“Joker”, de Todd Phillips, Elogio A La Locura.

¿Qué hace a una película conectar con el sentimiento de toda una generación? Era la duda perturbando a Robert De Niro, al ser entrevistado para un documental y en su afán por descifrar la razón detrás del éxito e inmortalidad de la obra cuyo legado más esplendoroso fue la consolidación de uno de los dúos más amados por los cinéfilos: el “Taxi Driver” de Martin Scorsese. Su rostro pensativo, atrapado en un fotograma en blanco y negro, engalanando su silencio absoluto, revelaba la ausencia de conjetura alguna como respuesta. En entrevista para un medio estadounidense, el cineasta a cargo de ese clásico confesaba el dolor físico sentido al filmar otra pieza centrada en un personaje renegado, perdido, aislado de la sociedad como lo es el protagonista de “The King of Comedy”, por sentirse identificado con él a profundidad, por recordarle su vida antes de haber alcanzado el estrellato como realizador audiovisual.

Se ha hecho muy fácil para algunos demeritar la obra de Todd Phillips sobre el villano más perfecto de la cultura popular, el “Joker”, calificando lo visto como una mera fusión entre las dos cintas de Martin Scorsese con Robert De Niro como centro gravitacional absoluto. Y es innegable que así es. “Joker” pudo haber sido presentado a la Warner en un formato de tipo: “Travis Bickle meets Rupert Pupkin”. El problema, el argumento imposible de encontrar por algún lado en esos comentaristas sobrados, es el reconocer que esa mezcla es una tan peligrosa y complicada de concretar con éxito como lo es la fusión nuclear. Se requiere de mucho para desarrollar en un mismo personaje dos personalidades tan complejas, embarazosas, peliagudas y peligrosas; y más aún, de insertar esa ficción en el zeitgest, el espíritu, el pensar y sentir de toda una generación.

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“The Man In The High Castle”: El Régimen Totalitario En Los Estados Unidos De Trump.

Prime Video, la plataforma de retransmisión digital parte del gigante corporativo propiedad de Jeff Bezos, ha acatado las reglas impuestas por su principal contrincante y gran pionero en el área, todo en su afán de competir por coronarse en la cima de la nueva industria. Netflix, por descartar cualquier atisbo de duda, inició trabajando como coequipero de los grandes estudios, ofreciendo sus títulos más emblemáticos, atractivos e impactantes, a la par de ir creando un contenido propio capaz de generar fidelidad.

Amazon encontró en la floreciente tecnología explotada con éxito por el nuevo gigante del valle de la silicona el gancho perfecto para agraciar a sus compradores. Su plataforma nació a la vida como un premio a los fieles miembros del gigante de la distribución. Por un tiempo pareció ese iba a ser su destino. Pero, posiblemente impulsados por la envidia al notar el éxito arrollador obtenido por “House Of Cards” en sus primeras temporadas, se enfrasca la compañía en la creación de un contenido que valorice su marca y sea capaz de atraer ingente cantidad de nuevos miembros.

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Amando A Weinstein, Odiando A Harvey, El Fin De Una Era En Hollywood.

Kevin Smith, director de «Clerks» y «Zack and Miri Make a Porno«, entregó a Harvey Weinstein a mediados de la década de los noventa un guion escrito por Matt Damon y Ben Afleck, años más tarde conocido por todo el mundo como la película «Good Will Hunting«. El productor le encantó el texto y organizó un encuentro para discutir con los escritores. El hombre a cargo de Miramax en esa época, le confesó a sus contertulios la fascinación que sentía por el material; pero que se encontraba absolutamente confundido por la escena entre los dos profesores (a ser interpretados por Stellan Skarsgård y Robin Williams) ubicada en la página sesenta, en la que mantenían sexo oral. El grupo de jóvenes realizadores le contestaron al ejecutivo que esa escena no era para filmarla en la película, sino para probar a los jefes de los estudios, buscando comprobar si habían leído ellos o no el texto. Después de haberse visto con todos los grandes: Warner Bros, MGM, FOX, Harvey Weinstein era el único que había hecho algún comentario acerca de esa escena.

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Getty Images

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Neoliberalismo, Oliver Stone y Michael Moore

Michael Douglas, arriba de la tarima del  “Inside The Actor’s Studio» junto a James Lipton, relató una anécdota regular de su vida, jocosa a simple vista; pero que al analizarla desde la ventaja dada por la historia, se revela como una inmensa en su capacidad para interpretar la cruel economía gobernante del mundo actual. El actor, según lo contado entre risas por el mismo Douglas, varios años después del estreno de “Wall Street”, se encontraba con corredores de bolsa totalmente borrachos por las calles de Manhattan, quienes inmediatamente al verlo corrían hacia él y le decían: «Oh, wow, Richard Gekko, mi ídolo, mi héroe, gracias a usted me convertí en corredor de bolsa.» Entre las correspondidas risas del público, el hijo de una leyenda llamada Kirk le respondió a sus escuchas que él a ellos les espetaba: «¿de qué hablan? Yo era el villano de la película».

