«Once Upon A Time In Hollywood», El Fin De Una Era.

Si en aquella maravillosa década de los años noventa se hubiera creado un filme con un cartel de igual magnitud al poseído por la última película del enfant terrible del cine, la taquilla de «Titanic» y «Avatar» serían tan solo un porcentaje de lo que esa hipotética producción hubiera alcanzado a recaudar. Un trailer promoviendo un filme dirigido por Quentin Tarantino, con Leonardo Dicaprio y Brad Pitt como protagonistas, sería la fórmula perfecta, el santo grial de cualquier productor de la meca del cine. El realizador, de hecho, se autodenominó uno de los «más afortunados de la historia por poder tener a los dos». Si a la fórmula se le agrega Al Pacino… Pero en estos días, y a más de un mes del estreno de «Once Upon A Time In Hollywood«, sorprende que el filme produzca números importantes; pero lejos de ser una cantidad de dinero envidiable en comparación.

Medios de renombre internacional, durante la etapa de promoción, afanosamente crearon sendas piezas sobre el actor hecho ya su propia marca liderando esta producción. Con mucha razón la prestigiosa The Hollywood Reporter definió al intérprete como su propia «franquicia». Entre sus líneas se estructuran ideas tan fuertes como que, mientras Robert Downey Jr. tan solo hace billones como Iron Man, Dicaprio logra taquillas impresionantes en obras de gran talla artística como «The Revenant» e «Inception«. No del todo cierto; pero con mucha validez toda la hipótesis. Y se presenta como argumento para sustentar que si tenemos la capacidad de analizar sin pasión, debemos aceptar la dolorosa realidad de que el trío más prometedor del séptimo arte no funcionó según lo esperado, permitiéndonos presenciar el fin de una era, alucinante e inolvidable, en Hollywood.

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«The Girl With The Dragon Tattoo», De David Fincher, Descifrando La Película Perfecta.

Irrelevante el tratar de definir la superioridad o inferioridad habida entre las dos adaptaciones de la novela de Stieg Larsson, la sueca o la hollywoodesca. Más sensato parece celebrar todo un acontecimiento cinematográfico inesperado, como el ser testigos de un exquisito ejercicio artístico: dos directores adaptando un mismo texto. Se sienten reales las palabras de David Fincher al justificar la realización del filme: «al leer el libro de Larsson» se siente la posibilidad de «poder realizar cinco películas diferentes». Su sentencia valida la máxima de Woody Allen, haciéndola tan cierta como vital el agua: «de un mismo texto veinte directores harán veinte películas distintas». E, inmesamente alejada está esta de su hermana europea. Su principal rasgo diferenciador es la marca, la firma, la estela mágica de su director en cada plano de ella.

Hollywood crear remakes por razones varias, pero todas dirigidas a controlar el negocio de la distribución, en ser ellos quienes dominan el contenido ofrecido a nivel global. Pero había en este proyecto una intención artística adicional: la primera se mencionó antes; pero también el deseo de desarrollar una franquicia para adultos. Calcado del modelo de negocio de crear sagas para niños, jovenes y adultos con gustos de niños (Marvel, DC), se planeaba ahora una enfocada en los mayores de edad con exigencias más densas. De hecho, su realizador «no estaba interesado en hacer otro filme de asesinos seriales», sino en crear un trilogía de películas con profundos temas y temáticas. Según sus propias palabras, «había esperado toda su carrera por esta oportunidad» y «el compromiso del estudio lo hizo aceptar el proyecto».

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«Jeremy » y «Do The Evolution», El Cine Profético de Pearl Jam.

