«Once Upon A Time In Hollywood», El Fin De Una Era.

Si en aquella maravillosa década de los años noventa se hubiera creado un filme con un cartel de igual magnitud al poseído por la última película del enfant terrible del cine, la taquilla de «Titanic» y «Avatar» serían tan solo un porcentaje de lo que esa hipotética producción hubiera alcanzado a recaudar. Un trailer promoviendo un filme dirigido por Quentin Tarantino, con Leonardo Dicaprio y Brad Pitt como protagonistas, sería la fórmula perfecta, el santo grial de cualquier productor de la meca del cine. El realizador, de hecho, se autodenominó uno de los «más afortunados de la historia por poder tener a los dos». Si a la fórmula se le agrega Al Pacino… Pero en estos días, y a más de un mes del estreno de «Once Upon A Time In Hollywood«, sorprende que el filme produzca números importantes; pero lejos de ser una cantidad de dinero envidiable en comparación.

Medios de renombre internacional, durante la etapa de promoción, afanosamente crearon sendas piezas sobre el actor hecho ya su propia marca liderando esta producción. Con mucha razón la prestigiosa The Hollywood Reporter definió al intérprete como su propia «franquicia». Entre sus líneas se estructuran ideas tan fuertes como que, mientras Robert Downey Jr. tan solo hace billones como Iron Man, Dicaprio logra taquillas impresionantes en obras de gran talla artística como «The Revenant» e «Inception«. No del todo cierto; pero con mucha validez toda la hipótesis. Y se presenta como argumento para sustentar que si tenemos la capacidad de analizar sin pasión, debemos aceptar la dolorosa realidad de que el trío más prometedor del séptimo arte no funcionó según lo esperado, permitiéndonos presenciar el fin de una era, alucinante e inolvidable, en Hollywood.

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«Jeremy » y «Do The Evolution», El Cine Profético de Pearl Jam.

La década de los años noventa fue la de MTV. El canal de música transformó por completo la industria y elevó su marca hasta convertirla en una religión. Una veintena de artistas musicales, más o menos, con sus obras audiovisuales de promoción acompañando sus canciones, fueron la razón de tan inmenso éxito. En un mundo donde la suerte de un disco estaba ligada a la calidad de los videos músicales, Guns N’ Roses, Nirvana, Michael Jackson, Madonna, consiguieron conquistar verdaderas cimas artísticas. Las piezas cinematográficas acompañando las canciones eran realizadas por directores ya celebrados en el séptimo arte (Martin Scorsese dirigió «Bad» de Michael Jackson, Gus Van Sant lo hizo con «Under the Bridge» de los Red Hot Chili Peppers, y Brian de Palma tomó las riendas en «Dancing in the Dark» de Bruce Springsteen) o por algunos directores encaminados a convertirse en cineastas de renombre ante la cinefilia mundial (David Fincher, Michael BaySpike Jonze).

En medio de toda la parafernalia de imágenes acompañando al sonido, una agrupación parecía ir contra el motor de su industria y cancelaba, en el momento cúspide de su carrera, toda promoción a través de videoclips. Pearl Jam, la banda de Seattle liderada por Eddie Vedder, se retiraba del mundo creado por MTV, después de haber recibido en la máxima fiesta de la cadena televisiva varios de sus premios más codiciados: mejor vídeo del año, mejor vídeo de grupo, mejor vídeo de heavy metal/hard rock y mejor director, en la edición de 1993 de los MTV Video Music Awards. “De aquí a diez años, no quiero que la gente recuerde nuestras canciones como vídeos”, fue la explicación dada por el bajista Jeff Ament. Pero la razón parece ser mucho más profunda e impactante: se retiraban al haber sufrido una censura por parte de la cadena, al tratar de hacer una manifestación artística de un suceso tenebroso: el suicidio de un menor de edad en pleno salón de clases en su escuela.

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«Hard Target», de John Woo, Cuando Un Artista Hace Cine De Acción.

A principio de la década de los años noventa, Jean Claude Van Damme era JEAN CLAUDE VAN DAMME, uno de los héroes del cine de acción más importantes en todo el mundo. Relativamente hablando, su nombre y prestigio no estaba a la altura de los más importantes hombres rudos de Hollywood de esa época, Stallone, Willis o Schwarzenegger; pero sí era alguien que se estaba ganando su espacio en el mundo del celuloide rápidamente, y un artista de culto para muchos.

Al mismo tiempo que el “actor” belga iba ganando fama y espacio en el mundo de Los Ángeles, al otro lado del planeta, en Hong Kong específicamente, un director mostraba una inmensa capacidad artística para filmar películas y secuencias en ese mismo género. Después de impactar con “The Killer”, «Hard Boiled» y «A Better Tomorrow«, sólo era cuestión de tiempo para que John Woo pisara tierras americanas. Pocas frases, como la dicha por el afamado crítico de cine, Laurent Tirard, logran condensar el gran impacto del cine del asiático: «Woo elevó el cine de acción a un nivel operístico». Por esas cosas del destino, los planetas y las estrellas se alinearon para juntar a éstas dos personalidades del cine, en lo que terminó siendo una inmensa película de acción: «Hard Target».

