«The Godfather Part II», La Obra de un Genio Inspirado.

Al Pacino in a scene from the film ‘The Godfather: Part II’, 1974. (Photo by Paramount/Getty Images)

Francis Ford Coppola se había desentendido por completo de la película cuya existencia transformó la suya propia. Paramount, su contraparte, estaba entre agobiada y agotada calculando qué hacer con los ingentes ingresos obtenidos. Entre sus deseos, por supuesto, era hacer otra obra con el particular director, en el universo originado en la mente de Mario Puzo. Se inventaron, negociantes ellos como pocos, las segundas partes, y comenzaron los contactos con el cineasta para construir la historia posterior de la familia Corleone. Coppola se negó inmediata y rotundamente.

La razón de la tajante negativa radicaba en los malos momentos vividos durante la filmación de lo que sería el origen de la saga. Pero el negocio era enorme, las posibilidades inmensas y la oportunidad única. Coppola encontró una salida salomónica: otorgarle la silla principal de la producción a un joven director de la época. La futura promesa, a quien el estudio rechazó de plano, era un tal Martin Scorsese. Nada por lamentar para la posteridad, pues al final Coppola aceptó al habersele prometido el cielo y un poco más por su retorno (y en forma de disculpas por el pasado), entregándole él a sus empleadores como respuesta a su generosidad pura maestría hecha cine, concluyendo todo en una de las mejores películas de todos los tiempos.

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«Hjertestart» Y La Necesidad De Otro Cine.

El líder político Pablo Iglesias y el escritor conservador Juan Manuel de Prada, debatiendo sobre la divino y terrenal en el programa televisivo «Otra vuelta de tuerka», encontraron un espacio para explorar el cine español de los últimos años. La crítica, compartida por ambos, era que en este nuevo momento todo lo producido para la gran pantalla en el mundo ibérico era demasiado hollywoodense.  La crítica, certera como dura es una roca, obvia la triste realidad de que ningún canal, productor, inversionista…, va a financiar un filme a menos que este tenga una fuerte semejanza a los realizados en la Meca del Cine. Es la ley en la industria hoy.

Y la posición es sostenida por los hechos. Hay otro cine ahí afuera, uno que emerge resultado de un esfuerzo monumental al escribir, producir y distribuir en festivales películas con grandes historias íntimas como fuerza propulsora que incita a crear, y cuyo deseo es conectar con la audiencia a un nivel personal. Tristemente, es ignorado este por el público. «Hjertestart«, el filme de Arild Andresen, escrito por él mismo en compañía de Hilde Susan Jaegtnes, protagonizado por Kristoffer Joner y Marlon Moreno Solarte, es claramente un ejemplo de ello.

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«Mindhunter», «Manhunt: Unabomber», «The Sinner», Netflix y el Peligro Que Pueden Ser Las Mamás Para La Sociedad.

Y tienen razón. De hecho, el tema buscado explorar en el artículo da para profundizar en un aspecto fascinante de las sociedades modernas, como lo es el papel de la mujer en su faceta de madre. Al ver las tres series de la compañía de retransmisión en forma consecutiva, es tentador recordar aquel momento de «How I Met Your Mother» en el que Robin (Cobie Smulders) se enfrasca en una relación con Kevin Venkataraghavan (Kal Penn), su psiquiatra. En un punto álgido de la secuencia, ella decide hacer el papel de doctor entre los dos, a lo que él le responde con un claro gesto condescendiente que lo intente; pero advirtiéndole que no tendrá posibilidad de hacerlo abrir su interior. Lo único que ella tiene que decirle a él, para que comience a desahogarse de manera desenfrenada es: «háblame de tu madre».

Las series de Netflix acá mencionadas, tienen claramente definido la temática en la cuál se mueven los dramas: asesinos criminales y, en el caso de las dos primeras, asesinos en serie. Se podría decir que Unabomber fue más un terrorista, indudablemente, pero la compaginación cuadra a la perfección, más por la forma como se ha plasmado la historia en la pantalla. Pero el tema de las series, podríamos arriesgarnos a decir acá, es otro: la familia disfuncional como originadoras de seres peligrosos para la sociedad.