La década de los años noventa fue la de MTV. El canal de música transformó por completo la industria y elevó su marca hasta convertirla en una religión. Una veintena de artistas musicales, más o menos, con sus obras audiovisuales de promoción acompañando sus canciones, fueron la razón de tan inmenso éxito. En un mundo donde la suerte de un disco estaba ligada a la calidad de los videos músicales, Guns N’ Roses, Nirvana, Michael Jackson, Madonna, consiguieron conquistar verdaderas cimas artísticas. Las piezas cinematográficas acompañando las canciones eran realizadas por directores ya celebrados en el séptimo arte (Martin Scorsese dirigió «Bad» de Michael Jackson, Gus Van Sant lo hizo con «Under the Bridge» de los Red Hot Chili Peppers, y Brian de Palma tomó las riendas en «Dancing in the Dark» de Bruce Springsteen) o por algunos directores encaminados a convertirse en cineastas de renombre ante la cinefilia mundial (David Fincher, Michael BaySpike Jonze).

En medio de toda la parafernalia de imágenes acompañando al sonido, una agrupación parecía ir contra el motor de su industria y cancelaba, en el momento cúspide de su carrera, toda promoción a través de videoclips. Pearl Jam, la banda de Seattle liderada por Eddie Vedder, se retiraba del mundo creado por MTV, después de haber recibido en la máxima fiesta de la cadena televisiva varios de sus premios más codiciados: mejor vídeo del año, mejor vídeo de grupo, mejor vídeo de heavy metal/hard rock y mejor director, en la edición de 1993 de los MTV Video Music Awards. “De aquí a diez años, no quiero que la gente recuerde nuestras canciones como vídeos”, fue la explicación dada por el bajista Jeff Ament. Pero la razón parece ser mucho más profunda e impactante: se retiraban al haber sufrido una censura por parte de la cadena, al tratar de hacer una manifestación artística de un suceso tenebroso: el suicidio de un menor de edad en pleno salón de clases en su escuela.

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«Inglourious Basterds», Quintaesencia Tarantino.

¿Qué le otorga a un filme el ser merecedor de llevar la firma de Quentin Tarantino? Tal vez la música, posiblemente la violencia, algo la estructura narrativa, mucho la comedia… Una dosis de lo anterior debe haber en la receta final. Pero subyacente a cada uno de ellos como un centro gravitacional sujetando a todos, yace escondido el verdadero ingrediente secreto del cineasta: sus personajes. Y ninguna película del afamado director norteamericano logró icónicas figuras del séptimo arte como «Inglourious Basterds».

Al recibir el premio America Rivera, en el Festival Internacional de Santa Barbara, el director postuló, casi sin algún tipo de duda, precisamente a esta película como la encargada de hacer perdurar su nombre en la posteridad. Son muchos los elementos sustentado su visión y parece imposible no concordar con la opinión del maestro. Y toda posición a su favor, sobre su comentario, radica en una percepción subjetiva de sentir a “Inglourious Basterds» como el trabajo más maduro de Tarantino, sin perder una gota de su esencia más pura y definitoria.

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«The Godfather Part II», La Obra de un Genio Inspirado.

Al Pacino in a scene from the film ‘The Godfather: Part II’, 1974. (Photo by Paramount/Getty Images)

Francis Ford Coppola se había desentendido por completo de la película cuya existencia transformó la suya propia. Paramount, su contraparte, estaba entre agobiada y agotada calculando qué hacer con los ingentes ingresos obtenidos. Entre sus deseos, por supuesto, era hacer otra obra con el particular director, en el universo originado en la mente de Mario Puzo. Se inventaron, negociantes ellos como pocos, las segundas partes, y comenzaron los contactos con el cineasta para construir la historia posterior de la familia Corleone. Coppola se negó inmediata y rotundamente.

La razón de la tajante negativa radicaba en los malos momentos vividos durante la filmación de lo que sería el origen de la saga. Pero el negocio era enorme, las posibilidades inmensas y la oportunidad única. Coppola encontró una salida salomónica: otorgarle la silla principal de la producción a un joven director de la época. La futura promesa, a quien el estudio rechazó de plano, era un tal Martin Scorsese. Nada por lamentar para la posteridad, pues al final Coppola aceptó al habersele prometido el cielo y un poco más por su retorno (y en forma de disculpas por el pasado), entregándole él a sus empleadores como respuesta a su generosidad pura maestría hecha cine, concluyendo todo en una de las mejores películas de todos los tiempos.

