«The Godfather Part II», La Obra de un Genio Inspirado.

Al Pacino in a scene from the film ‘The Godfather: Part II’, 1974. (Photo by Paramount/Getty Images)

Francis Ford Coppola se había desentendido por completo de la película cuya existencia transformó la suya propia. Paramount, su contraparte, estaba entre agobiada y agotada calculando qué hacer con los ingentes ingresos obtenidos. Entre sus deseos, por supuesto, era hacer otra obra con el particular director, en el universo originado en la mente de Mario Puzo. Se inventaron, negociantes ellos como pocos, las segundas partes, y comenzaron los contactos con el cineasta para construir la historia posterior de la familia Corleone. Coppola se negó inmediata y rotundamente.

La razón de la tajante negativa radicaba en los malos momentos vividos durante la filmación de lo que sería el origen de la saga. Pero el negocio era enorme, las posibilidades inmensas y la oportunidad única. Coppola encontró una salida salomónica: otorgarle la silla principal de la producción a un joven director de la época. La futura promesa, a quien el estudio rechazó de plano, era un tal Martin Scorsese. Nada por lamentar para la posteridad, pues al final Coppola aceptó al habersele prometido el cielo y un poco más por su retorno (y en forma de disculpas por el pasado), entregándole él a sus empleadores como respuesta a su generosidad pura maestría hecha cine, concluyendo todo en una de las mejores películas de todos los tiempos.

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El «Trailer» De Cine, Una Historia Por Contar.

Algunas veces son una pequeña obra de arte hechas para vender una gran producción. Otras, un completo enemigo del aficionado al arruinarle las sorpresas y la totalidad de los giros en la historia a ser presentados por la película. La mayoría de las veces, nada distinto a una pieza comercial . Lo que sí son, lo que sí se han ganado es su espacio como un elemento esencial del arte tan amado.

No hay, ni ha habido, herramienta más importante para un productor que el conjunto de imágenes organizadas para presentar un futuro filme a estrenarse, como medio de promoción, al que erradamente se ha llamado trailer (Hollywod es especialista en poner nombres equivocados a sus cosas). Es comprobado, una y otra vez, que las taquillas de cine revientan al protagonista fallecer antes del estreno (Heath Ledger, Paul Walker, Michael Jackson), pero Hollywood aún no ha llegado a tanto y, por eso, los cortos (como muchos de los hispanos le decímos) sigue siendo la estrategia rey.

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GOW, por George Orson Welles (Primera Entrega).

George Orson Welles.

Fue el más grande; pero su tragedia fue nunca llegar a ser realmente el más poderoso. Su lugar predilecto era en los extremos, al que llegaba porque le sobraba de todo: talento, cultura, genio. Pero, como es natural, al ubicarse en un lado de la balanza de la vida, lo encontrado a la otra orilla era también una realidad apabullante por su escasez: dinero, oportunidades, amigos. George Orson Welles, su vida, es la película más grandiosa jamás hecha en Hollywood. Un amor fou entre un artista y los diferentes medios que usó para expresarse, a los que transformó a su paso por ellos. Su nombre impactó en el teatro, la radio y el cine, para siempre; pero fue en este último, la última de sus amantes, donde habría de encontrar su eterna femme fatale, una que, como dicta en esencia el personaje, habría de destruirlo hasta extinguirlo en la más triste de las situaciones.

David Thomson, en su fascinante pieza para The Guardian titulada con elegante obviedad como «Orson Welles: El más glorioso fracaso cinematográfico de todos«, se atrevía, en gran parte impulsado por poseer la razón, a disminuir figuras tan míticas del séptimo arte como Martin Scorsese y Alfred Hitchcock, cuya comparación tan sólo hacía engrandecer el nombre de Welles. Ambos directores, indispensables figuras en su industria, palidecen como meros hombres de cine al ser confrontado su legado con la vida del autor de «Citizen Kane«, quien deslumbró como artista (actor, director, escritor, productor), político (por poco fue Secretario General de la ONU, hizo conferencias contra el fascismo, reemplazó a FDR en uno de sus debates mientras le hacía campaña), columnista (The Washington Post), mago (en televisión y Las Vegas) y tertuliano (fue host en su propio programa de televisión).

