«Once Upon A Time In Hollywood», El Fin De Una Era.

Si en aquella maravillosa década de los años noventa se hubiera creado un filme con un cartel de igual magnitud al poseído por la última película del enfant terrible del cine, la taquilla de «Titanic» y «Avatar» serían tan solo un porcentaje de lo que esa hipotética producción hubiera alcanzado a recaudar. Un trailer promoviendo un filme dirigido por Quentin Tarantino, con Leonardo Dicaprio y Brad Pitt como protagonistas, sería la fórmula perfecta, el santo grial de cualquier productor de la meca del cine. El realizador, de hecho, se autodenominó uno de los «más afortunados de la historia por poder tener a los dos». Si a la fórmula se le agrega Al Pacino… Pero en estos días, y a más de un mes del estreno de «Once Upon A Time In Hollywood«, sorprende que el filme produzca números importantes; pero lejos de ser una cantidad de dinero envidiable en comparación.

Medios de renombre internacional, durante la etapa de promoción, afanosamente crearon sendas piezas sobre el actor hecho ya su propia marca liderando esta producción. Con mucha razón la prestigiosa The Hollywood Reporter definió al intérprete como su propia «franquicia». Entre sus líneas se estructuran ideas tan fuertes como que, mientras Robert Downey Jr. tan solo hace billones como Iron Man, Dicaprio logra taquillas impresionantes en obras de gran talla artística como «The Revenant» e «Inception«. No del todo cierto; pero con mucha validez toda la hipótesis. Y se presenta como argumento para sustentar que si tenemos la capacidad de analizar sin pasión, debemos aceptar la dolorosa realidad de que el trío más prometedor del séptimo arte no funcionó según lo esperado, permitiéndonos presenciar el fin de una era, alucinante e inolvidable, en Hollywood.

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«Bohemian Rhapsody», El Cine Llevado A Sus Más Hermosos Límites.

«Un buen drama es como la vida sin las partes aburridas», sentenciaba en sus mejores días uno de los más grandes del cine, el insuperable, por lo menos hasta ahora sin encontrar quién lo haya superado, Alfred Hitchcock. Cuando André Bazin y François Truffaut se sentaron en París a hablar con el gran George Orson Welles, el inspirado director les compartió a los jóvenes y entusiastas escritores su enseñanza de cine más poderosa: «para mí -respondió el idolatrado hombre-, la edición no es un asunto, es el asunto».

Reposa, en las dos brillantes teorías, aplicadas a una historia hecha audiovisual, toda la explicación necesaria para entender qué hace a una película una gran obra maestra del séptimo arte. Pero si se usan ambas directrices para narrar la vida de una de las más grandes agrupaciones musicales jamás creadas sobre la faz de la tierra, la mezcla es una explosión de emociones imposibles de describir con palabras y que solo ese invento humano maravilloso llamado cine puede producir.

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«The Girl With The Dragon Tattoo», De David Fincher, Descifrando La Película Perfecta.

Irrelevante el tratar de definir la superioridad o inferioridad habida entre las dos adaptaciones de la novela de Stieg Larsson, la sueca o la hollywoodesca. Más sensato parece celebrar todo un acontecimiento cinematográfico inesperado, como el ser testigos de un exquisito ejercicio artístico: dos directores adaptando un mismo texto. Se sienten reales las palabras de David Fincher al justificar la realización del filme: «al leer el libro de Larsson» se siente la posibilidad de «poder realizar cinco películas diferentes». Su sentencia valida la máxima de Woody Allen, haciéndola tan cierta como vital el agua: «de un mismo texto veinte directores harán veinte películas distintas». E, inmesamente alejada está esta de su hermana europea. Su principal rasgo diferenciador es la marca, la firma, la estela mágica de su director en cada plano de ella.

Hollywood crear remakes por razones varias, pero todas dirigidas a controlar el negocio de la distribución, en ser ellos quienes dominan el contenido ofrecido a nivel global. Pero había en este proyecto una intención artística adicional: la primera se mencionó antes; pero también el deseo de desarrollar una franquicia para adultos. Calcado del modelo de negocio de crear sagas para niños, jovenes y adultos con gustos de niños (Marvel, DC), se planeaba ahora una enfocada en los mayores de edad con exigencias más densas. De hecho, su realizador «no estaba interesado en hacer otro filme de asesinos seriales», sino en crear un trilogía de películas con profundos temas y temáticas. Según sus propias palabras, «había esperado toda su carrera por esta oportunidad» y «el compromiso del estudio lo hizo aceptar el proyecto».

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«Brightburn», El Salvaje y Cruel Individualismo.