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El «Trailer» De Cine, Una Historia Por Contar.

Algunas veces son una pequeña obra de arte hechas para vender una gran producción. Otras, un completo enemigo del aficionado al arruinarle las sorpresas y la totalidad de los giros en la historia a ser presentados por la película. La mayoría de las veces, nada distinto a una pieza comercial . Lo que sí son, lo que sí se han ganado es su espacio como un elemento esencial del arte tan amado.

No hay, ni ha habido, herramienta más importante para un productor que el conjunto de imágenes organizadas para presentar un futuro filme a estrenarse, como medio de promoción, al que erradamente se ha llamado trailer (Hollywod es especialista en poner nombres equivocados a sus cosas). Es comprobado, una y otra vez, que las taquillas de cine revientan al protagonista fallecer antes del estreno (Heath Ledger, Paul Walker, Michael Jackson), pero Hollywood aún no ha llegado a tanto y, por eso, los cortos (como muchos de los hispanos le decímos) sigue siendo la estrategia rey.

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«Unbreakable», «Split», «Glass»: Shyamalan En El Olimpo De Los Grandes.

Para M. Night Shyamalan “The Sixth Sense” se transformó de una excelente experiencia a un karma en un santiamén. Producto del inmenso éxito que fue la cinta, es evidente la lógica detrás del hecho de que cada una de las siguientes producciones del artista fueran vendidas y esperadas como un nuevo thriller de suspenso y misterio, ejercicio que concluyó con un rotundo desastre de crítica y taquilla una vez vistas, con lo que la falsa expectativa destruyó, comercialmente, la incursión del cineasta en otros géneros cinematográficos.

Fue el caso de “Unbreakable“, filme protagonizado por Bruce Willis, Samuel E. Jackson y Robin Wright Penn, que va de un aficionado a los comics llamado Elijah Price (Jackson) quien desde pequeño sufre de una enfermedad, osteogénesis imperfecta, culpable de causarle fractura constante en sus huesos por falta de colágeno en su estructura. Resultado de la inmensa afición que Elijah tiene por las ficciones de super héroes, y la investigación profunda nacida consecuencia de esa pasión, la idea que ha concebido en su interior, casi un mecanismo de supervivencia, es que debe existir alguien que sea todo lo contrario a él: un ser fuerte, poderoso, imposibilitado a enfermarse y con una vitalidad sin paralelo.

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«Lethal Weapon», Un Dramatizado De Acción

Martin Riggs bebe, sin ningún tipo de compañía, un trago de licor en un solitario y viejo bar. Un grupo de ladrones se acercan a exigirle la entrega de su dinero. El policía, sin siquiera mirarlos, les pide que se pierdan y que lo dejen en paz. Ellos, indignados por la reacción, lo atacan con violencia, para verse sometidos por la destreza que posee el funcionario público en defensa personal. Riggs toma la botella de la que le estaban sirviendo, para seguir su faena. El barman del lugar, visiblemente frustrado, le pide que se la lleve, regalada, pero que no vuelva a su sitio. El hombre encargado de hacer cumplir la ley abandona el lugar con el envase de la bebida alcohólica en la mano.

Ese comienzo, tan lleno de clichés y momentos ridículos, era la manera como «Lethal Weapon» arrancaba. Incluso, la escena se filmó y está disponible en una de las versiones de DVD que la Warner lanzó. Pero Richard Donner, que venía de hacer «The Omen» y «Superman«, no trataría a su obra como una más del montón, como una producción de fábrica que se contenta con poner en ella los elementos tradicionales que conforman una buena obra de esta temática. No, Donner quería una gran película de acción y lo que terminaría creando, producto de una entrega total, sería el inicio de una franquicia exitosa y del establecimiento definitivo de un subgénero (buddy movies) dentro de un género (acción).

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«Hard Target», de John Woo, Cuando Un Artista Hace Cine De Acción.