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Guns N’ Roses, Una Banda De Rock Y Cine.

Lo de Guns N’ Roses en esta segunda década del milenio es algo alucinante. Después de una separación abrupta de una alineación original ya diezmada a mediados de los años noventa, la banda se reúne en el 2016 para arrancar una gira mundial de conciertos, un suceso con hartas posibilidades de culminar en fracaso, puesto que el grupo no lanzaba un disco desde el milenio anterior. Pero, aún así, organizan una exitosa y numerosa cantidad de presentaciones por varios países, dándose el lujo además de romper un par de récords en su visita a los principales estadios.

El actual resurgir de los músicos ha creado una marcada nostalgia por esos siete años dorados en los que estos cinco desadaptados, forjados como grupo de rock en la ciudad de Los Ángeles, simple y llanamente pusieron el mundo de la música de cabeza. Siendo, indudablemente, una de las marcas más rentables en la industria, su cercanía con Hollywood era algo de esperarse, puesto que además de inmensa fama, su conexión con el cine es algo especial y manifiesta. Y no nos referimos con esto a las docenas de producciones que han licenciado sus canciones para que acompañen a las imágenes en movimiento, sino que hay momentos en los que la banda hizo tributo con su arte a algunas películas, a la existencia de sutiles conexiones con el séptimo arte y, por supuesto, al haber participado directamente en grandes producciones.

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«Dunkirk» Lo Importante De La Historia, El IMAX, y Lo Horrible De La Guerra.

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Poster Oficial

Se dice, debatiéndose entre mito y realidad, el que Stalin, en medio de una reunión con los más altos mandos del politburó y como respuesta a una supuesta frustración, dijo: “denme una industria el diez por ciento de poderosa de lo que es Hollywood y convierto al mundo entero al comunismo”. De haber existido tal sentencia, ésta debió haberse pronunciada en aquellos días en que, como titula el diario.es de España, hubo un “fugaz romance entre Hollywood y la Unión Soviética”.

Reseñando esa misma época, el autor Michael S. Shull, en su libro Hollywood War Films, 1937-1945, hace un minucioso repaso de las producciones hollywoodenses en los días de la confrontación bélica. Entre ellas, cita algunas como «Song of Russia», donde se presenta una clara colaboración entre los norteamericanos y los rusos para combatir el nazismo, en el que incluso nace el amor entre dos ciudadanos de cada país; «The North Star», cuya historia exhibe a las granjas colectivas rusas como un paradisiaco lugar; y, «The Boys From Stalingrad», donde un grupo de niños rusos heroicamente enfrentan al régimen alemán.

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«The Departed», La Cúspide De Scorsese.

Inmediatamente mencionadas las nominaciones al Oscar para el año 2007, un aluvión de escritos pronosticó con tono tajante el premio a Mejor Director para Martin Scorsese, resultado esperado y por poco obligado como resultado de su trabajo como creador del filme “The Departed”. A la mañana siguiente de haber obtenido la dorada estatuilla, como setas que crecen después de la lluvia aparecieron comentarios acusando que el galardón había sido más por su carrera, su pasado, más no por la obra en competición, algo difícil de comprender para esos comentaristas, pues esta no era un trabajo a la altura de sus antiguas entregas. La gente puede llegar a ser quisquillosa.

Pero quisquilloso puede ser cualquiera, por lo que no parece errado declarar, con conocimiento del riesgo que se toma frente a los más conocedores del séptimo arte, el que “The Departed” es la obra maestra de Martin Scorsese. Puede, y es válido el debate abierto con la siguiente sentencia, no ser una obra maestra del cine; pero sí es la de su director. Después de un largo repaso al cuerpo de su trabajo, incluyendo largometrajes, documentales y comerciales, es difícil encontrar un filme tan completo, ambicioso y con una intención tan marcada de subyugar la narración del metraje a su inmenso talento y conocimiento del cine, como lo es esta película. En pocas palabras: “The Departed” es la película más Scorsese de Martin Scorsese.

De Robert Bruno

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«Why We Fight», Y El Negocio De La Guerra.