«Brightburn» es una película estadounidense dirigida por David Yarovesky. Y no podía ser de otro país, porque de todas las posibilidades, de todas las latitudes del mundo, los seres extraterrestres con poderes sobrehumanos pertenecen a esta región del planeta. Lo anterior no es un reproche, sino una identidad que Brian y Mark Gunn, guionistas, han sabido entender mejor que nadie: así como Clark Kent forma parte de un imaginario social norteamericano que puja por una renovación de los valores humanos, Brandon Breyer pertenece a una nueva cosmovisión del mundo en donde la individualidad exige un respeto por los ideales propios. Las diferencias ético-estéticas entre Kent y Breyer son claras: mientras que el personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1933 narrativamente arribó a la tierra durante un periodo entreguerras, lo que probablemente motivo a sus creadores a contar una historia de un superhombre bondadoso, el extraterrestre de los hermanos Gunn encuentra en el influjo de la individualidad un atractivo tan poderoso como seductor.

Pero centremos la atención en Brightburn. La película coloca al espectador en la tan anhelada esperanza de una libertad absoluta. La relectura propuesta por la película a todas luces reconoce los bordes narrativos de «Smallville«,  en donde el valor de la vida familiar y el amor de unos padres es suficiente para controlar las fuerzas exorbitantes de un Kal-el que en su crecimiento aprende a luchar contra sus impulsos. Sin embargo, esta nueva propuesta cinematográfica apuesta por una visión más realista descansando en esa posible realidad todo el horror de la película: ¿qué ocurriría si, verdaderamente, un ser extraterrestre llegara a la tierra? ¿Bastarían los esfuerzos de los padres terrestres? La respuesta es contundente: si nuestra naturaleza humana puede superar la individualidad y apostar por la vida comunitaria, nada garantiza que esta sea una característica del súper-humano. Los primeros minutos de la película se esfuerzan en hacer patente esta idea: no importa cuánto amor, cuántas relaciones, cuántos cuidados se prodiguen a un miembro familiar que no es humano, al final la naturaleza del individuo en cuestión prevalecerá por sobre todo lo demás.

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«The Social Network», David Fincher Anuncia Al Último Emperador.

La carta de Chris Hughes, miembro fundador de Facebook, solicitando al gobierno de los Estados Unidos el resquebrajar su antigua compañía de Internet, no debería ser tratada como un asunto menor o banal entre el marasmo de acontecimientos acongojando a todo el mundo. La red es ya el medio de comunicación de la sociedad moderna, el «país» donde hoy habitamos, la «nación» donde con nuestros pares interactuamos y el «ágora» donde nos informamos y comunicamos. Ese nuevo mundo creado tiene, por primera vez, un rey absoluto en el persona de Mark Zuckerberg, convirtiendo la situación en un hecho sin parangón en la historia humana. Y, como siempre se ha sustentado acá, el primero en anunciar un futuro con tal concentración de poder fue el arte; particularmente un filme, por poco perfecto: The Social Network, dirigido por David Fincher y escrito por Aaron Sorkin.

Eduardo Saverin, co-fundador de Facebook, fue claro y contundente al afirmar la notoria intención de la producción en ser «entretenida más no respetuosa de los hechos fácticos como si fuera un documental». Sheryl Sandberg, ejecutiva de alto nivel en la compañía, calificó a la obra como una «muy Hollywood» y de «ficción». Explicaba ella la necesidad de ese cambio por ser la mayor parte del tiempo de los emprendedores al momento de iniciar la compañía, uno usado para codificar y ordenar pizzas, por lo que acertadamente se preguntaba ella, «¿quién quiere ver una película sobre eso?» Y, por supuesto, está la famosa frase del propio creador de la red quien después de ver el filme alabó lo acertado del mismo… con respecto a su ropa. «The Social Network» no es la historia de Facebook, de cómo se creó, es una fascinante película basada en un hecho histórico como lo es la creación del gigante informático. Donde la película sí acierta a cabalidad, es a la hora de mostrar el nacimiento de un emperador moderno, posiblemente el más grande habido jamás.

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«Inglourious Basterds», Quintaesencia Tarantino.

¿Qué le otorga a un filme el ser merecedor de llevar la firma de Quentin Tarantino? Tal vez la música, posiblemente la violencia, algo la estructura narrativa, mucho la comedia… Una dosis de lo anterior debe haber en la receta final. Pero subyacente a cada uno de ellos como un centro gravitacional sujetando a todos, yace escondido el verdadero ingrediente secreto del cineasta: sus personajes. Y ninguna película del afamado director norteamericano logró icónicas figuras del séptimo arte como «Inglourious Basterds».

Al recibir el premio America Rivera, en el Festival Internacional de Santa Barbara, el director postuló, casi sin algún tipo de duda, precisamente a esta película como la encargada de hacer perdurar su nombre en la posteridad. Son muchos los elementos sustentado su visión y parece imposible no concordar con la opinión del maestro. Y toda posición a su favor, sobre su comentario, radica en una percepción subjetiva de sentir a “Inglourious Basterds» como el trabajo más maduro de Tarantino, sin perder una gota de su esencia más pura y definitoria.

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«Avengers: Endgame», El Evento Cinematográfico Del Siglo.

