«The Girl With The Dragon Tattoo», De David Fincher, Descifrando La Película Perfecta.

Irrelevante el tratar de definir la superioridad o inferioridad habida entre las dos adaptaciones de la novela de Stieg Larsson, la sueca o la hollywoodesca. Más sensato parece celebrar todo un acontecimiento cinematográfico inesperado, como el ser testigos de un exquisito ejercicio artístico: dos directores adaptando un mismo texto. Se sienten reales las palabras de David Fincher al justificar la realización del filme: «al leer el libro de Larsson» se siente la posibilidad de «poder realizar cinco películas diferentes». Su sentencia valida la máxima de Woody Allen, haciéndola tan cierta como vital el agua: «de un mismo texto veinte directores harán veinte películas distintas». E, inmesamente alejada está esta de su hermana europea. Su principal rasgo diferenciador es la marca, la firma, la estela mágica de su director en cada plano de ella.

Hollywood crear remakes por razones varias, pero todas dirigidas a controlar el negocio de la distribución, en ser ellos quienes dominan el contenido ofrecido a nivel global. Pero había en este proyecto una intención artística adicional: la primera se mencionó antes; pero también el deseo de desarrollar una franquicia para adultos. Calcado del modelo de negocio de crear sagas para niños, jovenes y adultos con gustos de niños (Marvel, DC), se planeaba ahora una enfocada en los mayores de edad con exigencias más densas. De hecho, su realizador «no estaba interesado en hacer otro filme de asesinos seriales», sino en crear un trilogía de películas con profundos temas y temáticas. Según sus propias palabras, «había esperado toda su carrera por esta oportunidad» y «el compromiso del estudio lo hizo aceptar el proyecto».

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«Jeremy » y «Do The Evolution», El Cine Profético de Pearl Jam.

La década de los años noventa fue la de MTV. El canal de música transformó por completo la industria y elevó su marca hasta convertirla en una religión. Una veintena de artistas musicales, más o menos, con sus obras audiovisuales de promoción acompañando sus canciones, fueron la razón de tan inmenso éxito. En un mundo donde la suerte de un disco estaba ligada a la calidad de los videos músicales, Guns N’ Roses, Nirvana, Michael Jackson, Madonna, consiguieron conquistar verdaderas cimas artísticas. Las piezas cinematográficas acompañando las canciones eran realizadas por directores ya celebrados en el séptimo arte (Martin Scorsese dirigió «Bad» de Michael Jackson, Gus Van Sant lo hizo con «Under the Bridge» de los Red Hot Chili Peppers, y Brian de Palma tomó las riendas en «Dancing in the Dark» de Bruce Springsteen) o por algunos directores encaminados a convertirse en cineastas de renombre ante la cinefilia mundial (David Fincher, Michael BaySpike Jonze).

En medio de toda la parafernalia de imágenes acompañando al sonido, una agrupación parecía ir contra el motor de su industria y cancelaba, en el momento cúspide de su carrera, toda promoción a través de videoclips. Pearl Jam, la banda de Seattle liderada por Eddie Vedder, se retiraba del mundo creado por MTV, después de haber recibido en la máxima fiesta de la cadena televisiva varios de sus premios más codiciados: mejor vídeo del año, mejor vídeo de grupo, mejor vídeo de heavy metal/hard rock y mejor director, en la edición de 1993 de los MTV Video Music Awards. “De aquí a diez años, no quiero que la gente recuerde nuestras canciones como vídeos”, fue la explicación dada por el bajista Jeff Ament. Pero la razón parece ser mucho más profunda e impactante: se retiraban al haber sufrido una censura por parte de la cadena, al tratar de hacer una manifestación artística de un suceso tenebroso: el suicidio de un menor de edad en pleno salón de clases en su escuela.

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«The Social Network», David Fincher Anuncia Al Último Emperador.

