó en el teatro, la radio y el cine, para siempre; pero fue en este último, la última de sus amantes, donde habría de encontrar su eterna femme fatale, una que, como dicta en esencia el personaje, habría de destruirlo hasta extinguirlo en la más triste de las situaciones.

David Thomson, en su fascinante pieza para The Guardian titulada con elegante obviedad como «Orson Welles: El más glorioso fracaso cinematográfico de todos«, se atrevía, en gran parte impulsado por poseer la razón, a disminuir figuras tan míticas del séptimo arte como Martin Scorsese y Alfred Hitchcock, cuya comparación tan sólo hacía engrandecer el nombre de Welles. Ambos directores, indispensables figuras en su industria, palidecen como meros hombres de cine al ser confrontado su legado con la vida del autor de «Citizen Kane«, quien deslumbró como artista (actor, director, escritor, productor), político (por poco fue Secretario General de la ONU, hizo conferencias contra el fascismo, reemplazó a FDR en uno de sus debates mientras le hacía campaña), columnista (The Washington Post), mago (en televisión y Las Vegas) y tertuliano (fue host en su propio programa de televisión).

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«Nocturnal Animals», La Magia De Un Arte Que Cobra Vida.

En el Festival de Cine de Cannes de 2015, una disputa impredecible se dio por la adquisición de los derechos de distribución del segundo filme de un afamado diseñador, concluyendo el conflicto en un espectacular final: un pago de 20 millones de USD por parte de Focus Features por los derechos de distribución de una película llamada «Nocturnal Animals«, dirigida y escrita por Tom Ford.

La cifra, inaudita en el festival de cine más importante del mundo, hacia prever el estar, las audiencias, frente a una producción de cine imperdible. La cantidad de dinero invertida, la antesala causada, los pretendientes del proyecto, todo pronosticaba una obra de arte cinematográfica insuperable, transgresora y única, la que una vez vista genera más dudas que certezas sobre la calificación a otorgársele.

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«Dunkirk» Lo Importante De La Historia, El IMAX, y Lo Horrible De La Guerra.

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Poster Oficial

Se dice, debatiéndose entre mito y realidad, el que Stalin, en medio de una reunión con los más altos mandos del politburó y como respuesta a una supuesta frustración, dijo: “denme una industria el diez por ciento de poderosa de lo que es Hollywood y convierto al mundo entero al comunismo”. De haber existido tal sentencia, ésta debió haberse pronunciada en aquellos días en que, como titula el diario.es de España, hubo un “fugaz romance entre Hollywood y la Unión Soviética”.

Reseñando esa misma época, el autor Michael S. Shull, en su libro Hollywood War Films, 1937-1945, hace un minucioso repaso de las producciones hollywoodenses en los días de la confrontación bélica. Entre ellas, cita algunas como «Song of Russia», donde se presenta una clara colaboración entre los norteamericanos y los rusos para combatir el nazismo, en el que incluso nace el amor entre dos ciudadanos de cada país; «The North Star», cuya historia exhibe a las granjas colectivas rusas como un paradisiaco lugar; y, «The Boys From Stalingrad», donde un grupo de niños rusos heroicamente enfrentan al régimen alemán.

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El Amor En El Cine, La Vida Como Debería Ser.

En algún lado se escribió que el cine no trata sobre lo que el mundo es, sino sobre lo que el mundo debería ser. La afirmación, aunque cierta, parece muy incompleta y errada. Pero con respecto a las películas de amor de la gran pantalla, ésta se aplica completamente. El amor es el sentimiento más poderoso que un ser humano pueda sentir, el que más afecta y el único verdaderamente capaz de transformar a los humanos en unos mejores seres. La falla es que muchas veces en la vida real no tiene toda la belleza necesaria alrededor de él.

No es difícil ser un fanático eterno de las historias de amor en el cine. Desde las tontas películas románticas hasta los más poderosos clásicos del cine mundial, la marca que puede dejar estas historias en una persona son tan profundas e importantes que, sin duda alguna, aquellos reconocidos como amantes y seguidores de este tipo de filmes son seres diferentes de los demás. No mejores o peores, pero sí diferentes.

Image: FILE PHOTO: 70 Years Since The Casablanca World Premiere Casablanca
Siempre Tendremos «Casablanca»

Walter Murch decía que la manera como se corta y edita una película no tiene la más mínima lógica con lo que respecta a lo que día a día se vive. De hecho, dice el maestro, la manera como una película termina editada parece acercarse más a la manera en la que se ven y sienten los sueños cuando se duerme, que a la manera como los hombres y mujeres perciben el mundo cuando están espiertos. Teniendo en cuenta que cuando se siente un verdadero enamoramiento es más el tiempo gastado pensando y soñando, tanto despiertos como dormidos, la relación fantástica entre el amor de los humanos y el que vemos en la pantalla se hace más fascinante.

No obstante, lo que verdaderamente es mágico en las historias de amor en el cine son las actuaciones heróicas de los personajes frente a la mujer amada. No me refiero a un caballero que tenga que derrotar a un ejército para llegar a la torre del castillo y liberar a su princesa, me refiero a los inmensos actos perpetrados para poder conquistar y conservar a la persona que da todas las razones para vivir.

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«Pretty Woman» 50 Sombres De Gere.