La relación de Marvel y el cine no comenzó con el «Iron Man» de Jon Favreau y Robert Downey Jr. Ya quisieran ellos. Kevin Feige, presidente de la división de cine de Marvel desde 2007, fue el ejecutivo detrás de rotundos fracasos como la «Daredevil» de Mark Steven Johnson con Ben Affleck, «Elektra» de Rob S. Bowman con Jennifer Garner, y, «The Punisher» del guionista hecho director Jonathan Hensleigh con Thomas Jane y John Travolta como líderes protagonistas. Se comentó, incluso, en algún momento, la negativa dada por parte del ejecutivo a la hora de aceptar a Downey Jr. como el líder estelar del hombre de acero, cediendo de mala gana y, tal vez, agotado por la inclemente insistencia dada por Favreau exigiendo fuera él el actor . En pocas palabras, por poco arruina él, Feige, la era en la que Marvel conquistó el planeta entero con la franquicia más exitosa de todos los tiempos.

Pasadas diez películas, once años y 18 mil millones de dólares en taquilla, la conclusión del Universo Marvel en pantalla de cine era, por derecho propio, un evento cinematográfico sin precedentes. En su gran finale, los realizadores tuvieron a su disposición 19 actores nominados al Oscar, ocho de ellos merecedores de la apreciada estatuilla; y un equipo detrás de cámaras sobresaliente, liderado por un renombrado músico como Alan Silvestri (autor de melodias tan emblemáticas como las de «Forrest Gump» y «Back to the Future»). Los 1.200 millones de dólares recaudados a nivel global en su primer fin de semana así la reafirmaron, dando cierre definitivo a todo un hito dentro de la cultura popular planetaria.

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«The Godfather Part II», La Obra de un Genio Inspirado.

Al Pacino in a scene from the film ‘The Godfather: Part II’, 1974. (Photo by Paramount/Getty Images)

Francis Ford Coppola se había desentendido por completo de la película cuya existencia transformó la suya propia. Paramount, su contraparte, estaba entre agobiada y agotada calculando qué hacer con los ingentes ingresos obtenidos. Entre sus deseos, por supuesto, era hacer otra obra con el particular director, en el universo originado en la mente de Mario Puzo. Se inventaron, negociantes ellos como pocos, las segundas partes, y comenzaron los contactos con el cineasta para construir la historia posterior de la familia Corleone. Coppola se negó inmediata y rotundamente.

La razón de la tajante negativa radicaba en los malos momentos vividos durante la filmación de lo que sería el origen de la saga. Pero el negocio era enorme, las posibilidades inmensas y la oportunidad única. Coppola encontró una salida salomónica: otorgarle la silla principal de la producción a un joven director de la época. La futura promesa, a quien el estudio rechazó de plano, era un tal Martin Scorsese. Nada por lamentar para la posteridad, pues al final Coppola aceptó al habersele prometido el cielo y un poco más por su retorno (y en forma de disculpas por el pasado), entregándole él a sus empleadores como respuesta a su generosidad pura maestría hecha cine, concluyendo todo en una de las mejores películas de todos los tiempos.

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¿Por Qué Es Que Enamora «School Of Rock»?

Los posters y trailers de “School of Rock“ no prometían mucho. Sí, sobresalían los nombre de Scott Rudin como productor y Richard Linklater como director. Pero en el fondo fue fácil catalogarla como otra de esas películas tontas de Hollywood por llegar a las pantallas de cine. Y tratando de mantener objetividad, no es errada la apreciación: sí, “School of Rock” es una historia clásica, mil veces vista su estructura; pero con la diferencia de que en esta ocasión fue hecha con tal pasión y amor, que es imposible no enamorarse de ella.

En el “Round Table” de “The Hollywood Reporter”, James Franco ofrecía un análisis fascinante sobre su película “The Disaster Artist”. Un poco de contexto se revela necesario. El filme de Franco está basado en otro filme, “The Room”, catalogado por sus seguidores como “el peor filme de la historia”. La clave aquí radica en el correcto uso de la palabra “seguidores”. Y es que es cierto: no se pueden llamar de otra forma a los amantes del filme. “The Room” es una película que, a pesar de ser claramente un pésimo producto cinematográfico, es vista en salas de cine por todo Estados Unidos, por audiencias que llenan teatros y hacen de cada una de sus proyecciones una experiencia magnífica.

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Un Genio Llamado Jim Carrey.

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Es, inmensamente fácil y tentador, calificar un actor de comedia como un «payaso». Un bufón encargado de producir carcajadas en la audiencia, producto de una personalidad extrovertida y temeraria, impulsora de actos circenses, muchas veces hilarantes, algunas veces humillantes. Pero son ellos, algunas veces, muchísimo más. Jim Carrey fue el último de esa estirpe, y tal vez igual de grande a todos sus antecesores. Charles Chaplin, Buster Keaton y, para sorpresa de muchos, Marilyn Monroe, son exponentes clásicos de esta figura que trasciende épocas. Porque parece ser, no existe nada más alejado de la realidad que esa caracterización simplista y, en muchos aspectos, bastante ridícula sobre ellos hecha.