A principio de la década de los años noventa, Jean Claude Van Damme era JEAN CLAUDE VAN DAMME, uno de los héroes del cine de acción más importantes en todo el mundo. Relativamente hablando, su nombre y prestigio no estaba a la altura de los más importantes hombres rudos de Hollywood de esa época, Stallone, Willis o Schwarzenegger; pero sí era alguien que se estaba ganando su espacio en el mundo del celuloide rápidamente, y un artista de culto para muchos.

Al mismo tiempo que el “actor” belga iba ganando fama y espacio en el mundo de Los Ángeles, al otro lado del planeta, en Hong Kong específicamente, un director mostraba una inmensa capacidad artística para filmar películas y secuencias en ese mismo género. Después de impactar con “The Killer”, «Hard Boiled» y «A Better Tomorrow«, sólo era cuestión de tiempo para que John Woo pisara tierras americanas. Pocas frases, como la dicha por el afamado crítico de cine, Laurent Tirard, logran condensar el gran impacto del cine del asiático: «Woo elevó el cine de acción a un nivel operístico». Por esas cosas del destino, los planetas y las estrellas se alinearon para juntar a éstas dos personalidades del cine, en lo que terminó siendo una inmensa película de acción: «Hard Target».

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«Mindhunter», Teatro Hecho Cine Para Televisión.

«El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.» La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

«Mindhunter«, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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Guns N’ Roses, Una Banda De Rock Y Cine.

Lo de Guns N’ Roses en esta segunda década del milenio es algo alucinante. Después de una separación abrupta de una alineación original ya diezmada a mediados de los años noventa, la banda se reúne en el 2016 para arrancar una gira mundial de conciertos, un suceso con hartas posibilidades de culminar en fracaso, puesto que el grupo no lanzaba un disco desde el milenio anterior. Pero, aún así, organizan una exitosa y numerosa cantidad de presentaciones por varios países, dándose el lujo además de romper un par de récords en su visita a los principales estadios.

El actual resurgir de los músicos ha creado una marcada nostalgia por esos siete años dorados en los que estos cinco desadaptados, forjados como grupo de rock en la ciudad de Los Ángeles, simple y llanamente pusieron el mundo de la música de cabeza. Siendo, indudablemente, una de las marcas más rentables en la industria, su cercanía con Hollywood era algo de esperarse, puesto que además de inmensa fama, su conexión con el cine es algo especial y manifiesta. Y no nos referimos con esto a las docenas de producciones que han licenciado sus canciones para que acompañen a las imágenes en movimiento, sino que hay momentos en los que la banda hizo tributo con su arte a algunas películas, a la existencia de sutiles conexiones con el séptimo arte y, por supuesto, al haber participado directamente en grandes producciones.

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«Inception», De Christopher Nolan, Máxima Cinematográfica.

Al juntar las iniciales de los nombres de los principales personajes de la película: Dom, Robert, Eames, Arthur, Mal, Saito, se crea la palabra «Dreams», la que traducida a nuestro idioma significa «Sueño». Si agregamos al ejercicio los nombres de otros tres: Peter, Ariadne y Yusuf, formamos con todo el conjunto la expresión inglesa «Dreams Pay», la que podría entenderse por los hispanos como «Los Sueños Pagan». Básicamente, esto último es el quehacer del grupo dirigido por Dom Cobb en «Inception«, la obra maestra de Christopher Nolan.

Continuar por esta linea no es un ejercicio fútil; es más bien uno capaz de incrementar el aprecio por la película. «Yusuf», el nombre del personaje interpretado por Dileep Rao, es la palabra árabe para «José», figura religiosa (bíblica y del Corán) quien en el libro del Génesis tuvo el don de interpretar los sueños, pudiendo con su visión preparar al faraón para el desastre de los «siete años de escasez». Ariadne (Ellen Page), en la mitología griega era el nombre que tenía la hija del rey Minos de Creta y es recordada por la historia porque según su leyenda, ayudó ella a Teseo a vencer al Minotauro al entregarle una bola de hilo rojo de lana con la que pudo encontrar el camino fuera del laberinto. Cuando Cobb le pide a Ariadne que realice, precisamente un laberinto que él no pueda resolver rápidamente, la solución encontrada por la arquitecta es un diagrama idéntico al del Rey Minos.

