El “Trailer” De Cine, Una Historia Por Contar.

Algunas veces son una pequeña obra de arte hechas para vender una gran producción. Otras, un completo enemigo del aficionado al arruinarle las sorpresas y la totalidad de los giros en la historia a ser presentados por la película. La mayoría de las veces, nada distinto a una pieza comercial . Lo que sí son, lo que sí se han ganado es su espacio como un elemento esencial del arte tan amado.

No hay, ni ha habido, herramienta más importante para un productor que el conjunto de imágenes organizadas para presentar un futuro filme a estrenarse, como medio de promoción, al que erradamente se ha llamado trailer (Hollywod es especialista en poner nombres equivocados a sus cosas). Es comprobado, una y otra vez, que las taquillas de cine revientan al protagonista fallecer antes del estreno (Heath Ledger, Paul Walker, Michael Jackson), pero Hollywood aún no ha llegado a tanto y, por eso, los cortos (como muchos de los hispanos le decímos) sigue siendo la estrategia rey.

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“Die Hard” y “Die Hard With A Vengeance”: Obra Cumbre Del Cine De Acción A Dos Actos.

Die Hard” es un clásico. Posiblemente el clásico de acción más importantes de todos los tiempos, el más emblemático y aquel capaz de erigirse como el mejor exponente de una época de oro para el cine de acción de Hollywood, como lo fue la década de los años ochenta. Alcanzó, la obra, un éxito de taquilla y de crítica muy distante al recibido en general por las películas que hacen parte de este maltratado género, en gran parte producto de la magistral dirección de John McTiernan, un estelar de Bruce Willis absolutamente encantador y un Alan Rickman exquisito. Con  cuatro nominaciones bien merecidas a los premios de la Academia, y recaudando más de 140 millones de dólares a nivel mundial, sobre un costo de 28, “Die Hard” se convirtió por derecho propio en un imperdible del cine.

Producto de tan enorme suceso, Hollywood, de manera muy poco sorpresiva, habría de exprimir el éxito de manera comercial hasta el agotamiento máximo, dando como resultado una franquicia patética y ridícula, con unas últimas entregas desconectadas en su totalidad de la génesis del filme. No obstante, porque todo hay que decirlo, en ese trabajo de saquear hasta el final a esta saga y el personaje, hubo un momento de brillantez, de inspiración máxima, de glamour fílmico, como lo es esa joya titulada “Die Hard with a Vengeance“.

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“Lethal Weapon”, Un Dramatizado De Acción

Martin Riggs bebe, sin ningún tipo de compañía, un trago de licor en un solitario y viejo bar. Un grupo de ladrones se acercan a exigirle la entrega de su dinero. El policía, sin siquiera mirarlos, les pide que se pierdan y que lo dejen en paz. Ellos, indignados por la reacción, lo atacan con violencia, para verse sometidos por la destreza que posee el funcionario público en defensa personal. Riggs toma la botella de la que le estaban sirviendo, para seguir su faena. El barman del lugar, visiblemente frustrado, le pide que se la lleve, regalada, pero que no vuelva a su sitio. El hombre encargado de hacer cumplir la ley abandona el lugar con el envase de la bebida alcohólica en la mano.

Ese comienzo, tan lleno de clichés y momentos ridículos, era la manera como “Lethal Weapon” arrancaba. Incluso, la escena se filmó y está disponible en una de las versiones de DVD que la Warner lanzó. Pero Richard Donner, que venía de hacer “The Omen” y “Superman“, no trataría a su obra como una más del montón, como una producción de fábrica que se contenta con poner en ella los elementos tradicionales que conforman una buena obra de esta temática. No, Donner quería una gran película de acción y lo que terminaría creando, producto de una entrega total, sería el inicio de una franquicia exitosa y del establecimiento definitivo de un subgénero (buddy movies) dentro de un género (acción).

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Guns N’ Roses, Una Banda De Rock Y Cine.

Lo de Guns N’ Roses en esta segunda década del milenio es algo alucinante. Después de una separación abrupta de una alineación original ya diezmada a mediados de los años noventa, la banda se reúne en el 2016 para arrancar una gira mundial de conciertos, un suceso con hartas posibilidades de culminar en fracaso, puesto que el grupo no lanzaba un disco desde el milenio anterior. Pero, aún así, organizan una exitosa y numerosa cantidad de presentaciones por varios países, dándose el lujo además de romper un par de récords en su visita a los principales estadios.

El actual resurgir de los músicos ha creado una marcada nostalgia por esos siete años dorados en los que estos cinco desadaptados, forjados como grupo de rock en la ciudad de Los Ángeles, simple y llanamente pusieron el mundo de la música de cabeza. Siendo, indudablemente, una de las marcas más rentables en la industria, su cercanía con Hollywood era algo de esperarse, puesto que además de inmensa fama, su conexión con el cine es algo especial y manifiesta. Y no nos referimos con esto a las docenas de producciones que han licenciado sus canciones para que acompañen a las imágenes en movimiento, sino que hay momentos en los que la banda hizo tributo con su arte a algunas películas, a la existencia de sutiles conexiones con el séptimo arte y, por supuesto, al haber participado directamente en grandes producciones.

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Amando A Weinstein, Odiando A Harvey, El Fin De Una Era En Hollywood.