Se deja abierto para el debate, pero las tres estrellas masculinas más grandes del cine en los años noventa fueron Tom Cruise, Tom Hanks y Jim Carrey. En el último caso, fueron sus muecas, su histrionismo, su salvaje expresión corporal, los rasgos de su actuación, de su arte, los que le dieron la adoración mundial. Todos estos elementos se consideran fallidos y equivocados dentro de los cánones que se conocen como un performance clásico, en sentido estricto son elementos de una sobreactuación que destruyen lo que debe ser un «actor de personajes», de «carácter», como se ha traducido en forma errónea en español la expresión «character actor«.

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El «Trailer» De Cine, Una Historia Por Contar.

Algunas veces son una pequeña obra de arte hechas para vender una gran producción. Otras, un completo enemigo del aficionado al arruinarle las sorpresas y la totalidad de los giros en la historia a ser presentados por la película. La mayoría de las veces, nada distinto a una pieza comercial . Lo que sí son, lo que sí se han ganado es su espacio como un elemento esencial del arte tan amado.

No hay, ni ha habido, herramienta más importante para un productor que el conjunto de imágenes organizadas para presentar un futuro filme a estrenarse, como medio de promoción, al que erradamente se ha llamado trailer (Hollywod es especialista en poner nombres equivocados a sus cosas). Es comprobado, una y otra vez, que las taquillas de cine revientan al protagonista fallecer antes del estreno (Heath Ledger, Paul Walker, Michael Jackson), pero Hollywood aún no ha llegado a tanto y, por eso, los cortos (como muchos de los hispanos le decímos) sigue siendo la estrategia rey.

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«Collateral», de Michael Mann, Una Narrativa Extraordinaria.

Es una apabullante realidad la dependencia habida por parte del cine, que es un arte, de la existencia de una industria para subsistir y evolucionar, bien sea visto desde la perspectiva financiera o de los avances tecnológicos. Notando los inmensos adelantos presentados día a día en ambos campos, es de esperarse una afectación en el modo de producción de las películas, consecuencia de la aplicación de más y mejores herramientas para su producción, contrayendo su aplicación consecuencias artísticas en la obra final.

En la escuela de cine de diez minutos de Robert Rodriguez, el director hace soñar a todos los amantes del séptimo arte al definirlos como directores, confirmando que la falta de su parte es de conocimiento técnico, el que una vez sea adquirido podrán fácilmente usarlo para hacer realidad sus sueños en la pantalla grande. En muchas películas de hoy en día, pareciera haber muchas personas con avanzados conocimientos técnicos, pero muy pocos cinematográficos. Sin embargo, cuando nos encontramos con un artista que al mismo tiempo tiene la capacidad de usar las herramientas técnologicas para contar mejor su historia, generalmente resulta un film profundamente transgresor, como es la “Sin City” de Rodriguez y la «Collateral» de Michael Mann.

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GOW, por George Orson Welles (Primera Entrega).

George Orson Welles.

Fue el más grande; pero su tragedia fue nunca llegar a ser realmente el más poderoso. Su lugar predilecto era en los extremos, al que llegaba porque le sobraba de todo: talento, cultura, genio. Pero, como es natural, al ubicarse en un lado de la balanza de la vida, lo encontrado a la otra orilla era también una realidad apabullante por su escasez: dinero, oportunidades, amigos. George Orson Welles, su vida, es la película más grandiosa jamás hecha en Hollywood. Un amor fou entre un artista y los diferentes medios que usó para expresarse, a los que transformó a su paso por ellos. Su nombre impactó en el teatro, la radio y el cine, para siempre; pero fue en este último, la última de sus amantes, donde habría de encontrar su eterna femme fatale, una que, como dicta en esencia el personaje, habría de destruirlo hasta extinguirlo en la más triste de las situaciones.

David Thomson, en su fascinante pieza para The Guardian titulada con elegante obviedad como «Orson Welles: El más glorioso fracaso cinematográfico de todos«, se atrevía, en gran parte impulsado por poseer la razón, a disminuir figuras tan míticas del séptimo arte como Martin Scorsese y Alfred Hitchcock, cuya comparación tan sólo hacía engrandecer el nombre de Welles. Ambos directores, indispensables figuras en su industria, palidecen como meros hombres de cine al ser confrontado su legado con la vida del autor de «Citizen Kane«, quien deslumbró como artista (actor, director, escritor, productor), político (por poco fue Secretario General de la ONU, hizo conferencias contra el fascismo, reemplazó a FDR en uno de sus debates mientras le hacía campaña), columnista (The Washington Post), mago (en televisión y Las Vegas) y tertuliano (fue host en su propio programa de televisión).

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«Minority Report», Un Spielberg y Cruise Post Kubrick.