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Amando A Weinstein, Odiando A Harvey, El Fin De Una Era En Hollywood.

Kevin Smith, director de «Clerks» y «Zack and Miri Make a Porno«, entregó a Harvey Weinstein a mediados de la década de los noventa un guion escrito por Matt Damon y Ben Afleck, años más tarde conocido por todo el mundo como la película «Good Will Hunting«. El productor le encantó el texto y organizó un encuentro para discutir con los escritores. El hombre a cargo de Miramax en esa época, le confesó a sus contertulios la fascinación que sentía por el material; pero que se encontraba absolutamente confundido por la escena entre los dos profesores (a ser interpretados por Stellan Skarsgård y Robin Williams) ubicada en la página sesenta, en la que mantenían sexo oral. El grupo de jóvenes realizadores le contestaron al ejecutivo que esa escena no era para filmarla en la película, sino para probar a los jefes de los estudios, buscando comprobar si habían leído ellos o no el texto. Después de haberse visto con todos los grandes: Warner Bros, MGM, FOX, Harvey Weinstein era el único que había hecho algún comentario acerca de esa escena.

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Getty Images

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La Mística Que Rodea A «Blade Runner».

Es común, entre las grandes producciones pertenecientes a lo que en este blog se denomina como el negocio del séptimo arte, encontrar una génesis fascinante para cada una de ellas. Philip K. Dick, por ceñirnos a nuestro tema de referencia, halló la inspiración para su cuento “Do Androids Dream of Electric Sheep?”, eventual base del guion escrito por Hampton Fancher y David Webb Peoples y que a su vez sería transformado en la película “Blade Runner” por el director Ridley Scott, mientras hacía una investigación sobre los nazis alemanes.

El acceso a los archivos de la organización política germana fue una experiencia traumática para el joven autor, quien encontró en esas páginas los detalles de un accionar tan salvaje por parte del grupo político, con una total ausencia de consideración humana, que le imposibilitó considerar a esas personas como sus pares. Eran, desde su perspectiva, una especie de entes diabólicos en cuerpos de seres vivos idénticos a un hombre y una mujer. Una frase encontrada en esos documentos, transcrita de algún agente de la Gestapo estacionado en Polonia, lo llevó a dictaminar tan tajante conclusión: “lo que nos mantenía en la noche despiertos eran los llantos de los niños muertos de hambre”.

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«The Departed», La Cúspide De Scorsese.

Inmediatamente mencionadas las nominaciones al Oscar para el año 2007, un aluvión de escritos pronosticó con tono tajante el premio a Mejor Director para Martin Scorsese, resultado esperado y por poco obligado como resultado de su trabajo como creador del filme “The Departed”. A la mañana siguiente de haber obtenido la dorada estatuilla, como setas que crecen después de la lluvia aparecieron comentarios acusando que el galardón había sido más por su carrera, su pasado, más no por la obra en competición, algo difícil de comprender para esos comentaristas, pues esta no era un trabajo a la altura de sus antiguas entregas. La gente puede llegar a ser quisquillosa.

Pero quisquilloso puede ser cualquiera, por lo que no parece errado declarar, con conocimiento del riesgo que se toma frente a los más conocedores del séptimo arte, el que “The Departed” es la obra maestra de Martin Scorsese. Puede, y es válido el debate abierto con la siguiente sentencia, no ser una obra maestra del cine; pero sí es la de su director. Después de un largo repaso al cuerpo de su trabajo, incluyendo largometrajes, documentales y comerciales, es difícil encontrar un filme tan completo, ambicioso y con una intención tan marcada de subyugar la narración del metraje a su inmenso talento y conocimiento del cine, como lo es esta película. En pocas palabras: “The Departed” es la película más Scorsese de Martin Scorsese.

De Robert Bruno

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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«Natural Born Killer», Y La Fama Del «Popeye».

