Un Genio Llamado Jim Carrey.

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Es, inmensamente fácil y tentador, calificar un actor de comedia como un “payaso”. Un bufón encargado de producir carcajadas en la audiencia, producto de una personalidad extrovertida y temeraria, impulsora de actos circenses, muchas veces hilarantes, algunas veces humillantes. Pero son ellos, algunas veces, muchísimo más. Jim Carrey fue el último de esa estirpe, y tal vez igual de grande a todos sus antecesores. Charles Chaplin, Buster Keaton y, para sorpresa de muchos, Marilyn Monroe, son exponentes clásicos de esta figura que trasciende épocas. Porque parece ser, no existe nada más alejado de la realidad que esa caracterización simplista y, en muchos aspectos, bastante ridícula sobre ellos hecha.

Se deja abierto para el debate, pero las tres estrellas masculinas más grandes del cine en los años noventa fueron Tom Cruise, Tom Hanks y Jim Carrey. En el último caso, fueron sus muecas, su histrionismo, su salvaje expresión corporal, los rasgos de su actuación, de su arte, los que le dieron la adoración mundial. Todos estos elementos se consideran fallidos y equivocados dentro de los cánones que se conocen como un performance clásico, en sentido estricto son elementos de una sobreactuación que destruyen lo que debe ser un “actor de personajes”, de “carácter”, como se ha traducido en forma errónea en español la expresión “character actor“.

Jim Carrey
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GOW, por George Orson Welles (Primera Entrega).

George Orson Welles.

Fue el más grande; pero su tragedia fue nunca llegar a ser realmente el más poderoso. Su lugar predilecto era en los extremos, al que llegaba porque le sobraba de todo: talento, cultura, genio. Pero, como es natural, al ubicarse en un lado de la balanza de la vida, lo encontrado a la otra orilla era también una realidad apabullante por su escasez: dinero, oportunidades, amigos. George Orson Welles, su vida, es la película más grandiosa jamás hecha en Hollywood. Un amor fou entre un artista y los diferentes medios que usó para expresarse, a los que transformó a su paso por ellos. Su nombre impactó en el teatro, la radio y el cine, para siempre; pero fue en este último, la última de sus amantes, donde habría de encontrar su eterna femme fatale, una que, como dicta en esencia el personaje, habría de destruirlo hasta extinguirlo en la más triste de las situaciones.

David Thomson, en su fascinante pieza para The Guardian titulada con elegante obviedad como “Orson Welles: El más glorioso fracaso cinematográfico de todos“, se atrevía, en gran parte impulsado por poseer la razón, a disminuir figuras tan míticas del séptimo arte como Martin Scorsese y Alfred Hitchcock, cuya comparación tan sólo hacía engrandecer el nombre de Welles. Ambos directores, indispensables figuras en su industria, palidecen como meros hombres de cine al ser confrontado su legado con la vida del autor de “Citizen Kane“, quien deslumbró como artista (actor, director, escritor, productor), político (por poco fue Secretario General de la ONU, hizo conferencias contra el fascismo, reemplazó a FDR en uno de sus debates mientras le hacía campaña), columnista (The Washington Post), mago (en televisión y Las Vegas) y tertuliano (fue host en su propio programa de televisión).

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“Hjertestart” Y La Necesidad De Otro Cine.

El líder político Pablo Iglesias y el escritor conservador Juan Manuel de Prada, debatiendo sobre la divino y terrenal en el programa televisivo “Otra vuelta de tuerka”, encontraron un espacio para explorar el cine español de los últimos años. La crítica, compartida por ambos, era que en este nuevo momento todo lo producido para la gran pantalla en el mundo ibérico era demasiado hollywoodense.  La crítica, certera como dura es una roca, obvia la triste realidad de que ningún canal, productor, inversionista…, va a financiar un filme a menos que este tenga una fuerte semejanza a los realizados en la Meca del Cine. Es la ley en la industria hoy.

Y la posición es sostenida por los hechos. Hay otro cine ahí afuera, uno que emerge resultado de un esfuerzo monumental al escribir, producir y distribuir en festivales películas con grandes historias íntimas como fuerza propulsora que incita a crear, y cuyo deseo es conectar con la audiencia a un nivel personal. Tristemente, es ignorado este por el público. “Hjertestart“, el filme de Arild Andresen, escrito por él mismo en compañía de Hilde Susan Jaegtnes, protagonizado por Kristoffer Joner y Marlon Moreno Solarte, es claramente un ejemplo de ello.

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Del Cine Como El Quinto Poder.