Sobresale una bizarra caracteristica en la persona de Philip K. Dick. Una figura literaria conocida por una enorme cantidad de cinéfilos; el que la gran mayoría de ellos ignora por completo sus escritos. El autor de estas lineas sufre por ser parte de ese grupo. Pero a pesar de no haber repasado sus textos, ha creado él una portentosa admiración por los debates intelectuales producidos por su obra, una vez se ha traslapado ella al séptimo arte. En 2002, al Steven Spielberg estrenar “Minority Report“, la situación llegó a un nivel estratósferico al insertarse en un debate internacional de la más alta política: la invasión a Irak por parte del gobierno de George W. Bush.

Los hechos de la obra se ubican en la ciudad de Washington en el futuro, en el 2054, año en que el departamento de policía de la ciudad captura a los criminales antes de que cometan algún delito. Tal hazaña es lograda gracias a la existencia de un departamento especial llamado “Precrime”, cuyo equipo principal: un trío de clarividentes denominados “Precogs”, tiene la capacidad de informar de manera precisa e inequívoca sobre un asesinato a ser cometido. El jefe de ese departamento es John Anderton, interpretado por el actualmente medio loco, pero figura máxima del cine y la mayor estrella de Hollywood, el señor Tom Cruise. Es él, así mismo, el principal responsable y apologeta de la controversial división de policía.

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Jair Bolsonaro, Una Respuesta Tipo Hollywood A Una Crisis.

Para cualquier ciudadano ajeno a la realidad de Brasil, es por poco imposible comprender por qué ganó Jair Bolsonaro la presidencia de ese país, un extremista de derecha favorable a la instalación de una dictadura. Pero hubiera sido relativamente fácil, para cualquiera que haya visitado o habitado las tierras del pentacampeón del fútbol mundial días antes de las elecciones, prever el triunfo del fascista hoy a cargo de la sexta economía del planeta. Exacto mismo razonamiento podría haberse aplicado al triunfo de Hitler en Alemania, de Trump en Estados Unidos, de Uribe en Colombia, de Salvini en Italia…

En «Der Welle«, la obra de cine alemán dirigida por Dennis Gansel que impactó al mundo en 2008, se recrea el ejercicio llevado a cabo por el profesor Ron Jones en 1967 en la escuela Cubberley High School in Palo Alto, California, con el que demostró que una dictadura al estilo Nazi podría volver a implantarse sin mucho problema en países avanzados. El hecho de que hoy se vea el resurgimiento de este tipo de líderes a nivel global no es más que una muestra más, la enésima, de la capacidad que tiene el arte de prever los hechos del mundo.

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«Apocalypto», ¿Podremos Escapar A Nuestro Destino?

La cultura Maya ha sido una de las civilizaciones más fascinantes e intrigantes creadas por el hombre en su reinado en la tierra. Su ascenso, decadencia y extinción es uno de los hechos históricos más enigmáticos, así como uno con lecciones inmensas para la era actual, por su relevancia en nuestra coyuntura, definida ella por tratar de superar el desafío más grandes acongojando la vida en la tierra y tal vez el más peligroso jamás enfrentado: el cambio climático. En ese contexto es que se proyecta en este espacio el filme que Mel Gibson escribió, produjo y dirigió en 2006, siendo de lejos, su mejor obra hasta ahora, esa maravilla del audiovisual llamada «Apocalypto».

El cineasta tras bambalinas en esta producción mencionó, en alguna entrevista y de forma aleccionadora, como era algo sorprendente para él notar a los seres humanos modernos como unos con un sentimiento de superioridad frente sus antepasados, gentes que creen haber alcanzado grados de organización más civilizadas, una especie evolucionada; pero a la vez, una que sigue cometiendo los mismos errores de su ascendencia. «Apocalypto» parece ser no otra cosa que una metáfora audiovisual de esa descripción, presentando una muestra de lo que pudo haber sido el comportamiento de la civilización Maya, una de las más portentosas y ricas, momentos justos antes de desaparecer; reflejando el estilo de vida de hoy en ellos y advirtiendo de la posibilidad de tener un futuro compartido ambas organizaciones humanas.

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«Unbreakable», «Split», «Glass»: Shyamalan En El Olimpo De Los Grandes.

Para M. Night Shyamalan “The Sixth Sense” se transformó de una excelente experiencia a un karma en un santiamén. Producto del inmenso éxito que fue la cinta, es evidente la lógica detrás del hecho de que cada una de las siguientes producciones del artista fueran vendidas y esperadas como un nuevo thriller de suspenso y misterio, ejercicio que concluyó con un rotundo desastre de crítica y taquilla una vez vistas, con lo que la falsa expectativa destruyó, comercialmente, la incursión del cineasta en otros géneros cinematográficos.

Fue el caso de “Unbreakable“, filme protagonizado por Bruce Willis, Samuel E. Jackson y Robin Wright Penn, que va de un aficionado a los comics llamado Elijah Price (Jackson) quien desde pequeño sufre de una enfermedad, osteogénesis imperfecta, culpable de causarle fractura constante en sus huesos por falta de colágeno en su estructura. Resultado de la inmensa afición que Elijah tiene por las ficciones de super héroes, y la investigación profunda nacida consecuencia de esa pasión, la idea que ha concebido en su interior, casi un mecanismo de supervivencia, es que debe existir alguien que sea todo lo contrario a él: un ser fuerte, poderoso, imposibilitado a enfermarse y con una vitalidad sin paralelo.

