“Lethal Weapon”, Un Dramatizado De Acción

Martin Riggs bebe, sin ningún tipo de compañía, un trago de licor en un solitario y viejo bar. Un grupo de ladrones se acercan a exigirle la entrega de su dinero. El policía, sin siquiera mirarlos, les pide que se pierdan y que lo dejen en paz. Ellos, indignados por la reacción, lo atacan con violencia, para verse sometidos por la destreza que posee el funcionario público en defensa personal. Riggs toma la botella de la que le estaban sirviendo, para seguir su faena. El barman del lugar, visiblemente frustrado, le pide que se la lleve, regalada, pero que no vuelva a su sitio. El hombre encargado de hacer cumplir la ley abandona el lugar con el envase de la bebida alcohólica en la mano.

Ese comienzo, tan lleno de clichés y momentos ridículos, era la manera como “Lethal Weapon” arrancaba. Incluso, la escena se filmó y está disponible en una de las versiones de DVD que la Warner lanzó. Pero Richard Donner, que venía de hacer “The Omen” y “Superman“, no trataría a su obra como una más del montón, como una producción de fábrica que se contenta con poner en ella los elementos tradicionales que conforman una buena obra de esta temática. No, Donner quería una gran película de acción y lo que terminaría creando, producto de una entrega total, sería el inicio de una franquicia exitosa y del establecimiento definitivo de un subgénero (buddy movies) dentro de un género (acción).

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Del Cine Como El Quinto Poder.

Todo poder público al interior de cualquier sociedad democrática debe tener un contra-poder que regule su funcionamiento y limite sus alcances, siendo esto uno de los principios base de la teoría política clásica. Primitivamente, las sociedades crearon una función legislativa, otra ejecutiva y una última judicial, como tres ramas organizativas del poder público. No obstante, este sistema de pesos y contra pesos funcionaba a nivel de gobierno, parlamentos y cortes, sin dejarle a la ciudadanía un ente desde el cual ella pudiera ejercer presión de manera cotidiana. Los medios de información llenaron ese espacio por un momento, teniendo en la denuncia hacia los funcionarios públicos el arma más poderosa para delimitar sus acciones y enfocarlo hacia el bien público.

Producto de los cambios producidos por la globalización en su fase de pax americana y neoliberal, la sociedad de hoy se enfrenta a un nuevo problema. No se previó, por parte de nuestros padres fundadores, la capacidad de que alguna institución, algún ente o una organización, pudiera captar las tres ramas del poder público y la del ciudadano, disponiendo de todas ellas a su antojo y para satisfacer sus necesidades. Es indudable que hoy, el poder económico, centralizado éste en las grandes corporaciones con alcance global, tiene a su merced Estados enteros, dejando de nuevo a los pueblos indefensos frente a su accionar. Como era de esperarse, esta capacidad de maniobra va muchas veces en beneficio de todos; pero es también usada de manera inescrupulosa cuando los intereses comerciales se ven amenazados. Es por esto que se debe celebrar cuando desde el arte, sin importar su forma de expresión, se alza una voz de denuncia que acusa, con la sutileza producto de su misma esencia, alguna faceta diciente de ese mundo totalitario que hoy se ha erigido frente a nosotros.

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“Mindhunter”, Teatro Hecho Cine Para Televisión.

“El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.” La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

Mindhunter“, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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“Heat”, De Michael Mann, Obra Maestra Del Cine.

Taschen, la famosa editorial alemana, en el libro que le dedicó a Michael Mann definió a éste como un “paisajista de los espacios urbanos industriales”. Tom Cruise, por su parte, en los días de promoción de “Collateral” se referió a su director como alguien con un “increíble ojo”. Y un bloguero español, del que se lamenta no recordar su nombre, usó la frase “un puto genio con la cámara” como la mejor manera para describir al artista.