“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, el trailer de una película funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de «Natural Born Killers«, éste lo logró.

La película, basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski, se centra en la vida de los asesinos en serie Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis. Ambos personajes, unos criminales aterrorizando a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, se caracterizan por la espectacularidad que rodea sus actos vandálicos, y, por ende, por el interés mediático generado hacia ellos, llevando a la tan deseada exhibición televisiva. Su exposición en la pantalla chica les permite recibir un marcado apoyo y respaldo de una parte de la población, una que seguramente se siente segura e inalcanzable para ellos.

 

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«Las Noticias Los Hicieron Superestrellas»

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«Kill Bill», La Obra Y El Debate De Un Autor.

En algún momento Tarantino se refirió a su universo de la siguiente manera: «cuando una persona normal, real, de la calle como tú y yo, va al cine, va a ver películas como “Pulp Fiction” y “Reservoir Dogs”; pero cuando los personajes de esas películas van al cine, van a ver “Kill Bill”». Pocas sentencias pueden describir con tanta precisión el cine de este autor y, basándonos en eso, nos arriesgamos a decir que “Kill Bill” es la película que Quentin Tarantino siempre quiso hacer.

El filme, presentada a un focus group en Austin, Texas, recibió una ovación de pie de más de quince minutos, lo que llevó a Harvey Weinsten a no querer recortar ni un segundo de su producción y enviarla, inmediatamente, a su proceso de distribución. Eso, a pesar de lo arriesgado que la misma pudiera parecer comercialmente, teniendo en cuenta su fuerte contenido de violencia y el haberse enmarcado en géneros pocos comerciales.

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Kill Bill Poster

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«Alien Covenant», Una Conveniente Secuela.

Era Francis Ford Copolla quien decía que en el cine, como en la vida, la única vía posible de surgir era tomando riesgos, porque si tomabas uno podías ganar o perder; pero si no tomabas, sólo podías terminar perdiendo. Y era Quentin Tarantino quien decía que el cine era un oficio de gente joven, puesto el cansancio de la vejez era incompatible con la demanda requerida de energía para hacer una película. Ambas frases, cuya veracidad es una matizada, describen a la perfección «Alien Covenant«, la última producción dirigida por Ridley Scott, sexta entrega de la franquicia que él dio inicio con la magistral «Alien» de 1979.

Y citamos a los maestros estadounidenses para hablar de la última obra del maestro ingles, porque la última obra del antiguo director de comerciales es una película menor entre las obras de Scott, lo que quiere decir muy superior a la media ofrecida hoy en día. «Alien Covenant» es una mala película comparada con las otras grandes obras de su realizador; pero no con lo que se le ofrece al espectador hoy.

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«En El Espacio Nadie Puede Escucharte Gritar», decía el eslogan de la primera entrega de la saga.

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«Érase Una Vez En Hollywood» La Revancha De Disney Contra Tarantino.

Es Hollywood un lugar mágico. Aquellos que han visitado la ciudad de Los Ángeles no dejan de sorprenderse por la omnipresencia de la industria del entretenimiento en cada espacio de la urbe. Y como si de una buena película se tratara, la meca del cine es un lugar donde el misterio rodea a aquellos que manejan los hilos de lo que puede ser el más grande imperio americano. Sus relaciones con la mafia, con las más altas esferas políticas y, sobre todo, su capacidad para ocultar los resultados de su negocio son hechos que superan la más increíble ficción.

Sólo en Hollywood un estudio como Paramount puede declarar que una película como «Forrest Gump», con un costo de 55.000.000 de dólares y una taquilla de 677.000.000, no les generó alguna ganancia. Y sólo allí, otro estudio, Warner Bros, puede repetir tal fraude fiscal anunciando varios años después que con “Harry Potter and the Order of the Phoenix” sufrieron pérdidas por 167.000.000 de dólares, a pesar de que la taquilla llegó a los 940.000.000 de dólares y su costo fue de 150.000.000.

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Las Majors De Hollywood

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De Sergio Leone, Un Genio Por Conocer.