La carta de Chris Hughes, miembro fundador de Facebook, solicitando al gobierno de los Estados Unidos el resquebrajar su antigua compañía de Internet, no debería ser tratada como un asunto menor o banal entre el marasmo de acontecimientos acongojando a todo el mundo. La red es ya el medio de comunicación de la sociedad moderna, el «país» donde hoy habitamos, la «nación» donde con nuestros pares interactuamos y el «ágora» donde nos informamos y comunicamos. Ese nuevo mundo creado tiene, por primera vez, un rey absoluto en el persona de Mark Zuckerberg, convirtiendo la situación en un hecho sin parangón en la historia humana. Y, como siempre se ha sustentado acá, el primero en anunciar un futuro con tal concentración de poder fue el arte; particularmente un filme, por poco perfecto: The Social Network, dirigido por David Fincher y escrito por Aaron Sorkin.

Eduardo Saverin, co-fundador de Facebook, fue claro y contundente al afirmar la notoria intención de la producción en ser «entretenida más no respetuosa de los hechos fácticos como si fuera un documental». Sheryl Sandberg, ejecutiva de alto nivel en la compañía, calificó a la obra como una «muy Hollywood» y de «ficción». Explicaba ella la necesidad de ese cambio por ser la mayor parte del tiempo de los emprendedores al momento de iniciar la compañía, uno usado para codificar y ordenar pizzas, por lo que acertadamente se preguntaba ella, «¿quién quiere ver una película sobre eso?» Y, por supuesto, está la famosa frase del propio creador de la red quien después de ver el filme alabó lo acertado del mismo… con respecto a su ropa. «The Social Network» no es la historia de Facebook, de cómo se creó, es una fascinante película basada en un hecho histórico como lo es la creación del gigante informático. Donde la película sí acierta a cabalidad, es a la hora de mostrar el nacimiento de un emperador moderno, posiblemente el más grande habido jamás.

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El «Trailer» De Cine, Una Historia Por Contar.

Algunas veces son una pequeña obra de arte hechas para vender una gran producción. Otras, un completo enemigo del aficionado al arruinarle las sorpresas y la totalidad de los giros en la historia a ser presentados por la película. La mayoría de las veces, nada distinto a una pieza comercial . Lo que sí son, lo que sí se han ganado es su espacio como un elemento esencial del arte tan amado.

No hay, ni ha habido, herramienta más importante para un productor que el conjunto de imágenes organizadas para presentar un futuro filme a estrenarse, como medio de promoción, al que erradamente se ha llamado trailer (Hollywod es especialista en poner nombres equivocados a sus cosas). Es comprobado, una y otra vez, que las taquillas de cine revientan al protagonista fallecer antes del estreno (Heath Ledger, Paul Walker, Michael Jackson), pero Hollywood aún no ha llegado a tanto y, por eso, los cortos (como muchos de los hispanos le decímos) sigue siendo la estrategia rey.

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«Mad Men», Clase Magistral De Cine Sobre Cómo Concluir Una Serie.

«Mad Men» es, por derecho propio, un referente televisivo, cultural y artístico de nuestra época. Una serie galardonada con lo más y mejor de los premios estadounidenses, considerada por la crítica como una de las diez mejores producciones de la pantalla chica jamás realizadas, y un fenómeno de audiencias a nivel global. Pero la sarta de halagos aquí estipulada, no se extiende en forma exclusiva a lo creado por Matthew Weiner. Son regulares, de hecho, en las obras cumbres de la ficción estadounidense. En donde «Mad Men» sobresale, en donde supera a casi todas las demás, es en haber encontrado un cierre que eleva todo el conjunto de manera gloriosa.

Es imposible no exigir un gran final, una clausura alucinante, una conclusión que desborde de emociones a la audiencia, cuando se han alcanzado cuotas artísticas admirables. La gran mayoría de las veces, los realizadores no están a la altura de las exigencias; pero en «Mad Men» los suyos incluso superaron toda expectativa. Es, lo regular, hacer una gran serie con un final que genere debate: algunos lo aman, otros lo detestan, pocos les es indiferente; pero es exótico, exquisito y grandioso cerrar con uno que sorprenda e impresione a todos sus seguidores. Y es eso lo que alcanzó el equipo de realizadores de este dramatizado.