Kevin Smith, director de “Clerks” y “Zack and Miri Make a Porno“, entregó a Harvey Weinstein a mediados de la década de los noventa un guion escrito por Matt Damon y Ben Afleck, años más tarde conocido por todo el mundo como la película “Good Will Hunting“. El productor le encantó el texto y organizó un encuentro para discutir con los escritores. El hombre a cargo de Miramax en esa época, le confesó a sus contertulios la fascinación que sentía por el material; pero que se encontraba absolutamente confundido por la escena entre los dos profesores (a ser interpretados por Stellan Skarsgård y Robin Williams) ubicada en la página sesenta, en la que mantenían sexo oral. El grupo de jóvenes realizadores le contestaron al ejecutivo que esa escena no era para filmarla en la película, sino para probar a los jefes de los estudios, buscando comprobar si habían leído ellos o no el texto. Después de haberse visto con todos los grandes: Warner Bros, MGM, FOX, Harvey Weinstein era el único que había hecho algún comentario acerca de esa escena.

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Getty Images

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“It”, Muerte Al Cine De Suspenso, Larga Vida Al Cine De Sustos.

Una pareja sentada en una mesa de un lindo restaurante celebrando su aniversario. Un hombre misterioso deja un maletín con una bomba debajo de la mesa, sin que ninguno de los dos lo percate. El reloj con la cuenta regresiva comienza a andar y se acerca imparable a la explosión que acabará con sus vidas. Los tórtolos siguen melosos, compartiendo en la más ignorante dicha la inexistencia del artefacto junto a sus pies. Si esto fuera una escena, cada segundo que pasa, cada palabra dicha, carcomen nuestra calma hasta llevarnos al desespero por no saber si la bomba estallará o no. Eso, en cine, es un suspenso agobiante que sentimos como espectadores. La misma pareja hablando, tranquila, en el mismo restaurante, y de repente estalla una bomba de la que nadie sabía su existencia, es un enorme susto.

Más o menos en estas palabras explicaba el brillante Alfred Hitchcock, con gran genialidad y con cierto aire de paternidad, la diferencia estructural entre el susto y el suspenso al crítico de cine, y posterior maestro del séptimo arte Francois Truffaut, en su ya clásico libro y biblia de todo cinéfilo: “El Cine Según Hitchcock“. La diferencia entre el susto y el suspenso, es también la diferencia entre una película palomitera y una obra maestra, prácticamente. “It” de Andrés Muschietti (ahora “Andy”) es, al igual que casi todo el cine de horror taquillero actual, una película de sustos, no de suspenso. Pero eso sí, una muy buena película de sustos.

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“T2: Trainspotting”, Una Sobredosis De Puro Cinema.

“Escoge Cine”, podríamos decir extasiados después de ver la última producción de Danny Boyle, una secuela de su obra de culto de los años noventa, “Trainspotting“. Basada en la continuación del libro (“Porno” de Irvine Welsh) cuya primera parte dio origen a esta franquicia inglesa, “T2 Trainspotting” es puro cinema. Parafraseando a Jack Lemmon, podemos decir que una de las instrucciones más brillantes dadas por director alguno, alguna vez, fue aquella impartida por Billy Wilder en medio de un set, quien al actor le espetó sobre una toma: “está muy bien, pero no tiene nada interesante”. David Fincher, otro maestro, explicaba en una entrevista que hay dos posibilidades para posicionar la cámara en un plano: el correcto y el otro. En “T2 Trainspotting” Boyle obedece y fusiona las máximas de los dos célebres directores y crea un viaje audiovisual en donde cada plano no sólo es el correcto, sino además el más impactante.

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“Reservoir Dogs”, La Segunda Gran Opera Prima Del Cine.

En 1992 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance una cruda, dura y muy violenta película, la que dejó una fuerte marca en todas las personas que tuvieron la oportunidad de verla. La opera prima de Quentin Tarantino habría de marcar la manera como el cine y la violencia se iban a encontrar en la década posterior a su premiere, la de los años noventa. De hecho, como anécdota ilumindora, se decía que antes de Dogs en las películas de Sundance los personajes de ellas se morían… pero de viejos.

De la misma manera que le sucedió a Sergio Leone, Sam Peckinpah o a Brian de Palma, quienes al plasmar una fuerte violencia en sus películas se ganaron muchos contradictores, pero muchos más seguidores con el tiempo, hasta ir dejando su marca en el cine mundial, con Tarantino y “Reservoir Dogs” lo mismo habría de pasar en el Sundance (las críticas) y lo mismo en la historia (los seguidores).

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La Escena Del Café En “Reservoir Dogs”.

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“Mad Max: Fury Road”, Una Furia De Película.

La leyenda es cierta. En una premiere de “Mad Max: Fury Road“, a la que asistió su director, George Miller, al momento del septuagenario realizador subirse al escenario, una leyenda del cine moderno, el gran Robert Rodriguez, tomó el micrófono para preguntarle: “¿cómo demonios filmó usted esta película?”. La pregunta es una que nace de forma natural después de ver el filme. Un famoso comentarista de cine escribió, posterior a haberla disfrutado, que se sentía “como si Miller se hubiera robado 150 millones de dólares de Warner Bros. y partido para África con ellos a filmar un persecución”, de unos maniáticos.

Wallpaper de Mad Max: Fury Road

Es que la última entrega de esta saga de orígenes australianos es realmente un ejercicio máximo de cinematografía. Críticos de todo el mundo la han llamado una película que “cambia por completo el cine” (Edward Douglas, Cooming Soon Net), “una película que derretirá tu cara” (Jen Nemato, The Daily Beast) y “una película que de plano es increíble” (Todd MaCarthy, Hollywod Reporter). Con una calificación de 8,6 en IMDB y un alucinante 98% en Rotten Tomattoes, ambas después de tres semanas de estrenada, es justo decir que desde “Pulp Fiction” una película no generaba tanta pasión entre los más exigentes amantes del séptimo arte.

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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