“Hjertestart” Y La Necesidad De Otro Cine.

El líder político Pablo Iglesias y el escritor conservador Juan Manuel de Prada, debatiendo sobre la divino y terrenal en el programa televisivo “Otra vuelta de tuerka”, encontraron un espacio para explorar el cine español de los últimos años. La crítica, compartida por ambos, era que en este nuevo momento todo lo producido para la gran pantalla en el mundo ibérico era demasiado hollywoodense.  La crítica, certera como dura es una roca, obvia la triste realidad de que ningún canal, productor, inversionista…, va a financiar un filme a menos que este tenga una fuerte semejanza a los realizados en la Meca del Cine. Es la ley en la industria hoy.

Y la posición es sostenida por los hechos. Hay otro cine ahí afuera, uno que emerge resultado de un esfuerzo monumental al escribir, producir y distribuir en festivales películas con grandes historias íntimas como fuerza propulsora que incita a crear, y cuyo deseo es conectar con la audiencia a un nivel personal. Tristemente, es ignorado este por el público. “Hjertestart“, el filme de Arild Andresen, escrito por él mismo en compañía de Hilde Susan Jaegtnes, protagonizado por Kristoffer Joner y Marlon Moreno Solarte, es claramente un ejemplo de ello.

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Del Cine Como El Quinto Poder.

Todo poder público al interior de cualquier sociedad democrática debe tener un contra-poder que regule su funcionamiento y limite sus alcances, siendo esto uno de los principios base de la teoría política clásica. Primitivamente, las sociedades crearon una función legislativa, otra ejecutiva y una última judicial, como tres ramas organizativas del poder público. No obstante, este sistema de pesos y contra pesos funcionaba a nivel de gobierno, parlamentos y cortes, sin dejarle a la ciudadanía un ente desde el cual ella pudiera ejercer presión de manera cotidiana. Los medios de información llenaron ese espacio por un momento, teniendo en la denuncia hacia los funcionarios públicos el arma más poderosa para delimitar sus acciones y enfocarlo hacia el bien público.

Producto de los cambios producidos por la globalización en su fase de pax americana y neoliberal, la sociedad de hoy se enfrenta a un nuevo problema. No se previó, por parte de nuestros padres fundadores, la capacidad de que alguna institución, algún ente o una organización, pudiera captar las tres ramas del poder público y la del ciudadano, disponiendo de todas ellas a su antojo y para satisfacer sus necesidades. Es indudable que hoy, el poder económico, centralizado éste en las grandes corporaciones con alcance global, tiene a su merced Estados enteros, dejando de nuevo a los pueblos indefensos frente a su accionar. Como era de esperarse, esta capacidad de maniobra va muchas veces en beneficio de todos; pero es también usada de manera inescrupulosa cuando los intereses comerciales se ven amenazados. Es por esto que se debe celebrar cuando desde el arte, sin importar su forma de expresión, se alza una voz de denuncia que acusa, con la sutileza producto de su misma esencia, alguna faceta diciente de ese mundo totalitario que hoy se ha erigido frente a nosotros.

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“Mindhunter”, Teatro Hecho Cine Para Televisión.

“El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.” La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

Mindhunter“, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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“Blade Runner 2049”, Ahora Los Hombres Somos Los Dioses.

Las secuelas hollywoodenses son, en la inmensa mayoría de los casos, una oportunidad desperdiciada para contar una gran historia. Al volcar su objetivo en convertirlas en poderosas maquinas de hacer dinero, sus realizadores abandonan desde el más temprano proceso creativo toda posibilidad de explotar argumentativa y artísticamente un mundo ya experimentado con satisfacción por un público masivo. No es ese el caso de “Blade Runner 2049“, una secuela hecha 35 años después de su antecesora y centrada en profundizar, expandir y actualizar el universo y los temas que fascinaron con fervor al público de dos generaciones anteriores.

No es baladí compartir el sustantivo usado por el director a la hora de explicar por qué decidió tomar las riendas del proyecto, puesto que parece hallarse en esa palabra la característica que mejor define la última película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve: después de revisar el guion escrito por Hampton Fancher, Michael Green y Ridley Scott, el cineasta encontró un material escrito con una calidad poética; que lo impulsó con fervor a convertirlo en imágenes y sonidos. Al parecer, y es algo triste de comprobar cada vez con más fuerza, cómo en estos tiempos la suerte de estos artistas, así sean visuales, es quedar condenados al fracaso comercial puesto que, y es que todo debe decirse, el último trabajo de Villeneuve se ha estrenado con gran fracaso en taquilla alrededor del mundo.

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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“The Autopsy Of Jane Doe”, Horror Para No Ver Solos, Según Stephen King.

Se ha establecido ya, como una ley no escrita, que el cine de terror es uno de alta rentabilidad, fundamentado en un modelo de negocio idílico: bajos costos, altos ingresos. En algunos casos la apuesta trae sus frutos, en otros no, como en cualquier otro emprendimiento. “The Autopsy Of Jane Doe” (traducida al español como “La Morgue”) es el último intento por lograr una taquilla ingente con un presupuesto paupérrimo. Tristemente, la audiencia le ha fallado, hecho incontestable cuando vemos la cifras realizadas a nivel global; y eso a pesar de que la producción cuenta con unas reseñas notorias en su concepto favorable, tanto de público como de crítica.