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«Mindhunter», «Manhunt: Unabomber», «The Sinner», Netflix y el Peligro Que Pueden Ser Las Mamás Para La Sociedad.

Y tienen razón. De hecho, el tema buscado explorar en el artículo da para profundizar en un aspecto fascinante de las sociedades modernas, como lo es el papel de la mujer en su faceta de madre. Al ver las tres series de la compañía de retransmisión en forma consecutiva, es tentador recordar aquel momento de «How I Met Your Mother» en el que Robin (Cobie Smulders) se enfrasca en una relación con Kevin Venkataraghavan (Kal Penn), su psiquiatra. En un punto álgido de la secuencia, ella decide hacer el papel de doctor entre los dos, a lo que él le responde con un claro gesto condescendiente que lo intente; pero advirtiéndole que no tendrá posibilidad de hacerlo abrir su interior. Lo único que ella tiene que decirle a él, para que comience a desahogarse de manera desenfrenada es: «háblame de tu madre».

Las series de Netflix acá mencionadas, tienen claramente definido la temática en la cuál se mueven los dramas: asesinos criminales y, en el caso de las dos primeras, asesinos en serie. Se podría decir que Unabomber fue más un terrorista, indudablemente, pero la compaginación cuadra a la perfección, más por la forma como se ha plasmado la historia en la pantalla. Pero el tema de las series, podríamos arriesgarnos a decir acá, es otro: la familia disfuncional como originadoras de seres peligrosos para la sociedad.

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Del Cine Como El Quinto Poder.

Todo poder público al interior de cualquier sociedad democrática debe tener un contra-poder que regule su funcionamiento y limite sus alcances, siendo esto uno de los principios base de la teoría política clásica. Primitivamente, las sociedades crearon una función legislativa, otra ejecutiva y una última judicial, como tres ramas organizativas del poder público. No obstante, este sistema de pesos y contra pesos funcionaba a nivel de gobierno, parlamentos y cortes, sin dejarle a la ciudadanía un ente desde el cual ella pudiera ejercer presión de manera cotidiana. Los medios de información llenaron ese espacio por un momento, teniendo en la denuncia hacia los funcionarios públicos el arma más poderosa para delimitar sus acciones y enfocarlo hacia el bien público.

Producto de los cambios producidos por la globalización en su fase de pax americana y neoliberal, la sociedad de hoy se enfrenta a un nuevo problema. No se previó, por parte de nuestros padres fundadores, la capacidad de que alguna institución, algún ente o una organización, pudiera captar las tres ramas del poder público y la del ciudadano, disponiendo de todas ellas a su antojo y para satisfacer sus necesidades. Es indudable que hoy, el poder económico, centralizado éste en las grandes corporaciones con alcance global, tiene a su merced Estados enteros, dejando de nuevo a los pueblos indefensos frente a su accionar. Como era de esperarse, esta capacidad de maniobra va muchas veces en beneficio de todos; pero es también usada de manera inescrupulosa cuando los intereses comerciales se ven amenazados. Es por esto que se debe celebrar cuando desde el arte, sin importar su forma de expresión, se alza una voz de denuncia que acusa, con la sutileza producto de su misma esencia, alguna faceta diciente de ese mundo totalitario que hoy se ha erigido frente a nosotros.

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«Mindhunter», Teatro Hecho Cine Para Televisión.

«El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.» La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

«Mindhunter«, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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«Kill Bill», La Obra Y El Debate De Un Autor.