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«Hard Target», de John Woo, Cuando Un Artista Hace Cine De Acción.

A principio de la década de los años noventa, Jean Claude Van Damme era JEAN CLAUDE VAN DAMME, uno de los héroes del cine de acción más importantes en todo el mundo. Relativamente hablando, su nombre y prestigio no estaba a la altura de los más importantes hombres rudos de Hollywood de esa época, Stallone, Willis o Schwarzenegger; pero sí era alguien que se estaba ganando su espacio en el mundo del celuloide rápidamente, y un artista de culto para muchos.

Al mismo tiempo que el “actor” belga iba ganando fama y espacio en el mundo de Los Ángeles, al otro lado del planeta, en Hong Kong específicamente, un director mostraba una inmensa capacidad artística para filmar películas y secuencias en ese mismo género. Después de impactar con “The Killer”, «Hard Boiled» y «A Better Tomorrow«, sólo era cuestión de tiempo para que John Woo pisara tierras americanas. Pocas frases, como la dicha por el afamado crítico de cine, Laurent Tirard, logran condensar el gran impacto del cine del asiático: «Woo elevó el cine de acción a un nivel operístico». Por esas cosas del destino, los planetas y las estrellas se alinearon para juntar a éstas dos personalidades del cine, en lo que terminó siendo una inmensa película de acción: «Hard Target».

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«Nocturnal Animals», La Magia De Un Arte Que Cobra Vida.

En el Festival de Cine de Cannes de 2015, una disputa impredecible se dio por la adquisición de los derechos de distribución del segundo filme de un afamado diseñador, concluyendo el conflicto en un espectacular final: un pago de 20 millones de USD por parte de Focus Features por los derechos de distribución de una película llamada «Nocturnal Animals«, dirigida y escrita por Tom Ford.

La cifra, inaudita en el festival de cine más importante del mundo, hacia prever el estar, las audiencias, frente a una producción de cine imperdible. La cantidad de dinero invertida, la antesala causada, los pretendientes del proyecto, todo pronosticaba una obra de arte cinematográfica insuperable, transgresora y única, la que una vez vista genera más dudas que certezas sobre la calificación a otorgársele.

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«Thor: Ragnarok» y «Justice League», Marvel Ha Ganado La Batalla; DC Podría Ganar La Guerra

Hace tiempo, en este mismo espacio, se hacía eco del inicio de la batalla que entre HBO y Netflix había iniciado, producto del exitoso estreno de «House of Cards» por parte de la compañia de retransmisión. Ted Sarandos, el director de programación de la compañía de Internet, dijo a la revista GQ en esos días de verborreo ácido entre las dos empresas  que la meta de Netflix era convertirse en HBO antes que HBO pudiera convertirse en Netflix.

Marvel y DC Comics, en asocio con sus distribuidores Disney y Warner, tienen actualmente en la pantalla grande una disputa a muerte por la taquilla a nivel global, en muchos aspectos muy similar a la desatada entre las empresas televisivas. Con el estreno de sus últimas dos producciones, «Thor: Ragnarok» y «Justice League«, se ha llegado a un punto álgido entre en este enfrentamiento, pudiendo consagrar a la casa del ratón Mickey y su socia como la absoluta triunfadora en este round; pero con la duda de si podrá mantener su estatus en el futuro.

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«The Americans» Un Gusto Exquisito.

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«The Americans» Poster

Cualquier aficionado a «The Americans» en el mundo tiene el mismo problema: saber que está viendo la mejor serie de la televisión actual, y no tener absolutamente nadie con quien comentarla, debatirla, compartirla. Una historia innovadora para la televisión, capaz de dar una vuelta de tuerca a todo un género cinematográfico, con una narrativa visual y escrita muy bien elaborada, además de unas actuaciones impresionantes, que se ha mantenido en sus cinco temporadas como una especie de fracaso comercial y éxito artístico, lo que parece ser una característica definitiva de nuestra generación.