«Why We Fight«, documental dirigido por Eugene Jarecki, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2005. La fecha del lanzamiento, tal vez desapercibida para la mayoría, fue escogida por ser ese día el 45 aniversario del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower, en el que advirtió a sus mandantes sobre un naciente problema que engendraba a su interior todos los elementos necesarios para cambiar por completo su sociedad: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por el filme tiene su génesis al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema bélico productivo muy eficiente, que daba mucho empleo; pero que no tenía razón para seguir existiendo, puesto que habíamos entrado ya, como especie humana, a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentarle, por lo que, patéticamente, una completa lista de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

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El Presidente Eisenhower, en el poster de «Why We Fight».

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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Detrás De La Máscara Del Batman De Nolan.

Después de haber roto casi todo los éxitos de taquilla existentes hasta ese momento, y al parecer de paso ir creando unos nuevos, «The Dark Knight«, la segunda entrega de Batman, puso en el Olimpo de los dioses del cine al ya mundialmente reconocido Christopher Nolan. Finalizada la proyección de la obra encargada de concluir la trilogía, la regular «The Dark Knight Rises«, el director pudo mantener su estatus; pero dejó en claro su ideología.

Cuando en 2.004 se anunció el relanzamiento de la franquicia del superhéroe enmascarado, para todo el mundo estaba en la memoria la hasta ese momento sagrada adaptación que del personaje de Bob Kane había hecho el genial e inconfundible Tim Burton; pero también el desastre realizado por el variable Joel Schumacher, quien se vio forzado a cometer un un acto absolutamente extraño en Hollywood (pero totalmente revelador), como lo fue el haberse disculpado ante los fanáticos por tándem del superhéroe.  Tanto por lo primero, pero especialmente por lo segundo, no existía razón alguna para hacer otra película, dado que al parecer lo mejor y lo peor de este personaje ya se había llevado a la gran pantalla. Sin embargo, para la Warner Bros. y DC lo que estaba en su memoria no era eso, sino que cada una de las entregas habían dado más de cien millones de dólares, por lo tanto, otra Batman habría de hacerse.

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«Natural Born Killer», Y La Fama Del «Popeye».

“La visión de Oliver Stone ha cambiado la manera de ver nuestro pasado. Ahora nos va a mostrar dónde estamos y para dónde vamos. Y te sorprenderás de lo que él ve”. Pocas veces, por no decir nunca, el trailer de una película funciona como un manifiesto político. Sin embargo y de manera triste en el caso de «Natural Born Killers«, éste lo logró.

La película, basada en un guión escrito por Quentin Tarantino y transformado por el propio Stone en compañía de los novatos David Veloz y Richar Rutowski, se centra en la vida de los asesinos en serie Mickey y Mallory Knox, interpretados por Woody Harrelson y Juliette Lewis. Ambos personajes, unos criminales aterrorizando a un sector de los Estados Unidos con sus violentos ataques, se caracterizan por la espectacularidad que rodea sus actos vandálicos, y, por ende, por el interés mediático generado hacia ellos, llevando a la tan deseada exhibición televisiva. Su exposición en la pantalla chica les permite recibir un marcado apoyo y respaldo de una parte de la población, una que seguramente se siente segura e inalcanzable para ellos.

 

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«Las Noticias Los Hicieron Superestrellas»

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«Alien Covenant», Una Conveniente Secuela.

Era Francis Ford Copolla quien decía que en el cine, como en la vida, la única vía posible de surgir era tomando riesgos, porque si tomabas uno podías ganar o perder; pero si no tomabas, sólo podías terminar perdiendo. Y era Quentin Tarantino quien decía que el cine era un oficio de gente joven, puesto el cansancio de la vejez era incompatible con la demanda requerida de energía para hacer una película. Ambas frases, cuya veracidad es una matizada, describen a la perfección «Alien Covenant«, la última producción dirigida por Ridley Scott, sexta entrega de la franquicia que él dio inicio con la magistral «Alien» de 1979.

Y citamos a los maestros estadounidenses para hablar de la última obra del maestro ingles, porque la última obra del antiguo director de comerciales es una película menor entre las obras de Scott, lo que quiere decir muy superior a la media ofrecida hoy en día. «Alien Covenant» es una mala película comparada con las otras grandes obras de su realizador; pero no con lo que se le ofrece al espectador hoy.