Todo poder público al interior de cualquier sociedad democrática debe tener un contra-poder que regule su funcionamiento y limite sus alcances, siendo esto uno de los principios base de la teoría política clásica. Primitivamente, las sociedades crearon una función legislativa, otra ejecutiva y una última judicial, como tres ramas organizativas del poder público. No obstante, este sistema de pesos y contra pesos funcionaba a nivel de gobierno, parlamentos y cortes, sin dejarle a la ciudadanía un ente desde el cual ella pudiera ejercer presión de manera cotidiana. Los medios de información llenaron ese espacio por un momento, teniendo en la denuncia hacia los funcionarios públicos el arma más poderosa para delimitar sus acciones y enfocarlo hacia el bien público.

Producto de los cambios producidos por la globalización en su fase de pax americana y neoliberal, la sociedad de hoy se enfrenta a un nuevo problema. No se previó, por parte de nuestros padres fundadores, la capacidad de que alguna institución, algún ente o una organización, pudiera captar las tres ramas del poder público y la del ciudadano, disponiendo de todas ellas a su antojo y para satisfacer sus necesidades. Es indudable que hoy, el poder económico, centralizado éste en las grandes corporaciones con alcance global, tiene a su merced Estados enteros, dejando de nuevo a los pueblos indefensos frente a su accionar. Como era de esperarse, esta capacidad de maniobra va muchas veces en beneficio de todos; pero es también usada de manera inescrupulosa cuando los intereses comerciales se ven amenazados. Es por esto que se debe celebrar cuando desde el arte, sin importar su forma de expresión, se alza una voz de denuncia que acusa, con la sutileza producto de su misma esencia, alguna faceta diciente de ese mundo totalitario que hoy se ha erigido frente a nosotros.

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“Mindhunter”, Teatro Hecho Cine Para Televisión.

“El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.” La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

Mindhunter“, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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“Blade Runner 2049”, Ahora Los Hombres Somos Los Dioses.

Las secuelas hollywoodenses son, en la inmensa mayoría de los casos, una oportunidad desperdiciada para contar una gran historia. Al volcar su objetivo en convertirlas en poderosas maquinas de hacer dinero, sus realizadores abandonan desde el más temprano proceso creativo toda posibilidad de explotar argumentativa y artísticamente un mundo ya experimentado con satisfacción por un público masivo. No es ese el caso de “Blade Runner 2049“, una secuela hecha 35 años después de su antecesora y centrada en profundizar, expandir y actualizar el universo y los temas que fascinaron con fervor al público de dos generaciones anteriores.

No es baladí compartir el sustantivo usado por el director a la hora de explicar por qué decidió tomar las riendas del proyecto, puesto que parece hallarse en esa palabra la característica que mejor define la última película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve: después de revisar el guion escrito por Hampton Fancher, Michael Green y Ridley Scott, el cineasta encontró un material escrito con una calidad poética; que lo impulsó con fervor a convertirlo en imágenes y sonidos. Al parecer, y es algo triste de comprobar cada vez con más fuerza, cómo en estos tiempos la suerte de estos artistas, así sean visuales, es quedar condenados al fracaso comercial puesto que, y es que todo debe decirse, el último trabajo de Villeneuve se ha estrenado con gran fracaso en taquilla alrededor del mundo.

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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“The Autopsy Of Jane Doe”, Horror Para No Ver Solos, Según Stephen King.

Se ha establecido ya, como una ley no escrita, que el cine de terror es uno de alta rentabilidad, fundamentado en un modelo de negocio idílico: bajos costos, altos ingresos. En algunos casos la apuesta trae sus frutos, en otros no, como en cualquier otro emprendimiento. “The Autopsy Of Jane Doe” (traducida al español como “La Morgue”) es el último intento por lograr una taquilla ingente con un presupuesto paupérrimo. Tristemente, la audiencia le ha fallado, hecho incontestable cuando vemos la cifras realizadas a nivel global; y eso a pesar de que la producción cuenta con unas reseñas notorias en su concepto favorable, tanto de público como de crítica.

Por citar una: el gran padre del terror moderno, el mismo Stephen King, ha sido citado comparando el filme como uno a la altura de “Alien” y de lo mejor de David Cronenberg. También, dijo el poderoso escritor que, y no podemos estar más acuerdo, hay que ver la película… “pero no solos”.

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De Sergio Leone, Un Genio Por Conocer.

El cine es un arte que necesita del cambio para evolucionar, pero que está dominado por una industria temerosa a las nuevas ideas. Esa disyuntiva permite, no obstante, que de vez en cuando salgan piezas audiovisuales capaces de renovar las reglas que definen a un género y que supera las visiones conservadores de los ejecutivos. En esos oasis de libertad artística transgresora y éxito comercial masivo, nacen leyendas que incitan la adoración de sus contemporáneos, la que se va renovando con cada visionado que de sus obras se van dando en cada nueva generación. Alfred Hitchcock, por ejemplo, transformó el género del suspense y, Sergio Leone, con sus seis películas, enterraría sólo para hacer renacer el más americano de éstos, el western.