Y es que visualmente pocos autores tienen una firma tan definida y definitoria como la de este cineasta oriundo de Chicago, quien tuvo entre mediados de la década de los años noventa y principios del milenio una época de inspiración pura, de la que se nos legó cuatro obras sublimes; siendo la primera de ellas, “Heat“, su trabajo más logrado y uno que coquetea con la perfección artística de manera descarada.

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“Dunkirk” Lo Importante De La Historia, El IMAX, y Lo Horrible De La Guerra.

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Poster Oficial

Se dice, debatiéndose entre mito y realidad, el que Stalin, en medio de una reunión con los más altos mandos del politburó y como respuesta a una supuesta frustración, dijo: “denme una industria el diez por ciento de poderosa de lo que es Hollywood y convierto al mundo entero al comunismo”. De haber existido tal sentencia, ésta debió haberse pronunciada en aquellos días en que, como titula el diario.es de España, hubo un “fugaz romance entre Hollywood y la Unión Soviética”.

Reseñando esa misma época, el autor Michael S. Shull, en su libro Hollywood War Films, 1937-1945, hace un minucioso repaso de las producciones hollywoodenses en los días de la confrontación bélica. Entre ellas, cita algunas como “Song of Russia”, donde se presenta una clara colaboración entre los norteamericanos y los rusos para combatir el nazismo, en el que incluso nace el amor entre dos ciudadanos de cada país; “The North Star”, cuya historia exhibe a las granjas colectivas rusas como un paradisiaco lugar; y, “The Boys From Stalingrad”, donde un grupo de niños rusos heroicamente enfrentan al régimen alemán.

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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“Kill Bill”, La Obra Y El Debate De Un Autor.

En algún momento Tarantino se refirió a su universo de la siguiente manera: “cuando una persona normal, real, de la calle como tú y yo, va al cine, va a ver películas como “Pulp Fiction” y “Reservoir Dogs”; pero cuando los personajes de esas películas van al cine, van a ver “Kill Bill””. Pocas sentencias pueden describir con tanta precisión el cine de este autor y, basándonos en eso, nos arriesgamos a decir que “Kill Bill” es la película que Quentin Tarantino siempre quiso hacer.

El filme, presentada a un focus group en Austin, Texas, recibió una ovación de pie de más de quince minutos, lo que llevó a Harvey Weinsten a no querer recortar ni un segundo de su producción y enviarla, inmediatamente, a su proceso de distribución. Eso, a pesar de lo arriesgado que la misma pudiera parecer comercialmente, teniendo en cuenta su fuerte contenido de violencia y el haberse enmarcado en géneros pocos comerciales.

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“T2: Trainspotting”, Una Sobredosis De Puro Cinema.

“Escoge Cine”, podríamos decir extasiados después de ver la última producción de Danny Boyle, una secuela de su obra de culto de los años noventa, “Trainspotting“. Basada en la continuación del libro (“Porno” de Irvine Welsh) cuya primera parte dio origen a esta franquicia inglesa, “T2 Trainspotting” es puro cinema. Parafraseando a Jack Lemmon, podemos decir que una de las instrucciones más brillantes dadas por director alguno, alguna vez, fue aquella impartida por Billy Wilder en medio de un set, quien al actor le espetó sobre una toma: “está muy bien, pero no tiene nada interesante”. David Fincher, otro maestro, explicaba en una entrevista que hay dos posibilidades para posicionar la cámara en un plano: el correcto y el otro. En “T2 Trainspotting” Boyle obedece y fusiona las máximas de los dos célebres directores y crea un viaje audiovisual en donde cada plano no sólo es el correcto, sino además el más impactante.

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“Snowden”, La Muerte Del Cine. Segunda Parte.

Cary Fukunaga, quien dirigiera la celebrada primera temporada de “True Detective“, estipuló que la baja calidad del séptimo arte se debe no a una falta de ideas en Hollywood, sino a una falta de buenas audiencias en el mundo. Al ver, con tristeza, los ingresos recibidos por la boletaría vendida en la última película de Oliver Stone, “Snowden“, es imposible no estar de acuerdo con el brillante cineasta.