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«En El Espacio Nadie Puede Escucharte Gritar», decía el eslogan de la primera entrega de la saga.

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«Kong: Skull Island», Y La Magia De Una Sala De Cine.

En su larga conversación con Lawrence Grobel, editada ella en forma de libro, Al Pacino declaró que «hay películas que son para cine y otras que son para televisión y a cada una se le debería respetar su formato». Bastante visionaria la aserción de uno de nuestros actores favoritos, dado es imposible hoy no darle la razón al hombre nacido en Corleone, que saltó a la fama con la adaptación hecha de un libro para película. Esa famosa producción hace parte de ese pequeño grupo de obras audiovisuales que superan a sus fuentes originales literarias, en el que también podríamos insertar a»Forrest Gump«.

Sí, hay libros que resultan mejor como películas, como alguna vez lo postuló el gran Salman Rushdie. Y las series actuales han demostrado acomodarse mejor a la pantalla chica que al largometraje. Cada historia, entonces podemos concluir, debe encontrar su formato ideal para ser contada. King Kong, por ejemplo, tiene una versión novelada que data de principios de los años treinta pasados; pero, y sin duda alguna, este cuento del simio gigante, hoy puesto en escena para la pantalla grande en»Kong: Skull Island«, es uno para ser contado y disfrutado en una sala de cine. De hecho, en la sala de cine más inmensa posible.

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El Rey «Kong».

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Steven Spielberg, Tributo Al Rey Midas Del Gran Cine.

Si se hiciera el ejercicio de ajustar por medio de la indexación de precios la taquilla de las películas más exitosas de todos los tiempos al día de hoy, el ejercicio dejaría como dato impresionante que Steven Spielberg ha logrado dirigir 8 de las 100 con mayor recaudación. Como si eso fuera poco, importantes publicaciones lo han catalogado como el más influyente personaje en la historia de la industria cinematográfica y se calcula que su fortuna, según la Revista Forbes, está en más de 3 billones de dólares.

La única persona en el mundo del celuloide que más dinero tiene que Spielberg es George Lucas, al parecer, siendo esto, su inmenso éxito taquillero, tal vez, la razón principal para que a muchas personas les quede muy fácil el olvidar que el director de «E.T.» es tanto un gran técnico como un verdadero artista, un narrador de historias audiovisual excepcional, con una puesta en escena que, parafraseando a Mathieu Kassovitz, es imposible de superar.

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«Ser un cineasta quiere decir que uno vive muchas vidas».

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«Apocalypse Now», Un Mensaje Claro Y Fuerte

Dos hechos definen “Apocalypse Now” de una manera muy certera. El primero sucedió antes de empezar a filmar, cuando Francis Ford Coppola le pidió a su antiguo productor y mentor, Roger Corman, consejos para producir en Filipinas; a lo que muy acuradamente el gurú de las películas serie b le respondió: «No vayas». El otro se vivió en el Festival de Cine de Cannes, cuando Coppola, de manera muy elocuente, les dijo a los periodistas quienes lo entrevistaban: «Mi película no es sobre Vietnam. Mi película es Vietnam. Un grupo de jóvenes, en la selva, con mucho dinero, que gastaron de más y se volvieron locos».

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Apocalypse Now (1979)

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«The Godfather»: Cuando La Mafia Pactó Con Hollywood

A principios de la década de los años setenta, a un joven y desconocido Francis Ford Coppola se le pidió que dirigiera la adaptación para cine de la novela “The Godfather”, del también joven y poco conocido Mario Puzo. Como resultado de esa unión, el cine habría de cambiar para siempre.

Sin embargo, desde muy temprano, los problemas comenzaron a salir a flote. La decisión de la Paramount, con Bob Evans, Charlie Bluhdorn y Peter Bart a la cabeza, era la de hacer una adaptación moderna y de pequeña escala, financiándola con un escaso presupuesto de menos de 2 millones de dólares. La visión que tenía Francis Coppola en la mente era tres veces más costosa. Los ejecutivos querían contratar a un joven, barato y dócil director italiano y Coppola resultó ser la peor decisión en ese sentido.

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«El Capo» de Marlon Moreno Solarte.