Y de ese quehacer irreverente sobresale “Once Upon A Time In The West“, el último spaghuetti western dirigido por Leone, considerado en cualquier lista seria de cine como uno de las mejores exponentes del género en toda su historia. Para este blog, la sentencia es tajante: es el mejor jamás creado. Es éste un filme con absolutamente todo para considerarse un clásico de culto, con la capacidad de atraer nuevos adoradores por todos lados a cada momento en que alguien tiene la oportunidad de disfrutarlo.

"Once Upon A Time In The West", de Sergio Leone
Un cuadro clásico al mejor estilo de Sergio Leone.

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“Reservoir Dogs”, La Segunda Gran Opera Prima Del Cine.

En 1992 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance una cruda, dura y muy violenta película, la que dejó una fuerte marca en todas las personas que tuvieron la oportunidad de verla. La opera prima de Quentin Tarantino habría de marcar la manera como el cine y la violencia se iban a encontrar en la década posterior a su premiere, la de los años noventa. De hecho, como anécdota ilumindora, se decía que antes de Dogs en las películas de Sundance los personajes de ellas se morían… pero de viejos.

De la misma manera que le sucedió a Sergio Leone, Sam Peckinpah o a Brian de Palma, quienes al plasmar una fuerte violencia en sus películas se ganaron muchos contradictores, pero muchos más seguidores con el tiempo, hasta ir dejando su marca en el cine mundial, con Tarantino y “Reservoir Dogs” lo mismo habría de pasar en el Sundance (las críticas) y lo mismo en la historia (los seguidores).

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La Escena Del Café En “Reservoir Dogs”.

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“The Godfather”: Cuando La Mafia Pactó Con Hollywood

A principios de la década de los años setenta, a un joven y desconocido Francis Ford Coppola se le pidió que dirigiera la adaptación para cine de la novela “The Godfather”, del también joven y poco conocido Mario Puzo. Como resultado de esa unión, el cine habría de cambiar para siempre.

Sin embargo, desde muy temprano, los problemas comenzaron a salir a flote. La decisión de la Paramount, con Bob Evans, Charlie Bluhdorn y Peter Bart a la cabeza, era la de hacer una adaptación moderna y de pequeña escala, financiándola con un escaso presupuesto de menos de 2 millones de dólares. La visión que tenía Francis Coppola en la mente era tres veces más costosa. Los ejecutivos querían contratar a un joven, barato y dócil director italiano y Coppola resultó ser la peor decisión en ese sentido.

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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“Trance”, De Danny Boyle, Sólo Un Lienzo Digital.

Decía James Vanderbilt que David Fincher le había dicho alguna vez que dirigir una película era como pintar un cuadro, con 50 hombres trabajando en el lienzo y una persona atrás en un walkie talkie dando ordenes a cada uno del tipo: “más azul en ese lado; más verde al otro”. Por supuesto, la analogía del brillante director la hace parafraseando a otro monstruo del cine: el gran Orson Welles.

En un documental, llamado “Boffo Tinseltown’s Bombs & Blockbusters“, George Clooney hablaba sobre la fragilidad de la que dependía el éxito de una película; puesto que se necesita de la equivocación de una sola persona para que la producción no funcionará. Se arrancaba con lo primero, que era un excelente guion; pero luego podía ser el director el que se equivocará, o el editor o un publicista.

En “Trance“, Danny Boyle (“Trainspotting” 1995; “The Beach“, 2000; “Slumdog Millonaire“, 2009) contaba con un equipo y elenco de lujo; quienes en su gran mayoría hicieron un trabajo alucinante. Pero sería el mal quehacer de una persona, al principio del filme, el que determinaría que esta terminará no funcionando, quedándose únicamente en la promesa de lo que pudo ser: una excelente película de entretenimiento.

Trance” es visualmente impactante. Su trabajo de cámara y luz es particularmente delicioso para la vista. Anthony Dod Mantle (“Rush“, 2013; “Anthicrist“, 2009; “The Last King Of Scotland“, 2009), comentaba en algún momento que para él y Danny Boyle el movimiento de cámara era realmente importante; lo que en cada película se definía era el cómo se iba a lograr. En esta particular, el trabajo de ese apartado es realmente fascinante.

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Amante como ninguno de la filmación en digital y la comodidad que esta ofrece, el trabajo de cámara resalta durante todo el metraje. En el movimiento, por supuesto; pero también en los agresivos e impactantes encuadres. En una película que tiene como universo el mundo de las artes plásticas, pareciera que la gran mayoría de fotogramas del filme fueran unas maravillosas pinturas.