Por citar una: el gran padre del terror moderno, el mismo Stephen King, ha sido citado comparando el filme como uno a la altura de “Alien” y de lo mejor de David Cronenberg. También, dijo el poderoso escritor que, y no podemos estar más acuerdo, hay que ver la película… “pero no solos”.

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De Sergio Leone, Un Genio Por Conocer.

El cine es un arte que necesita del cambio para evolucionar, pero que está dominado por una industria temerosa a las nuevas ideas. Esa disyuntiva permite, no obstante, que de vez en cuando salgan piezas audiovisuales capaces de renovar las reglas que definen a un género y que supera las visiones conservadores de los ejecutivos. En esos oasis de libertad artística transgresora y éxito comercial masivo, nacen leyendas que incitan la adoración de sus contemporáneos, la que se va renovando con cada visionado que de sus obras se van dando en cada nueva generación. Alfred Hitchcock, por ejemplo, transformó el género del suspense y, Sergio Leone, con sus seis películas, enterraría sólo para hacer renacer el más americano de éstos, el western.

Y de ese quehacer irreverente sobresale “Once Upon A Time In The West“, el último spaghuetti western dirigido por Leone, considerado en cualquier lista seria de cine como uno de las mejores exponentes del género en toda su historia. Para este blog, la sentencia es tajante: es el mejor jamás creado. Es éste un filme con absolutamente todo para considerarse un clásico de culto, con la capacidad de atraer nuevos adoradores por todos lados a cada momento en que alguien tiene la oportunidad de disfrutarlo.

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Un cuadro clásico al mejor estilo de Sergio Leone.

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A Un Cuarto De Siglo De “Reservoir Dogs”, La Segunda Gran Opera Prima Del Cine.

En 1992 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance, una cruda, dura y muy violenta película, la que dejó una fuerte marca en todas las personas que tuvieron la oportunidad de verla. La opera prima de Quentin Tarantino habría de marcar la manera como el cine y la violencia se iban a encontrar, durante toda la década de los años noventas. De hecho, se decía que antes de Dogs en las películas de Sundance los personajes de ellas se morían, pero de viejos. Nunca más.

De la misma manera que le sucedió a Sergio Leone, Sam Peckinpah o a Brian de Palma, la dura violencia que plasmaron en sus películas les hicieron ganar muchos contradictores, pero con el tiempo fueron dejando su marca en el cine mundial. Con Tarantino y “Reservoir Dogs” lo mismo pasó en el Sundance (las críticas) y lo mismo en la historia (los seguidores).

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La Escena Del Café En “Reservoir Dogs”.

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“The Godfather”: Cuando La Mafia Pactó Con Hollywood

A principios de la década de los años setenta, a un joven y desconocido Francis Ford Coppola se le pidió que dirigiera la adaptación para cine de la novela “The Godfather”, del también joven y poco conocido Mario Puzo. Como resultado de esa unión, el cine habría de cambiar para siempre.

Sin embargo, desde muy temprano, los problemas comenzaron a salir a flote. La decisión de la Paramount, con Bob Evans, Charlie Bluhdorn y Peter Bart a la cabeza, era la de hacer una adaptación moderna y de pequeña escala, financiándola con un escaso presupuesto de menos de 2 millones de dólares. La visión que tenía Francis Coppola en la mente era tres veces más costosa. Los ejecutivos querían contratar a un joven, barato y dócil director italiano y Coppola resultó ser la peor decisión en ese sentido.

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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“Trance”, De Danny Boyle

Decía James Vanderbilt que David Fincher le había dicho alguna vez que dirigir una película era como pintar un cuadro, con 50 hombres trabajando en el lienzo y una persona atrás en un walkie talkie dando ordenes a cada uno del tipo: “más azul en ese lado; más verde al otro”. Por supuesto, la analogía del brillante director la hace parafraseando a otro monstruo del cine: el gran Orson Welles.

Em Transe (TRANCE) - O quebra-cabeça de Danny Boyle

En un documental, llamado “Boffo Tinseltown’s Bombs & Blockbusters“, George Clooney hablaba sobre la fragilidad de la que dependía el éxito de una película; puesto que se necesita de la equivocación de una sola persona para que la producción no funcione. Se arrancaba con lo primero, que era un excelente guion; pero luego podía ser el director el que se equivocará, o el editor o un publicista.

En “Trance“, Danny Boyle (“Trainspotting” 1995; “The Beach“, 2000; “Slumdog Millonaire“, 2009) contaba con un equipo y elenco de lujo; quienes en su gran mayoría hicieron un trabajo alucinante. No obstante, fue el mal quehacer de una persona, al principio del filme, el que determinaría que esta terminará no funcionando, quedándose únicamente en la promesa de lo que pudo ser: una excelente película de entretenimiento.Leer más »