Colombia es un país particular. Para muchos de sus ciudadanos, el que se produzcan «narconovelas» nacionales, es causal de la mayor indignación puesto éstas, según mis compatriotas, dañan la imagen y nuestro buen nombre a nivel internacional.

No obstante, esas mismas personas que se rasgan las vestiduras con la emisión de cada capítulo, son, en gran parte, las mismas que votan en las elecciones, de manera mayoritaria, por un partido político cuyos integrantes están casi todos en procesos judiciales por nexos con grupos criminales narcotraficantes.

En breve, Colombia es un país indignado con las «narconovelas«; pero feliz con la «narcopolítica»

Marlon Moreno en
Marlon Moreno en «El Capo»

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«Mission Impossible», El Legado De Tom Cruise.

Tom Cruise fue, durante veinte años, un dios del cine. Dos década en las que el actor mezcló a la perfección el estreno de los más enormes blockbusters Top Gun«, «Interview With The Vampire», «War Of The Worlds«), con trabajos junto a los más reconocidos y alabados cineastas («Born On The Fourth Of July«, con Oliver Stone; «Eyes Wide Shut«, con Stanley Kubrick; «Collateral«, con Michael Mann). Difícil encontrar con una época dorada como la de este hombre, pudiendo llegar a consagrárlo como la celebridad más grande que haya producido Hollywood jamás.

De aquellos tiempos, es también uno de los momentos más emotivos para el interprete según él mismo: su entrevista con James Lipton en el emblemático «Inside The Actor’s Studio«. En la conversación, la joven estrella reveló que en la primera aproximación que tuvieron con él Don Simpson y Jerry Bruckheimer para que estelarizara «Top Gun», les pidió él que mejoraran el texto. Para el autor de estas palabras, esto es una cosa mayor, puesto demuestra que su éxito no fue producto de la casualidad; sino de un increíble talento personal para escoger y modelar proyectos. Desde allí, el paso a la producción estaba cantado.

«Mission Impossible», La Saga.

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Diez Grandes Frases De Diez Grandes Cineastas.

Se ha hablado mucho del tema. ¿Qué tanta importancia tiene el director en una película? ¿Es el autor definitivo? Como todo en la vida, la verdad es que es una situación que varía. Para nuestro gusto, en las películas en las que los productores dan las ordenes artísticas y tienen la última palabra, ese tipo de producciones son dirigidas por directores; pero en aquellas en las que son los directores quienes tienen el control y dominio de la obra, son dirigidas por cineastas.

Ellos, los cineastas, logran sobresalir por un punto de vista sobre la vida o el arte que dominan que es generalmente fascinante. Más allá de sus inmensas capacidades técnicas, que muchas veces se les atribuyen injustamente, pues es el equipo alrededor suyo quien debería recibir las alabanzas, lo que es emocionante en sus obras es su visión. Eso hace que muchas veces sea tan deleitoso escuchar sus palabras como observar sus trabajos.

Director Martin Scorsese (Second-Left) holds up his Oscar for Best Director in 'The Departed' with Directors Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, and George Lucas (L-to-R) at the 79th Annual Academy Awards at the Kodak Theatre in Hollywood, California Sunday 25 February 2007. EPA/PAUL BUCK +++(c) dpa - Bildfunk+++
Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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¿Ha Muerto El Celuloide?

En un principio, las razones para el uso de la tecnología digital en el cine estaban relacionadas con las facilidades obtenidas (costos principalmente) para aquellos quienes fueran a usarla. Y, en aquel momento, no cabía la menor duda de que la calidad del celuloide superaba con creces a lo traído por las nuevas cámaras. Era una cruda pero cierta realidad.

Pero en los últimos diez años se ha podido disfrutar de la evolución de la tecnología digital y su constante progreso hasta nuestros días, una época, nos atrevemos a decir, en donde se le ha dado el toque final a la antigua forma de capturar imágenes para cine. La manera más sencilla para dar a entender cómo el digital ha llegado a consolidarse como el formato estándar en nuestra industria, es sin duda alguna, haciendo un repaso por los hitos alcanzados en varias producciones.

Poster Oficial de la Película
Poster Oficial de la Película «Born Of The Fourth Of July»

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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