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«Hjertestart» Y La Necesidad De Otro Cine.

El líder político Pablo Iglesias y el escritor conservador Juan Manuel de Prada, debatiendo sobre la divino y terrenal en el programa televisivo «Otra vuelta de tuerka», encontraron un espacio para explorar el cine español de los últimos años. La crítica, compartida por ambos, era que en este nuevo momento todo lo producido para la gran pantalla en el mundo ibérico era demasiado hollywoodense.  La crítica, certera como dura es una roca, obvia la triste realidad de que ningún canal, productor, inversionista…, va a financiar un filme a menos que este tenga una fuerte semejanza a los realizados en la Meca del Cine. Es la ley en la industria hoy.

Y la posición es sostenida por los hechos. Hay otro cine ahí afuera, uno que emerge resultado de un esfuerzo monumental al escribir, producir y distribuir en festivales películas con grandes historias íntimas como fuerza propulsora que incita a crear, y cuyo deseo es conectar con la audiencia a un nivel personal. Tristemente, es ignorado este por el público. «Hjertestart«, el filme de Arild Andresen, escrito por él mismo en compañía de Hilde Susan Jaegtnes, protagonizado por Kristoffer Joner y Marlon Moreno Solarte, es claramente un ejemplo de ello.

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«Wall E», Animando Las Emociones Humanas.

«Y todo lo que he aprendido en mi vida sobre narrativa cinematográfica, logre juntarlo aquí». Esta frase, traída a este texto desde la memoria (por lo que seguramente no es totalmente exacta), fue pronunciada en medio de la charla dada por Andrew Stanton en TED, siendo ella la antesala a un apagón general del recinto, realizado éste para crear el escenario ideal para la proyección de un vídeo con una escena de «WALL E«. Y es fácil dar como válido lo postulado por el cineasta: la obra del estudio de la lamparilla es una historia perfecta.

Tal vez, si la producción del robot inspirado en Charles Chaplin y Buster Keaton no se hubiera estrenado en paralelo a ese fenómeno inmenso que fue «The Dark Knight«, «Wall E» podría haber sido la película más importante de ese año. Ciertamente, no se menciona esto por las animaciones logradas, unas de un nivel verdaderamente espectacular; sino porque es una de esas piezas audiovisuales que salen muy de vez en cuando, capaz de cautivar a cualquiera que tenga la oportunidad de disfrutarla, así como haciendo su importante aporte a la industria del cine y, esto resalta, a la humanidad misma. Una trifecta perfecta.

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«Die Hard» y «Die Hard With A Vengeance»: Obra Cumbre Del Cine De Acción A Dos Actos.

Die Hard” es un clásico. Posiblemente el clásico de acción más importante de todos los tiempos, el más emblemático y aquel capaz de erigirse como el mejor exponente de una época de oro para el cine de acción de Hollywood, como lo fue la década de los años ochenta. Alcanzó, la obra, un éxito de taquilla y de crítica muy distante al recibido en general por las películas que hacen parte de este maltratado género, en gran parte producto de la magistral dirección de John McTiernan, un estelar de Bruce Willis absolutamente encantador y un Alan Rickman exquisito. Con  cuatro nominaciones bien merecidas a los premios de la Academia, y recaudando más de 140 millones de dólares a nivel mundial, sobre un costo de 28, «Die Hard» se convirtió por derecho propio en un imperdible del cine.

Producto de tan enorme suceso, Hollywood, de manera muy poco sorpresiva, habría de exprimir el éxito de manera comercial hasta el agotamiento máximo, dando como resultado una franquicia patética y ridícula, con unas últimas entregas desconectadas en su totalidad de la génesis del filme. No obstante, porque todo hay que decirlo, en ese trabajo de saquear esta saga y el personaje, hubo un momento  brillante, de inspiración máxima, de glamour fílmico, como lo es esa joya titulada «Die Hard with a Vengeance«.

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«Lethal Weapon», Un Dramatizado De Acción

Martin Riggs bebe, sin ningún tipo de compañía, un trago de licor en un solitario y viejo bar. Un grupo de ladrones se acercan a exigirle la entrega de su dinero. El policía, sin siquiera mirarlos, les pide que se pierdan y que lo dejen en paz. Ellos, indignados por la reacción, lo atacan con violencia, para verse sometidos por la destreza que posee el funcionario público en defensa personal. Riggs toma la botella de la que le estaban sirviendo, para seguir su faena. El barman del lugar, visiblemente frustrado, le pide que se la lleve, regalada, pero que no vuelva a su sitio. El hombre encargado de hacer cumplir la ley abandona el lugar con el envase de la bebida alcohólica en la mano.