El filme, protagonizado por Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Timothy Olyphant, Zachary Quinto, Scott Eastwood, Nicolas Cage, Rhys Ifans y Tom Wilkinson, decepcionó en taquilla a nivel planetario (hizo 37 millones de dólares), a pesar de tener críticas decentes en IMDB (7.3) y Cinemascore (A).

La crítica al público está señalada acá por el hecho de que esta producción presenta uno de los temas de mayor importancia en la actualidad, uno de los debates más poderosos a tratar en los próximos años y uno que afecta a cada ciudadano por igual. Lo retratado es el que todo, absolutamente todo lo que hagamos en los medios digitales sea revisado y visto por las agencias de seguridad más importantes del mundo, con lo que estamos hablando, por supuesto, de la absoluta pérdida de la privacidad por parte de los humanos.

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Oliver Stone, El Rebelde De Hollywood.

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“Mission Impossible”, La Saga

Tom Cruise fue, durante veinte años, un dios del cine. Dos década en las que el actor mezcló a la perfección el estreno de los más enormes blockbusters (“Top Gun“, “Interview With The Vampire”, “War Of The Worlds“), con trabajos junto a los más reconocidos y alabados cineastas (“Born On The Fourth Of July“, con Oliver Stone; “Eyes Wide Shut“, con Stanley Kubrick; “Collateral“, con Michael Mann). Difícil encontrar con una época dorada como la de este hombre, pudiendo llegar a consagrárlo como la celebridad más grande que haya producido Hollywood jamás.

De aquellos tiempos, es también uno de los momentos más emotivos para el interprete según él mismo: su entrevista con James Lipton en el emblemático “Inside The Actor’s Studio“. En la conversación, la joven estrella reveló que en la primera aproximación que tuvieron con él Don Simpson y Jerry Bruckheimer para que estelarizara “Top Gun”, les pidió él que mejorarán el guion. Para el autor de estas palabras, esto es una cosa mayor, puesto demuestra que su éxito no fue producto de la casualidad; sino de un increíble talento personal para escoger y modelar proyectos. Desde allí, el paso a la producción estaba cantado.

“Mission Impossible”, La Saga.

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¿Ha Muerto El Celuloide?

En un principio, las razones para el uso de la tecnología digital en el cine estaban relacionadas con las facilidades que esta contraía para aquellos quienes la usaran. Y, en aquel momento, no cabía la menor duda de que la calidad del celuloide superaba con creces a lo traído por las nuevas cámaras. Era una cruda pero cierta realidad.

Pero en los últimos diez años he podido disfrutar de la evolución de la tecnología digital y su constante progreso hasta nuestros días, en el que considero se le ha dado el toque final a la antigua forma de capturar imágenes para cine. La manera más sencilla para dar a entender cómo el digital ha llegado a consolidarse como el formato estándar en nuestra industria, es sin duda alguna, haciendo un repaso por los hitos que se han logrado en ciertas producciones.

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Poster Oficial de la Película “Born Of The Fourth Of July”

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“Gangster Squad”, de Ruben Fleischer, Un Plagio A “The Intouchables” De Brian De Palma.

Ruben Fleischer saltó a la fama mundial con una pequeña comedia, muy inteligente y bien actuada, titulada “Zombieland“. Lamentablemente, la dicha no duró y su siguiente trabajo, “30 Minutes Or Less” repitiendo con él como actor principal el indescifrable Jesse Eisenberg (indescifrable para mí puesto que aún no se sí es un “protagonista de novela” o el reemplazo de Laurence Olivier) , fue un tremendo fracaso, de esos que directo van al DVD.

Sin duda alguna con “Gangster Squad“, Fleischer hizo una apuesta enorme. Buscaba entrar al selecto grupo de directores de la llamada Lista A de Hollywood y establecerse en la meca del cine con un trabajo muy característico de ellos. Es, entonces, lamentable, que el miedo a arriesgar y la mala suerte lo haya llevado a terminar con un trabajo que a pesar de su enorme factura técnica, no deja de ser plano y simplón.

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