En algún momento Tarantino se refirió a su universo de la siguiente manera: «cuando una persona normal, real, de la calle como tú y yo, va al cine, va a ver películas como “Pulp Fiction” y “Reservoir Dogs”; pero cuando los personajes de esas películas van al cine, van a ver “Kill Bill”». Pocas sentencias pueden describir con tanta precisión el cine de este autor y, basándonos en eso, nos arriesgamos a decir que “Kill Bill” es la película que Quentin Tarantino siempre quiso hacer.

El filme, presentada a un focus group en Austin, Texas, recibió una ovación de pie de más de quince minutos, lo que llevó a Harvey Weinsten a no querer recortar ni un segundo de su producción y enviarla, inmediatamente, a su proceso de distribución. Eso, a pesar de lo arriesgado que la misma pudiera parecer comercialmente, teniendo en cuenta su fuerte contenido de violencia y el haberse enmarcado en géneros pocos comerciales.

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Kill Bill Poster

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«T2: Trainspotting», Una Sobredosis De Puro Cinema.

«Escoge Cine», podríamos decir extasiados después de ver la última producción de Danny Boyle, una secuela de su obra de culto de los años noventa, «Trainspotting«. Basada en la continuación del libro («Porno» de Irvine Welsh) cuya primera parte dio origen a esta franquicia inglesa, «T2 Trainspotting» es puro cinema. Parafraseando a Jack Lemmon, podemos decir que una de las instrucciones más brillantes dadas por director alguno, alguna vez, fue aquella impartida por Billy Wilder en medio de un set, quien al actor le espetó sobre una toma: «está muy bien, pero no tiene nada interesante». David Fincher, otro maestro, explicaba en una entrevista que hay dos posibilidades para posicionar la cámara en un plano: el correcto y el otro. En «T2 Trainspotting» Boyle obedece y fusiona las máximas de los dos célebres directores y crea un viaje audiovisual en donde cada plano no sólo es el correcto, sino además el más impactante.

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«Se7en», Una Película Insuperable.

Cuando David Fincher recibió el MTV MOVIE AWARDS de 1996 a la mejor película del año, el joven director le recordó a todo el mundo presente que cuando ésta se estrenó, muchos críticos la tildaron de manera despectiva como «tan sólo una película al estilo MTV». Parado en el estrado de los ganadores con su premio de palomitas, el director afinadamente les respondió:”¿Cuál es el problema con eso?”.

A más de dos décadas de haberse estrenado, la verdad es que la película se ha convertido en una verdadera producción cinematográfica de culto, un inmenso éxito de taquilla, y uno de los mejores filmes de suspenso de todos los tiempos, siendo o no tan sólo una película al estilo MTV.

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Fotograma de «Se7en»

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«Mission Impossible», El Legado De Tom Cruise.

Tom Cruise fue, durante veinte años, un dios del cine. Dos década en las que el actor mezcló a la perfección el estreno de los más enormes blockbusters Top Gun«, «Interview With The Vampire», «War Of The Worlds«), con trabajos junto a los más reconocidos y alabados cineastas («Born On The Fourth Of July«, con Oliver Stone; «Eyes Wide Shut«, con Stanley Kubrick; «Collateral«, con Michael Mann). Difícil encontrar con una época dorada como la de este hombre, pudiendo llegar a consagrárlo como la celebridad más grande que haya producido Hollywood jamás.

De aquellos tiempos, es también uno de los momentos más emotivos para el interprete según él mismo: su entrevista con James Lipton en el emblemático «Inside The Actor’s Studio«. En la conversación, la joven estrella reveló que en la primera aproximación que tuvieron con él Don Simpson y Jerry Bruckheimer para que estelarizara «Top Gun», les pidió él que mejoraran el texto. Para el autor de estas palabras, esto es una cosa mayor, puesto demuestra que su éxito no fue producto de la casualidad; sino de un increíble talento personal para escoger y modelar proyectos. Desde allí, el paso a la producción estaba cantado.

«Mission Impossible», La Saga.

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«House Of Cards», La Revolución De Netflix Que No Fue.