En una relación, en cualquier relación de verdadero amor, son los pequeños pero profundos detalles los que siempre sobresalen y quedan en la memoria de la persona que los recibió. Son también ellos, los más difíciles. Ya sea Richard Gere subiendo unas escaleras a las que le tiene pánico para entregarle unas flores a Julia Roberts en “Pretty Woman“, o la eterna despedida entre Humprey Bogart e Ingrid Bergman en “Casablanca”, apartándose él del futuro de ella, el cine ha servido para inspirar y propagar el más hermoso sentimiento que hay sobre la faz de la tierra.

Porque es que hay cosas que como seres sociales, los humanos, se sienten absolutamente incapacitados de hacer, pero que en el cine se les permite y, además, se les hace resaltar con toda la gallardía habida alrededor de ellas, siendo siempre el que algunos personajes sean capaces de superar sus miedos y limitaciones, con tal de acercarse al amor de su vida, las más atractivas. Una de las escenas más hermosas en el cine es el primer beso de Emile Hirsch y Elisha Cuthbert en “The Girl Next Door“. El poder de esa escena radica en que es evidente que el personaje interpretado por Hirsch se siente sumamente atraído por el de Cuthbert, pero se siente tan nervioso de acercarse a ella, que la verdad es que es un hecho totalmente heróico el enfrentarse a su inmenso miedo y acercarse y darle un beso a la mujer que tanto ama.

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«The Girl Next Door» Y El Beso De Un Héroe

El cine puede, y siguiendo la linea argumentativa acá expuesta, debe superar a la vida real. En la cotidianidad juzgamos más los actos según la persona que los hace que por el valor de los mismos. En el séptimo arte la situación no es tan patética, y por lo tanto más romántica y hermosa. La eterna dicotomía entre el frío dinero del rico y los calurosos actos del pobre sólo le da posibilidades de triunfo al segundo en la pantalla grande. Únicamente en ese espacio irreal es posible ver que Shirley Maclaine prefiera los hermosos detalles de Jack Lemmon sobre las inmensas posibilidades financieras que le presta Fred McCmurray, tal y como se ve en el hermoso film de Billy WilderThe Apartment“.

Tal vez es por todo esto que cuando estamos verdaderamente enamorados nos sentimos como en el cine, y que cuando el amor acaba con nosotros quisiéramos estar en él. De la misma manera en la que el amor es el sentimiento más hermoso que podemos tener, el perderlo es de las experiencias más aterradoras que podamos vivir. La soledad, el miedo y las ganas de volver con el ser amado son de las situaciones más dramáticas que un ser humano puede llegar a tener.

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«The Apartment» De Billy Wilder

Tal vez es por esto que los reencuentros o las reconciliaciones son de los elementos vitales para hacer un buen filme de amor. Tal y como dice Bon Jovi, cuando en la vida real nuestra amada pareja nos abandona, lo que esperamos es “que sea como en la T.V., que cuando suene la orquesta ella vuelva”. En el cine las escenas de reconciliación se cuentan por millones, y cada una de ellas tiene una inmensa fuerza interior que logra conmovernos cada vez que la vemos. El momento en que Jimmy Fallon ve correr a Drew Barrymore por todo la cancha de béisbol para acerarse a él y decirle que quiere darle un segundo chance a la relación, es algo con lo que todos los que han tenido una ruptura amorosa sueñan les suceda.

Es evidente que no se espera que algo tan magnífico suceda, ¿pero acaso no pasa qué cuando se extraña a la persona soñada cada timbre en el teléfono se espera sea ella, o que cada vez que alguien llama a la puerta la persona que esté al otro lado no sea otra? Ese mismo sentimiento se transporta al cine, solo que sería muy aburrido hacerlo en circunstancias tan normales como las que en la vida real nos toca vivir. Por todo eso es que se puede suistentar, casi que que sin duda alguna, que en las relaciones amorosas si se respeta la frase que dice que la vida debería ser como en el cine.

Ridley Scott Y La Sobrevaloración De Un Artista

Leo constantemente en varios artículos que se publican en Internet una crítica dirigida al público que le gusta el afamado director británico, el variable Ridley Scott, enfocada ella en que es uno de los artistas más sobrevalorados del cine mundial, algo que me parece sencillamente inconcebible. No me equivocó cuando digo que la crítica de quienes escriben semejante barbaridad vaya dirigida al público y no al director inglés, siendo esa la razón por la que me estremezco cada vez que observo tremendo disparate.

Sir.  Ridley Scott
Sir. Ridley Scott

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«Apocalypse Now», Un Mensaje Claro Y Fuerte

Dos hechos definen “Apocalypse Now” de una manera muy certera. El primero sucedió antes de empezar a filmar, cuando Francis Ford Coppola le pidió a su antiguo productor y mentor, Roger Corman, consejos para producir en Filipinas; a lo que muy acuradamente el gurú de las películas serie b le respondió: «No vayas». El otro se vivió en el Festival de Cine de Cannes, cuando Coppola, de manera muy elocuente, les dijo a los periodistas quienes lo entrevistaban: «Mi película no es sobre Vietnam. Mi película es Vietnam. Un grupo de jóvenes, en la selva, con mucho dinero, que gastaron de más y se volvieron locos».

Apocalypse Now (1979)
Apocalypse Now (1979)

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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