El cine es un arte que necesita del cambio para evolucionar, pero que está dominado por una industria temerosa a las nuevas ideas. Esa disyuntiva permite, no obstante, que de vez en cuando salgan piezas audiovisuales capaces de renovar las reglas que definen a un género y que supera las visiones conservadores de los ejecutivos. En esos oasis de libertad artística transgresora y éxito comercial masivo, nacen leyendas que incitan la adoración de sus contemporáneos, la que se va renovando con cada visionado que de sus obras se van dando en cada nueva generación. Alfred Hitchcock, por ejemplo, transformó el género del suspense y, Sergio Leone, con sus seis películas, enterraría sólo para hacer renacer el más americano de éstos, el western.

Y de ese quehacer irreverente sobresale «Once Upon A Time In The West«, el último spaghuetti western dirigido por Leone, considerado en cualquier lista seria de cine como uno de las mejores exponentes del género en toda su historia. Para este blog, la sentencia es tajante: es el mejor jamás creado. Es éste un filme con absolutamente todo para considerarse un clásico de culto, con la capacidad de atraer nuevos adoradores por todos lados a cada momento en que alguien tiene la oportunidad de disfrutarlo.

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Un cuadro clásico al mejor estilo de Sergio Leone.

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«Snowden», La Muerte Del Cine. Segunda Parte.

Cary Fukunaga, quien dirigiera la celebrada primera temporada de «True Detective«, estipuló que la baja calidad del séptimo arte se debe no a una falta de ideas en Hollywood, sino a una falta de buenas audiencias en el mundo. Al ver, con tristeza, los ingresos recibidos por la boletaría vendida en la última película de Oliver Stone, «Snowden«, es imposible no estar de acuerdo con el brillante cineasta.

El filme, protagonizado por Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Timothy Olyphant, Zachary Quinto, Scott Eastwood, Nicolas Cage, Rhys Ifans y Tom Wilkinson, decepcionó en taquilla a nivel planetario (hizo 37 millones de dólares), a pesar de tener críticas decentes en IMDB (7.3) y Cinemascore (A).

La crítica al público está señalada acá por el hecho de que esta producción presenta uno de los temas de mayor importancia en la actualidad, uno de los debates más poderosos a tratar en los próximos años y uno que afecta a cada ciudadano por igual. Lo retratado es el que todo, absolutamente todo lo que hagamos en los medios digitales sea revisado y visto por las agencias de seguridad más importantes del mundo, con lo que estamos hablando, por supuesto, de la absoluta pérdida de la privacidad por parte de los humanos.

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Oliver Stone, El Rebelde De Hollywood.

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«Reservoir Dogs», La Segunda Gran Opera Prima Del Cine.

En 1992 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance una cruda, dura y muy violenta película, la que dejó una fuerte marca en todas las personas que tuvieron la oportunidad de verla. La opera prima de Quentin Tarantino habría de marcar la manera como el cine y la violencia se iban a encontrar en la década posterior a su premiere, la de los años noventa. De hecho, como anécdota ilumindora, se decía que antes de Dogs en las películas de Sundance los personajes de ellas se morían… pero de viejos.

De la misma manera que le sucedió a Sergio Leone, Sam Peckinpah o a Brian de Palma, quienes al plasmar una fuerte violencia en sus películas se ganaron muchos contradictores, pero muchos más seguidores con el tiempo, hasta ir dejando su marca en el cine mundial, con Tarantino y “Reservoir Dogs” lo mismo habría de pasar en el Sundance (las críticas) y lo mismo en la historia (los seguidores).

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La Escena Del Café En «Reservoir Dogs».

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La Violencia En El Cine

Uno de los tópicos más maltratados a la hora de analizar películas son las escenas de violencia. Desde los slasher films, pasando por las películas de artes marciales, hasta los duros dramas tratando de representar el mundo moderno, la violencia en el cine ha sido constante blanco de críticas acérrimas en contra de ella. De nuevo, y como casi todo en la vida, el problema en sí no radica en la violencia, sino más bien en quiénes son las personas que la ven y quiénes son las personas que la hacen. Nada más que una cuestión de perspectiva.