Durante la década de los años ochenta, la gran pelea comercial del mundo ocurrió entre los gigantes Pepsi-Cola y Coca-Cola. En los noventa, la batalla se trasladó al mundo de la tecnología con Apple y Microsoft como protagonistas. Para los primeros dos mil, el enfrentamiento estaría entre Facebook y Google. Para esta segunda década del milenio, los titanes sacándose sangre serán HBO y NETFLIX. Ya es famosa la frase que hizo Reed Hastings, CEO de la última, después del estreno de la niña consentida de la compañía de streamming, «House Of Cards«: debemos convertirnos en HBO antes que HBO se convierta en nosotros. Y es que el revuelo de la serie posterior a su estreno fue tan enorme, que podemos decir, honestamente, pateó las bases del negocio del audiovisual casero a nivel mundial. Hoy, HBO está ya lanzada al mundo de la retransmisión digital, consagrándose como la marca reina en contenido televisivo, pero por un momento, su reinado parecía haber llegado a su ocaso.

La televisión pasaba por un gran momento en el mundo; pero quedaba en el aire la idea que el rey de la industria era la compañía de Time Warner. Se admitía la existencia de buenas series en otros lares, pero la «calidad HBO» era la que mandaba. Eso, en muchos sentidos, era cierto. Cuando NETFLIX estrenó «House Of Cards», se realizó una movida tan impresionante en la mesa del ajedrez televisivo mundial que, por primera vez, el rey se sintió en jaque. Por supuesto existían «Breaking Bad«, «Mad Men» y, sobre todo, «The Walking Dead» en sus primeras temporadas, producciones que habían alcanzado niveles de admiración escalofriantes. Pero durante más de una década, quien lideraba la pantalla chica, quien innovaba, quien colocaba las pautas a seguir era la cadena cuyas siglas significan Home Box Office. Cuando nació «House Of Cards», no solo se estrenaba una nueva serie, de insuperable calidad artística, se le proponía al espectador una nueva manera de disfrutar el contenido.

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Frank Underwood: «Welcome to Washington».

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Diez Grandes Frases De Diez Grandes Cineastas.

Se ha hablado mucho del tema. ¿Qué tanta importancia tiene el director en una película? ¿Es el autor definitivo? Como todo en la vida, la verdad es que es una situación que varía. Para nuestro gusto, en las películas en las que los productores dan las ordenes artísticas y tienen la última palabra, ese tipo de producciones son dirigidas por directores; pero en aquellas en las que son los directores quienes tienen el control y dominio de la obra, son dirigidas por cineastas.

Ellos, los cineastas, logran sobresalir por un punto de vista sobre la vida o el arte que dominan que es generalmente fascinante. Más allá de sus inmensas capacidades técnicas, que muchas veces se les atribuyen injustamente, pues es el equipo alrededor suyo quien debería recibir las alabanzas, lo que es emocionante en sus obras es su visión. Eso hace que muchas veces sea tan deleitoso escuchar sus palabras como observar sus trabajos.

Director Martin Scorsese (Second-Left) holds up his Oscar for Best Director in 'The Departed' with Directors Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, and George Lucas (L-to-R) at the 79th Annual Academy Awards at the Kodak Theatre in Hollywood, California Sunday 25 February 2007. EPA/PAUL BUCK +++(c) dpa - Bildfunk+++
Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas

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¿Por qué darle el sí a Netflix?

Básicamente, porque es claro que la plataforma más que un medio para encontrar títulos, es realmente una para descubrir títulos. En los múltiples comentarios que hay en las redes sociales de la empresa, los dos más comunes de encontrar son: «para cuándo la tercera temporada de…» y «sólo cosas viejas, me salgo».

Desde que accedí a los servicios de la plataforma de streamming, el gran uso que le he dado ha estado enfocado en encontrar contenido que nunca había visto y que, por supuesto, no pierde su vigencia. De nuevo: Netflix es más un lugar para descubrir y maravillarse, que para llegar a encontrar títulos que se tienen en mente.