Como complemento perfecto al trabajo del cinematógrafo, tenemos a un Mark Tildesley inspirado en el diseño de producción. La película, ubicada en el Londres de nuestros días, realmente ofrece una perspectiva alucinante y muy refrescante de la cuidad, algo que merece todo el reconocimiento del público, puesto la capital de Inglaterra es una locación ampliamente conocida a través del cine. Presentarla de manera tan original es un acierto.

Rosario Dawson as “Elizabeth” and James McAvoy as “Simon” in Danny Boyle’s “TRANCE.” ©Fox Searchlight.

Muy inteligente en ese sentido es el realizar planos a través de vidrios, metales o plásticos, que distorsionen la imagen, dándole un aspecto que además de atractivo, es acorde a la temática de la hipnosis que presenta “Trance“.

En conjunto, la calidad del trabajo de sonido en el filme es una absoluta delicia. Tanto por las poderosas composiciones de Rick Smith (recordado por ser parte de la banda “Underworld”, que nos trajo la famosa canción “Born Slippy“, dada a conocer mundialmente gracias a “Trainspotting“), que podrían ser calificadas como hermosas piezas de música clásica pero ejecutadas a través de instrumentos de música electrónica; como por lo logrado por Simon Hayes (“Prometheus“, 2012; “Kick-Ass”; 2010; “Snatch“, 2005) en la captura y diseño de sonido, donde logra emanar sentimientos de estados alterados de la mente en muchos momentos de la película.

De la parte técnica, tal vez la más impactante de todas sea la de la edición, a cargo del irrepetible Jon Harris (“The Woman In Black“, 2012; “127 Hours“; 2010; “Snatch”, 2005) quien logra contar una complicada historia de la manera más ordenada posible. Por supuesto, el endiablado ritmo que lo ha caracterizado en el pasado, que da tanta emoción a muchas escenas, hace notoria presencia acá.

Ahora, como bien se dice, nada del apartado técnico sirve si no hay buenas actuaciones y un buen guion. De los primero, hay mucho en este filme; de lo segundo, no tanto. James McAvoy y Vicent Cassell están a la altura que nos tienen acostumbrados. La transformación a lo largo de la película del primero, quien declaró que estaba desesperado por interpretar el papel, es acompañada por la enorme variedad de matices que presenta el segundo. Rosario Dawson realmente no está mal y, a pesar de  que si dejan algo que desear los secundarios de la película, el resultado final del conjunto es más que pasable.

El apartado de la película que si no hay por donde tomar es del guion. De una idea realmente bien pensada, se hizo un desarrollo harto mediocre. Haciendo algo de historia, vale recordar el famoso dilema entre el suspense y la sorpresa, que tan brillantemente explicó el inmortal Alfred Hitchcock en un ejemplo. Dijo el director inglés en sus conversaciones con el famoso director francés, que la sorpresa es el estallido de una bomba de manera inesperada por el espectador en una escena entre dos personas conversando; mientras que el suspense es mostrarle al espectador que se coloca una bomba a punto de estallar entre dos personas que están conversando. En el primer escenario el espectador brinca del susto cuando está estalla, pero luego se le pasa y ya; mientras que en el segundo, el espectador estará tensado durante toda la conversación, sin saber si esta estallará o no.

Jon Ahearne, escritor del guion, el que contó con una revisión de John Hodge (“Shallow Grave“, 1994; “Trainspotting“, 1995; “The Beach“, 2000), escogió la facilidad que entrega lo primero (la sorpresa) en vez de la profundidad que otorga lo segundo (el suspense). Con un agravante: y es que en un tipo de película en la que se descubre la verdad al final, debe el espectador tener la oportunidad de descubrirla antes. Es por eso que “The Sixth Sense“, de M. Night Shyamalan, o “The Usual Suspects“, de Bryan Singer, son tan adoradas por el público: por que durante toda la película, da una u otra manera, nos han dicho ya el sorprendente final de la misma. El no habernos dado cuenta por nosotros es lo que las hace tan fascinantes.

Eso no pasa acá. Las pistas que dan son claras; pero es imposible llegar a la conclusión de la película con tan sólo esa información. Y eso hace que el final pierda toda la fuerza que podría haber tenido.

Es realmente una tristeza que la estructura escogida para el guion sea esta tan mediocre y débil, puesto que no logra cerrar lo que de otra manera hubiera sido una pieza cinematográfica alucinante, convirtiéndola en un hito, tal y como lo son los dos últimos filmes mencionados en este post. “Trance” tenía una inmensa y muy entretenida idea entre manos; pero fue ejecutada a la perfección por todo el equipo técnico y artístico, con excepción del guionista. Habrá que darle entonces la razón al gran George Clooney.