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El papel del Oscar para Michael Douglas.

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«Jason Bourne», Donald Trump Y El Fin De La Democracia.

Sergi Halimi, director de Le Monde Diplomatique, escribía recientemente en el diario que maneja un artículo con una hipótesis muy poderosa titulado «El Estado Profundo». En él, descubría el prestigioso escritor la existencia en el gobierno de los Estados Unidos de un Estado dentro del Estado que funcionaba como un claro poder detrás del trono, capaz de impedir se presentaran cambios en las políticas a implementar por los nuevos gobiernos. En breve: un ente o institución en las sombras tan fuerte que lograba convertir las promesas de los candidatos, incluso de aquellos que honestamente querían cambiar las cosas, en meras palabras desvanecidas en el tiempo.

Tal vez, como en ninguna otra película de Hollywood, ese Estado está fuertemente representando en la última obra de Paul Greengrass, «Jason Bourne«, en la que volvió a trabajar con Matt Damon (el actor había declarado que no volvería a la franquicia si no lo hacia el director), en la saga que los dos hacen para Universal. No es, ni mucho menos, la primera vez que ambos colaboran en un filme para un estudio de Hollywood que contenga él un fuerte contenido político. En ese sentido, «Green Zone«, filme sobre la invasión a Irak por parte del gobierno Bush, es la más valiente realizada por este dúo.

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«Jason Bourne», un antihéroe.

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«Why We Fight», Y El Negocio De La Guerra.

«Why We Fight«, documental dirigido por Eugene Jarecki, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2005. La fecha del lanzamiento, tal vez desapercibida para la mayoría, fue escogida por ser ese día el 45 aniversario del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower, en el que advirtió a sus mandantes sobre un naciente problema que engendraba a su interior todos los elementos necesarios para cambiar por completo su sociedad: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por el filme tiene su génesis al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema bélico productivo muy eficiente, que daba mucho empleo; pero que no tenía razón para seguir existiendo, puesto que habíamos entrado ya, como especie humana, a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentarle, por lo que, patéticamente, una completa lista de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

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El Presidente Eisenhower, en el poster de «Why We Fight».

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«Natural Born Killer», Y La Fama Del «Popeye».

“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, el trailer de una película funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de «Natural Born Killers«, éste lo logró.

La película, basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski, se centra en la vida de los asesinos en serie Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis. Ambos personajes, unos criminales aterrorizando a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, se caracterizan por la espectacularidad que rodea sus actos vandálicos, y, por ende, por el interés mediático generado hacia ellos, llevando a la tan deseada exhibición televisiva. Su exposición en la pantalla chica les permite recibir un marcado apoyo y respaldo de una parte de la población, una que seguramente se siente segura e inalcanzable para ellos.

 

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«Las Noticias Los Hicieron Superestrellas»

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La Violencia En El Cine

Uno de los tópicos más maltratados a la hora de analizar películas son las escenas de violencia. Desde los slasher films, pasando por las películas de artes marciales, hasta los duros dramas tratando de representar el mundo moderno, la violencia en el cine ha sido constante blanco de críticas acérrimas en contra de ella. De nuevo, y como casi todo en la vida, el problema en sí no radica en la violencia, sino más bien en quiénes son las personas que la ven y quiénes son las personas que la hacen. Nada más que una cuestión de perspectiva.

Y en ese esquema, hay que saltar en defensa gallarda de los que disfrutan con el cine violento. Porque el gran ataque de quienes osan despotricar de esta forma de entretenimiento, y por qué no decirlo: de arte, es el supuesto traslape a la sociedad de los hechos puestos en pantalla, capaces de influenciar a las audiencias a realizar actos similares a los del filme. Pero la realidad muchas veces golpea con fuerza las creencia. A hoy, es muy difícil encontrar una sociedad más pacífica que la japonesa y, a su vez, una con un cine tan violento como el de ese país. Los mexicanos y colombianos durante décadas se especializaron en novelas de formato largo (culebrones) y hay que ver la manera cómo solucionan sus diferencias. Es válido decir que, en pocas palabras, la violencia en la sociedad no tiene nada que ver con el cine.

Leatherface. "The Texas Chainsaw Massacre".
Leatherface. «The Texas Chainsaw Massacre».

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