John Landgraf, presidente de FX, la cadena que produce y transmite la serie en los Estados Unidos, se está convirtiendo de a poco en uno de esos héroes anónimos que hacen historia. En su afán, de buscar productos con contenido de inmensa calidad capaces de ignorar los mandatos comerciales exigentes de resultados inmediatos, está transformando el contenido de la pantalla chica. No debe obviarse que su interés puede ser una apuesta comercial muy inteligente: las obras imperecederas son más rentables, puesto que su calidad les permite encontrar públicos a lo largo de la historia y, por lo tanto, ser eternamente explotables. «The Americans«, parece una apuesta segura ésta, será igual de entretenida dentro de dos décadas.

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Amando A Weinstein, Odiando A Harvey, El Fin De Una Era En Hollywood.

Kevin Smith, director de «Clerks» y «Zack and Miri Make a Porno«, entregó a Harvey Weinstein a mediados de la década de los noventa un guion escrito por Matt Damon y Ben Afleck, años más tarde conocido por todo el mundo como la película «Good Will Hunting«. El productor le encantó el texto y organizó un encuentro para discutir con los escritores. El hombre a cargo de Miramax en esa época, le confesó a sus contertulios la fascinación que sentía por el material; pero que se encontraba absolutamente confundido por la escena entre los dos profesores (a ser interpretados por Stellan Skarsgård y Robin Williams) ubicada en la página sesenta, en la que mantenían sexo oral. El grupo de jóvenes realizadores le contestaron al ejecutivo que esa escena no era para filmarla en la película, sino para probar a los jefes de los estudios, buscando comprobar si habían leído ellos o no el texto. Después de haberse visto con todos los grandes: Warner Bros, MGM, FOX, Harvey Weinstein era el único que había hecho algún comentario acerca de esa escena.

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Getty Images

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«The Departed», La Cúspide De Scorsese.

Inmediatamente mencionadas las nominaciones al Oscar para el año 2007, un aluvión de escritos pronosticó con tono tajante el premio a Mejor Director para Martin Scorsese, resultado esperado y por poco obligado como resultado de su trabajo como creador del filme “The Departed”. A la mañana siguiente de haber obtenido la dorada estatuilla, como setas que crecen después de la lluvia aparecieron comentarios acusando que el galardón había sido más por su carrera, su pasado, más no por la obra en competición, algo difícil de comprender para esos comentaristas, pues esta no era un trabajo a la altura de sus antiguas entregas. La gente puede llegar a ser quisquillosa.

Pero quisquilloso puede ser cualquiera, por lo que no parece errado declarar, con conocimiento del riesgo que se toma frente a los más conocedores del séptimo arte, el que “The Departed” es la obra maestra de Martin Scorsese. Puede, y es válido el debate abierto con la siguiente sentencia, no ser una obra maestra del cine; pero sí es la de su director. Después de un largo repaso al cuerpo de su trabajo, incluyendo largometrajes, documentales y comerciales, es difícil encontrar un filme tan completo, ambicioso y con una intención tan marcada de subyugar la narración del metraje a su inmenso talento y conocimiento del cine, como lo es esta película. En pocas palabras: “The Departed” es la película más Scorsese de Martin Scorsese.

De Robert Bruno

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«The Bleeder», Más Extraño Que La Ficción.

Se ve, en la pantalla de cine, un suceso real transmitido en un televisor: John G. Avildsen está recibiendo el premio Oscar a Mejor Director por su trabajo en «Rocky» y, a continuación, produce sonrojos en el espectador ver a un joven Jack Nicholson anunciando el premio a Mejor Película para el mismo filme. Quien, desde la ficción del largometraje ve las imágenes tomadas de un archivo documental verdadero, es el personaje de Chuck Wepner (interpretado a las mil maravillas por el actor Liev Schreiber), cuya vida y profesión fue, en la década de los años setenta, la principal inspiración de Sylvester Stallone a la hora de escribir el guion que lo llevaría al estrellato máximo, el de «Rocky«.

La anterior situación, bizarra hasta el paroxismo, es la mezcla de realidad y ficción que constantemente coloca ante nosotros «The Bleeder«, o «Chuck» o, por su título en español, «La Leyenda«. Es, todo el metraje, un ejercicio cinematográfico poderoso  y fascinante, al ser nada más que una historia de ficción enfrascada en contar los acontecimientos que inspiraron a una persona de la realidad para crear un icónico personaje del cine.