Y en ese esquema, hay que saltar en defensa gallarda de los que disfrutan con el cine violento. Porque el gran ataque de quienes osan despotricar de esta forma de entretenimiento, y por qué no decirlo: de arte, es el supuesto traslape a la sociedad de los hechos puestos en pantalla, capaces de influenciar a las audiencias a realizar actos similares a los del filme. Pero la realidad muchas veces golpea con fuerza las creencia. A hoy, es muy difícil encontrar una sociedad más pacífica que la japonesa y, a su vez, una con un cine tan violento como el de ese país. Los mexicanos y colombianos durante décadas se especializaron en novelas de formato largo (culebrones) y hay que ver la manera cómo solucionan sus diferencias. Es válido decir que, en pocas palabras, la violencia en la sociedad no tiene nada que ver con el cine.

Leatherface. "The Texas Chainsaw Massacre".
Leatherface. «The Texas Chainsaw Massacre».

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«Pulp Fiction», La Película Que Marcó Una Década.

“En el verano de 1989, un trabajador de una vídeotienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo». Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principio de la década de los años noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. «Reservoir Dogs«, pero muy especialmente «Pulp Fiction«, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, mientras todos trataban de entender qué había en estas obras que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron «Pulp Fiction» en el Festival de Cine de Cannes en 1994. Como es de todos conocido, el filme se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

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Poster «Raro»

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Una Tragedia Llamada Jean-Claude Van Damme

El cine de acción, en los años ochenta, llegó a su cumbre comercial. Los héroes de la década, Bruce Willis, Silvester Stallone, Mel Gibson y Arnold Schwarzenegger, eran garantía de una película rompedora de taquilla. Sus éxitos más emblemáticos llegaron a ser fenómenos mundiales, en una época donde el vídeo casero estaba a punto de explotar. Pero, de manera silenciosa, un actor belga, cuyo nombre real es Jean-Claude Camille François Van Varenberg, pero que conocemos mundialmente como Jean-Claude Van Damme, estaba labrando su espacio en la meca del cine, a través de su aparición en producciones de «serie b.»

Cuenta la leyenda que Van Damme se fue de Bélgica a Hollywood sin tener ni donde dormir. Un día, cansado de la situación, esperó a un productor afuera de la oficina donde el hombre trabajaba. Cuando por fin salió, el aspirante a actor se acercó al ejecutivo, llamó su atención y cuando éste volteó a mirarlo, el artista marcial le lanzó su famosa patada por encima de la cabeza. El realizador quedó tan impresionado que comenzó a trabajar con él de inmediato.

Split kick de Van Damme
Split kick de Van Damme

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Diez Grandes Frases De Diez Grandes Cineastas.

Se ha hablado mucho del tema. ¿Qué tanta importancia tiene el director en una película? ¿Es el autor definitivo? Como todo en la vida, la verdad es que es una situación que varía. Para nuestro gusto, en las películas en las que los productores dan las ordenes artísticas y tienen la última palabra, ese tipo de producciones son dirigidas por directores; pero en aquellas en las que son los directores quienes tienen el control y dominio de la obra, son dirigidas por cineastas.

Ellos, los cineastas, logran sobresalir por un punto de vista sobre la vida o el arte que dominan que es generalmente fascinante. Más allá de sus inmensas capacidades técnicas, que muchas veces se les atribuyen injustamente, pues es el equipo alrededor suyo quien debería recibir las alabanzas, lo que es emocionante en sus obras es su visión. Eso hace que muchas veces sea tan deleitoso escuchar sus palabras como observar sus trabajos.

Director Martin Scorsese (Second-Left) holds up his Oscar for Best Director in 'The Departed' with Directors Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, and George Lucas (L-to-R) at the 79th Annual Academy Awards at the Kodak Theatre in Hollywood, California Sunday 25 February 2007. EPA/PAUL BUCK +++(c) dpa - Bildfunk+++
Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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