Logo De Netflix.
Logo De Netflix.

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¿Ha Muerto El Celuloide?

En un principio, las razones para el uso de la tecnología digital en el cine estaban relacionadas con las facilidades obtenidas (costos principalmente) para aquellos quienes fueran a usarla. Y, en aquel momento, no cabía la menor duda de que la calidad del celuloide superaba con creces a lo traído por las nuevas cámaras. Era una cruda pero cierta realidad.

Pero en los últimos diez años se ha podido disfrutar de la evolución de la tecnología digital y su constante progreso hasta nuestros días, una época, nos atrevemos a decir, en donde se le ha dado el toque final a la antigua forma de capturar imágenes para cine. La manera más sencilla para dar a entender cómo el digital ha llegado a consolidarse como el formato estándar en nuestra industria, es sin duda alguna, haciendo un repaso por los hitos alcanzados en varias producciones.

Poster Oficial de la Película
Poster Oficial de la Película «Born Of The Fourth Of July»

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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«Trance», De Danny Boyle, Sólo Un Lienzo Digital.

Decía James Vanderbilt que David Fincher le había dicho alguna vez que dirigir una película era como pintar un cuadro, con 50 hombres trabajando en el lienzo y una persona atrás en un walkie talkie dando ordenes a cada uno del tipo: «más azul en ese lado; más verde al otro». Por supuesto, la analogía del brillante director la hace parafraseando a otro monstruo del cine: el gran Orson Welles.

En un documental, llamado «Boffo Tinseltown’s Bombs & Blockbusters«, George Clooney hablaba sobre la fragilidad de la que dependía el éxito de una película; puesto que se necesita de la equivocación de una sola persona para que la producción no funcionará. Se arrancaba con lo primero, que era un excelente guion; pero luego podía ser el director el que se equivocará, o el editor o un publicista.

En «Trance«, Danny Boyle («Trainspotting» 1995; «The Beach«, 2000; «Slumdog Millonaire«, 2009) contaba con un equipo y elenco de lujo; quienes en su gran mayoría hicieron un trabajo alucinante. Pero sería el mal quehacer de una persona, al principio del filme, el que determinaría que esta terminará no funcionando, quedándose únicamente en la promesa de lo que pudo ser: una excelente película de entretenimiento.

«Trance» es visualmente impactante. Su trabajo de cámara y luz es particularmente delicioso para la vista. Anthony Dod MantleRush«, 2013; «Anthicrist«, 2009; «The Last King Of Scotland«, 2009), comentaba en algún momento que para él y Danny Boyle el movimiento de cámara era realmente importante; lo que en cada película se definía era el cómo se iba a lograr. En esta particular, el trabajo de ese apartado es realmente fascinante.

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Amante como ninguno de la filmación en digital y la comodidad que esta ofrece, el trabajo de cámara resalta durante todo el metraje. En el movimiento, por supuesto; pero también en los agresivos e impactantes encuadres. En una película que tiene como universo el mundo de las artes plásticas, pareciera que la gran mayoría de fotogramas del filme fueran unas maravillosas pinturas.

Como complemento perfecto al trabajo del cinematógrafo, tenemos a un Mark Tildesley inspirado en el diseño de producción. La película, ubicada en el Londres de nuestros días, realmente ofrece una perspectiva alucinante y muy refrescante de la cuidad, algo que merece todo el reconocimiento del público, puesto la capital de Inglaterra es una locación ampliamente conocida a través del cine. Presentarla de manera tan original es un acierto.

Rosario Dawson as «Elizabeth» and James McAvoy as «Simon» in Danny Boyle’s «TRANCE.» ©Fox Searchlight.

Muy inteligente en ese sentido es el realizar planos a través de vidrios, metales o plásticos, que distorsionen la imagen, dándole un aspecto que además de atractivo, es acorde a la temática de la hipnosis que presenta «Trance«.