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De Sergio Leone, Un Genio Por Conocer.

El cine es un arte que necesita del cambio para evolucionar, pero que está dominado por una industria temerosa a las nuevas ideas. Esa disyuntiva permite, no obstante, que de vez en cuando salgan piezas audiovisuales capaces de renovar las reglas que definen a un género y que supera las visiones conservadores de los ejecutivos. En esos oasis de libertad artística transgresora y éxito comercial masivo, nacen leyendas que incitan la adoración de sus contemporáneos, la que se va renovando con cada visionado que de sus obras se van dando en cada nueva generación. Alfred Hitchcock, por ejemplo, transformó el género del suspense y, Sergio Leone, con sus seis películas, enterraría sólo para hacer renacer el más americano de éstos, el western.

Y de ese quehacer irreverente sobresale «Once Upon A Time In The West«, el último spaghuetti western dirigido por Leone, considerado en cualquier lista seria de cine como uno de las mejores exponentes del género en toda su historia. Para este blog, la sentencia es tajante: es el mejor jamás creado. Es éste un filme con absolutamente todo para considerarse un clásico de culto, con la capacidad de atraer nuevos adoradores por todos lados a cada momento en que alguien tiene la oportunidad de disfrutarlo.

"Once Upon A Time In The West", de Sergio Leone
Un cuadro clásico al mejor estilo de Sergio Leone.

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«Mad Max», La Explosión De Las «Explotation Movies».

Las Explotaition Movies son unas producciones muy baratas, hechas de manera muy ágil y con un muy bajo control de calidad, que han estado presentes en la cinematografía mundial desde los años 30. Este género del séptimo arte se caracteriza por su gratuita y cruda violencia, escenas de sexo injustificadas, un lenguaje vulgar, persecuciones en carros y muchos disparos.

Entre una de las razones más importantes para la existencia de este fenómeno, era que algunas productoras debían realizar estas películas de manera muy rápida, puesto que se centraban en hechos noticiosos que interesaban al público, los que eran explotados por estos pequeños estudios, denominados Powerty Row, de manera vertiginosa, con tal de aprovechar el interés de la gente. También, se hacían películas bajo esta modalidad, puesto que una vez algún estudio se enteraba que uno de sus competidores tenían un producto interesante, corrían a hacerle la competencia.

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Ozploitation Movies

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«Reservoir Dogs», La Segunda Gran Opera Prima Del Cine.

En 1992 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance una cruda, dura y muy violenta película, la que dejó una fuerte marca en todas las personas que tuvieron la oportunidad de verla. La opera prima de Quentin Tarantino habría de marcar la manera como el cine y la violencia se iban a encontrar en la década posterior a su premiere, la de los años noventa. De hecho, como anécdota ilumindora, se decía que antes de Dogs en las películas de Sundance los personajes de ellas se morían… pero de viejos.

De la misma manera que le sucedió a Sergio Leone, Sam Peckinpah o a Brian de Palma, quienes al plasmar una fuerte violencia en sus películas se ganaron muchos contradictores, pero muchos más seguidores con el tiempo, hasta ir dejando su marca en el cine mundial, con Tarantino y “Reservoir Dogs” lo mismo habría de pasar en el Sundance (las críticas) y lo mismo en la historia (los seguidores).

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La Escena Del Café En «Reservoir Dogs».

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La Violencia En El Cine

Uno de los tópicos más maltratados a la hora de analizar películas son las escenas de violencia. Desde los slasher films, pasando por las películas de artes marciales, hasta los duros dramas tratando de representar el mundo moderno, la violencia en el cine ha sido constante blanco de críticas acérrimas en contra de ella. De nuevo, y como casi todo en la vida, el problema en sí no radica en la violencia, sino más bien en quiénes son las personas que la ven y quiénes son las personas que la hacen. Nada más que una cuestión de perspectiva.

Y en ese esquema, hay que saltar en defensa gallarda de los que disfrutan con el cine violento. Porque el gran ataque de quienes osan despotricar de esta forma de entretenimiento, y por qué no decirlo: de arte, es el supuesto traslape a la sociedad de los hechos puestos en pantalla, capaces de influenciar a las audiencias a realizar actos similares a los del filme. Pero la realidad muchas veces golpea con fuerza las creencia. A hoy, es muy difícil encontrar una sociedad más pacífica que la japonesa y, a su vez, una con un cine tan violento como el de ese país. Los mexicanos y colombianos durante décadas se especializaron en novelas de formato largo (culebrones) y hay que ver la manera cómo solucionan sus diferencias. Es válido decir que, en pocas palabras, la violencia en la sociedad no tiene nada que ver con el cine.

Leatherface. "The Texas Chainsaw Massacre".
Leatherface. «The Texas Chainsaw Massacre».

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