Ese comienzo, tan lleno de clichés y momentos ridículos, era la manera como «Lethal Weapon» arrancaba. Incluso, la escena se filmó y está disponible en una de las versiones de DVD que la Warner lanzó. Pero Richard Donner, que venía de hacer «The Omen» y «Superman«, no trataría a su obra como una más del montón, como una producción de fábrica que se contenta con poner en ella los elementos tradicionales que conforman una buena obra de esta temática. No, Donner quería una gran película de acción y lo que terminaría creando, producto de una entrega total, sería el inicio de una franquicia exitosa y del establecimiento definitivo de un subgénero (buddy movies) dentro de un género (acción).

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«Born In China», Muchísimo Más Que Un Documental.

En un bello meme de Internet que Disney debió haber usado como estrategia de campaña para su último documental, se leía la siguiente e hipotética conversación:

  • ¿Por qué debes ver «Born In China«?
  • Porque hay bebés pandas, A VER…

Y sí, obvio, tiene razón quien sea que haya escrito eso. Porque es claro que el animal favorito del planeta tiene una presencia hipnótica y capaz de crear las más sinceras expresiones de ternura en todo aquel que vea la última producción de la casa del ratón Mickey, siendo este pedacito del filme suficiente para justificar la tormentosa experiencia que se ha convertido el visitar una sala de cine.

Pero «Born In China» es mucho más que la presentación de bellos animales en un paradisiaco paisaje: es un documental con una capacidad narrativa inmensa, producto de un nivel de producción cinematográfica increíble, a la vez que un producto político de una potencia en claro ascenso hacía la punta de la pirámide en las relaciones internacionales.

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«The Happening», ¿Predijo M. Night Shyamalan La Extinción Humana?

Es fascinante la situación de M. Night Shyamalan como realizador. Varias de sus obras, excelentes, han terminado en rotundos fracasos por sus distribuidoras querer venderlas como si de una continuación «The Sixth Sense«, su gran éxito en taquilla, se tratara. «The Happening» no es una de ellas. Es, realmente, una película mediocre dentro de la filmografía de un hombre al que sin lugar a equívocos podemos definir como un cineasta.

En casi todas las obras del autor oriundo de la India, la complejidad de sus tramas sobresalen por su construcción minuciosa de secuencias perfectamente conectadas, que buscan ocultar una verdad poderosa, la que a pesar de estar frente al espectador, es invisible para él. En su primera producción en los Estados Unidos, fue increíble ocultar la verdadera condición del personaje de Bruce Willis durante toda la trama; y en «Signs» lo era el hecho de que las señales no hacían referencia a las estructuras creadas en los campos que servían como indicaciones para el aterrizaje de naves extraterrestres, sino a las señales que la familia había recibido durante toda su vida para sobrevivir a ese evento. En «The Visit» falló rotundamente en ese sentido, puesto que era imposible, es decir no evidente, saber la verdadera situación en la que estaban involucrados los pequeños en su visita a sus abuelos.

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«Hard Target», de John Woo, Cuando Un Artista Hace Cine De Acción.

A principio de la década de los años noventa, Jean Claude Van Damme era JEAN CLAUDE VAN DAMME, uno de los héroes del cine de acción más importantes en todo el mundo. Relativamente hablando, su nombre y prestigio no estaba a la altura de los más importantes hombres rudos de Hollywood de esa época, Stallone, Willis o Schwarzenegger; pero sí era alguien que se estaba ganando su espacio en el mundo del celuloide rápidamente, y un artista de culto para muchos.

Al mismo tiempo que el “actor” belga iba ganando fama y espacio en el mundo de Los Ángeles, al otro lado del planeta, en Hong Kong específicamente, un director mostraba una inmensa capacidad artística para filmar películas y secuencias en ese mismo género. Después de impactar con “The Killer”, «Hard Boiled» y «A Better Tomorrow«, sólo era cuestión de tiempo para que John Woo pisara tierras americanas. Pocas frases, como la dicha por el afamado crítico de cine, Laurent Tirard, logran condensar el gran impacto del cine del asiático: «Woo elevó el cine de acción a un nivel operístico». Por esas cosas del destino, los planetas y las estrellas se alinearon para juntar a éstas dos personalidades del cine, en lo que terminó siendo una inmensa película de acción: «Hard Target».

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«Nocturnal Animals», La Magia De Un Arte Que Cobra Vida.

En el Festival de Cine de Cannes de 2015, una disputa impredecible se dio por la adquisición de los derechos de distribución del segundo filme de un afamado diseñador, concluyendo el conflicto en un espectacular final: un pago de 20 millones de USD por parte de Focus Features por los derechos de distribución de una película llamada «Nocturnal Animals«, dirigida y escrita por Tom Ford.

La cifra, inaudita en el festival de cine más importante del mundo, hacia prever el estar, las audiencias, frente a una producción de cine imperdible. La cantidad de dinero invertida, la antesala causada, los pretendientes del proyecto, todo pronosticaba una obra de arte cinematográfica insuperable, transgresora y única, la que una vez vista genera más dudas que certezas sobre la calificación a otorgársele.