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La pelea que creó «Rocky». (Foto Cortesía de Cine Colombia)

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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«T2: Trainspotting», Una Sobredosis De Puro Cinema.

«Escoge Cine», podríamos decir extasiados después de ver la última producción de Danny Boyle, una secuela de su obra de culto de los años noventa, «Trainspotting«. Basada en la continuación del libro («Porno» de Irvine Welsh) cuya primera parte dio origen a esta franquicia inglesa, «T2 Trainspotting» es puro cinema. Parafraseando a Jack Lemmon, podemos decir que una de las instrucciones más brillantes dadas por director alguno, alguna vez, fue aquella impartida por Billy Wilder en medio de un set, quien al actor le espetó sobre una toma: «está muy bien, pero no tiene nada interesante». David Fincher, otro maestro, explicaba en una entrevista que hay dos posibilidades para posicionar la cámara en un plano: el correcto y el otro. En «T2 Trainspotting» Boyle obedece y fusiona las máximas de los dos célebres directores y crea un viaje audiovisual en donde cada plano no sólo es el correcto, sino además el más impactante.

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«Silence», De Martin Scorsese, La Fe Del Maestro.

En «The Dreamers«, la obra cinematográfica que tiene como autor al gran Bernardo Bertolucci, el personaje de Theo, un joven y apasionado cinéfilo, recuerda a otro de iguales características llamado Matthew aquella famosa sentencia del gran Francois Truffaut que clarifica que «Nicholas Ray es cinema». Hoy, algún famoso crítico de cine que ocupe los espacios en la sociedad desde la que el francés fuertemente influyó, podría decir que «Martin Scorsese es cinema»; pero también, que Scorsese es religión.

Y es que el sustento de la sentencia se haya al leer el fascinante libro «Conversations With Martin Scorsese», una recopilación de varias entrevistas dadas por el cineasta durante su carrera, donde se explaya con mucha naturalidad sobre el arte que tanto domina y que a él obsesiona. En una de ellas, dice él que cada vez que viaja se da cuenta de que realmente no es ateo, porque apenas comienza a despegar el avión su miedo lo obliga a rezar y a pedir a Dios que lo ayude.

Scorsese enfrenta el silencio de Dios frente a los actos de maldad en su última película.

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Steven Spielberg, Tributo Al Rey Midas Del Gran Cine.

Si se hiciera el ejercicio de ajustar por medio de la indexación de precios la taquilla de las películas más exitosas de todos los tiempos al día de hoy, el ejercicio dejaría como dato impresionante que Steven Spielberg ha logrado dirigir 8 de las 100 con mayor recaudación. Como si eso fuera poco, importantes publicaciones lo han catalogado como el más influyente personaje en la historia de la industria cinematográfica y se calcula que su fortuna, según la Revista Forbes, está en más de 3 billones de dólares.

La única persona en el mundo del celuloide que más dinero tiene que Spielberg es George Lucas, al parecer, siendo esto, su inmenso éxito taquillero, tal vez, la razón principal para que a muchas personas les quede muy fácil el olvidar que el director de «E.T.» es tanto un gran técnico como un verdadero artista, un narrador de historias audiovisual excepcional, con una puesta en escena que, parafraseando a Mathieu Kassovitz, es imposible de superar.

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«Ser un cineasta quiere decir que uno vive muchas vidas».

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«The King Of Comedy», La Mejor Actuación de De Niro Con Scorsese.

Martin Scorsese es amplíamente reconocido por las actuaciones que de sus interpretes logra sacar. Más aún, 18 de los performances llevados a cabo en sus películas han terminado con nominaciones a los premios Oscar, logrando que cinco de sus actores, Ellen Burstyn, Robert De Niro, Paul Newman, Joe PesciCate Blanchett, recibirían la dorada estatuatilla.

Más allá de todo, Scorsese es recordado por sus dos grandes asociaciones con los actores Leonardo Dicaprio y el antes mencionado Robert De Niro. Con este último ha logrado tres de los personajes más icónicos de toda la historia del cine: Travis Beackle, Jake La Motta y Jimmy Conway. Por todo esto, y mucho más, cuando este hombre de baja estatura y prominentes gafas dice que la mejor actuación de su antiguo actor fetiche es el de Rupert Pupkin en «The King Of Comedy«, sencillamente hay que verlo.