En conjunto, la calidad del trabajo de sonido en el filme es una absoluta delicia. Tanto por las poderosas composiciones de Rick Smith (recordado por ser parte de la banda «Underworld», que nos trajo la famosa canción «Born Slippy«, dada a conocer mundialmente gracias a «Trainspotting«), que podrían ser calificadas como hermosas piezas de música clásica pero ejecutadas a través de instrumentos de música electrónica; como por lo logrado por Simon HayesPrometheus«, 2012; «Kick-Ass»; 2010; «Snatch«, 2005) en la captura y diseño de sonido, donde logra emanar sentimientos de estados alterados de la mente en muchos momentos de la película.

De la parte técnica, tal vez la más impactante de todas sea la de la edición, a cargo del irrepetible Jon HarrisThe Woman In Black«, 2012; «127 Hours«; 2010; «Snatch», 2005) quien logra contar una complicada historia de la manera más ordenada posible. Por supuesto, el endiablado ritmo que lo ha caracterizado en el pasado, que da tanta emoción a muchas escenas, hace notoria presencia acá.

Ahora, como bien se dice, nada del apartado técnico sirve si no hay buenas actuaciones y un buen guion. De los primero, hay mucho en este filme; de lo segundo, no tanto. James McAvoy y Vicent Cassell están a la altura que nos tienen acostumbrados. La transformación a lo largo de la película del primero, quien declaró que estaba desesperado por interpretar el papel, es acompañada por la enorme variedad de matices que presenta el segundo. Rosario Dawson realmente no está mal y, a pesar de  que si dejan algo que desear los secundarios de la película, el resultado final del conjunto es más que pasable.

El apartado de la película que si no hay por donde tomar es del guion. De una idea realmente bien pensada, se hizo un desarrollo harto mediocre. Haciendo algo de historia, vale recordar el famoso dilema entre el suspense y la sorpresa, que tan brillantemente explicó el inmortal Alfred Hitchcock en un ejemplo. Dijo el director inglés en sus conversaciones con el famoso director francés, que la sorpresa es el estallido de una bomba de manera inesperada por el espectador en una escena entre dos personas conversando; mientras que el suspense es mostrarle al espectador que se coloca una bomba a punto de estallar entre dos personas que están conversando. En el primer escenario el espectador brinca del susto cuando está estalla, pero luego se le pasa y ya; mientras que en el segundo, el espectador estará tensado durante toda la conversación, sin saber si esta estallará o no.

Jon Ahearne, escritor del guion, el que contó con una revisión de John HodgeShallow Grave«, 1994; «Trainspotting«, 1995; «The Beach«, 2000), escogió la facilidad que entrega lo primero (la sorpresa) en vez de la profundidad que otorga lo segundo (el suspense). Con un agravante: y es que en un tipo de película en la que se descubre la verdad al final, debe el espectador tener la oportunidad de descubrirla antes. Es por eso que «The Sixth Sense«, de M. Night Shyamalan, o «The Usual Suspects«, de Bryan Singer, son tan adoradas por el público: por que durante toda la película, da una u otra manera, nos han dicho ya el sorprendente final de la misma. El no habernos dado cuenta por nosotros es lo que las hace tan fascinantes.

Eso no pasa acá. Las pistas que dan son claras; pero es imposible llegar a la conclusión de la película con tan sólo esa información. Y eso hace que el final pierda toda la fuerza que podría haber tenido.

Es realmente una tristeza que la estructura escogida para el guion sea esta tan mediocre y débil, puesto que no logra cerrar lo que de otra manera hubiera sido una pieza cinematográfica alucinante, convirtiéndola en un hito, tal y como lo son los dos últimos filmes mencionados en este post. «Trance» tenía una inmensa y muy entretenida idea entre manos; pero fue ejecutada a la perfección por todo el equipo técnico y artístico, con excepción del guionista. Habrá que darle entonces la razón al gran George Clooney.