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20th Century Fox:  Jerry Lewis y Robert De Niro «The King of Comedy.» 

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La Violencia En El Cine

Uno de los tópicos más maltratados a la hora de analizar películas son las escenas de violencia. Desde los slasher films, pasando por las películas de artes marciales, hasta los duros dramas tratando de representar el mundo moderno, la violencia en el cine ha sido constante blanco de críticas acérrimas en contra de ella. De nuevo, y como casi todo en la vida, el problema en sí no radica en la violencia, sino más bien en quiénes son las personas que la ven y quiénes son las personas que la hacen. Nada más que una cuestión de perspectiva.

Y en ese esquema, hay que saltar en defensa gallarda de los que disfrutan con el cine violento. Porque el gran ataque de quienes osan despotricar de esta forma de entretenimiento, y por qué no decirlo: de arte, es el supuesto traslape a la sociedad de los hechos puestos en pantalla, capaces de influenciar a las audiencias a realizar actos similares a los del filme. Pero la realidad muchas veces golpea con fuerza las creencia. A hoy, es muy difícil encontrar una sociedad más pacífica que la japonesa y, a su vez, una con un cine tan violento como el de ese país. Los mexicanos y colombianos durante décadas se especializaron en novelas de formato largo (culebrones) y hay que ver la manera cómo solucionan sus diferencias. Es válido decir que, en pocas palabras, la violencia en la sociedad no tiene nada que ver con el cine.

Leatherface. "The Texas Chainsaw Massacre".
Leatherface. «The Texas Chainsaw Massacre».

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«Pulp Fiction», La Película Que Marcó Una Década.

“En el verano de 1989, un trabajador de una vídeotienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo». Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principio de la década de los años noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. «Reservoir Dogs«, pero muy especialmente «Pulp Fiction«, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, mientras todos trataban de entender qué había en estas obras que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron «Pulp Fiction» en el Festival de Cine de Cannes en 1994. Como es de todos conocido, el filme se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

Poster
Poster «Raro»

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«El Capo» de Marlon Moreno Solarte.

Colombia es un país particular. Para muchos de sus ciudadanos, el que se produzcan «narconovelas» nacionales, es causal de la mayor indignación puesto éstas, según mis compatriotas, dañan la imagen y nuestro buen nombre a nivel internacional.

No obstante, esas mismas personas que se rasgan las vestiduras con la emisión de cada capítulo, son, en gran parte, las mismas que votan en las elecciones, de manera mayoritaria, por un partido político cuyos integrantes están casi todos en procesos judiciales por nexos con grupos criminales narcotraficantes.

En breve, Colombia es un país indignado con las «narconovelas«; pero feliz con la «narcopolítica»

Marlon Moreno en
Marlon Moreno en «El Capo»

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Diez Grandes Frases De Diez Grandes Cineastas.

Se ha hablado mucho del tema. ¿Qué tanta importancia tiene el director en una película? ¿Es el autor definitivo? Como todo en la vida, la verdad es que es una situación que varía. Para nuestro gusto, en las películas en las que los productores dan las ordenes artísticas y tienen la última palabra, ese tipo de producciones son dirigidas por directores; pero en aquellas en las que son los directores quienes tienen el control y dominio de la obra, son dirigidas por cineastas.

Ellos, los cineastas, logran sobresalir por un punto de vista sobre la vida o el arte que dominan que es generalmente fascinante. Más allá de sus inmensas capacidades técnicas, que muchas veces se les atribuyen injustamente, pues es el equipo alrededor suyo quien debería recibir las alabanzas, lo que es emocionante en sus obras es su visión. Eso hace que muchas veces sea tan deleitoso escuchar sus palabras como observar sus trabajos.

Director Martin Scorsese (Second-Left) holds up his Oscar for Best Director in 'The Departed' with Directors Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, and George Lucas (L-to-R) at the 79th Annual Academy Awards at the Kodak Theatre in Hollywood, California Sunday 25 February 2007. EPA/PAUL BUCK +++(c) dpa - Bildfunk+++
Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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