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De Cómo Hollywood Mató Un Arte Y Creó Un Gran Negocio.

En “Hairspray”, la insuperable adaptación para cine hecha por Adam Shankman de la obra de Broadway que arrasó en los premios Tony de 2003, la que su vez está basada en la intranquilizadora película de los años ochenta dirigida por John Waters, un momento mínimo dentro del filme, pero capital para la historia del cine por contar acá, se presenta. Mientras Penny Pingleton (Amanda Byrnes) fuerza a mirar la pantalla de televisión a Edna Turnblad (John Travolta) para que vea a su hija brillar, la confundida madre le dice a la amiga de su hija que ya ella “sabe la verdad, que todo fue filmado en un gran set de Hollywood”.

El hecho de que los sucesos del filme se ubiquen en los años sesenta es el contexto necesario para entender la frase del personaje. Y es que hasta hace muy poco, la ignorancia del espectador frente al proceso de filmación era absoluta, haciendo del visionado de cualquier película una experiencia mágica y abrumadora, con un gran impacto sobre cualquiera que tuviera oportunidad de disfrutar con las imágenes proyectadas en la gran pantalla. En esa época, era una chiva noticiosa de la mayor importancia descubrir que cuando en una película se veía un hombre colgado de un reloj en un rascacielos, no se filmaba a la persona desde lo alto de un edificio; sino en la seguridad de un set, falseando todo el mundo alrededor suyo.

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Harold Lloyd en «Safety Last»

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De Escenas Malditas, Las Que Acabarón Con Stanley Kubrick y Kevin Spacey.

Las pruebas son bastante superficiales; pero las coincidencias harto espectaculares. Y es que es posible, hay muchos hechos que así lo permitirían creer, que el fin de la vida del director Stanley Kubrick y de la carrera de Kevin Spacey son hechos que están mucho más conectados de lo que a primera vista pareciera.

Es por todos conocidos que la muerte del afamado cineasta se presentó en 1999, en pleno proceso de filmación de «Eyes Wide Shut«, una película protagonizada por Tom Cruise y Nicole Kidman. Se ha dictaminado un paro al corazón mientras dormía como el causante de su fallecimiento, clasificando el final de su vida como uno acontecido por un hecho natural. Hay teorías de la conspiración, bastante provocadoras, indicando que esto último pudo haber tenido diferente análisis, postulando una realidad paralela en la que el artista audiovisual fue asesinado.

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«Thor: Ragnarok» y «Justice League», Marvel Ha Ganado La Batalla; DC Podría Ganar La Guerra

Hace tiempo, en este mismo espacio, se hacía eco del inicio de la batalla que entre HBO y Netflix había iniciado, producto del exitoso estreno de «House of Cards» por parte de la compañia de retransmisión. Ted Sarandos, el director de programación de la compañía de Internet, dijo a la revista GQ en esos días de verborreo ácido entre las dos empresas  que la meta de Netflix era convertirse en HBO antes que HBO pudiera convertirse en Netflix.

Marvel y DC Comics, en asocio con sus distribuidores Disney y Warner, tienen actualmente en la pantalla grande una disputa a muerte por la taquilla a nivel global, en muchos aspectos muy similar a la desatada entre las empresas televisivas. Con el estreno de sus últimas dos producciones, «Thor: Ragnarok» y «Justice League«, se ha llegado a un punto álgido entre en este enfrentamiento, pudiendo consagrar a la casa del ratón Mickey y su socia como la absoluta triunfadora en este round; pero con la duda de si podrá mantener su estatus en el futuro.

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Del Cine Como El Quinto Poder.

Todo poder público al interior de cualquier sociedad democrática debe tener un contra-poder que regule su funcionamiento y limite sus alcances, siendo esto uno de los principios base de la teoría política clásica. Primitivamente, las sociedades crearon una función legislativa, otra ejecutiva y una última judicial, como tres ramas organizativas del poder público. No obstante, este sistema de pesos y contra pesos funcionaba a nivel de gobierno, parlamentos y cortes, sin dejarle a la ciudadanía un ente desde el cual ella pudiera ejercer presión de manera cotidiana. Los medios de información llenaron ese espacio por un momento, teniendo en la denuncia hacia los funcionarios públicos el arma más poderosa para delimitar sus acciones y enfocarlo hacia el bien público.

Producto de los cambios producidos por la globalización en su fase de pax americana y neoliberal, la sociedad de hoy se enfrenta a un nuevo problema. No se previó, por parte de nuestros padres fundadores, la capacidad de que alguna institución, algún ente o una organización, pudiera captar las tres ramas del poder público y la del ciudadano, disponiendo de todas ellas a su antojo y para satisfacer sus necesidades. Es indudable que hoy, el poder económico, centralizado éste en las grandes corporaciones con alcance global, tiene a su merced Estados enteros, dejando de nuevo a los pueblos indefensos frente a su accionar. Como era de esperarse, esta capacidad de maniobra va muchas veces en beneficio de todos; pero es también usada de manera inescrupulosa cuando los intereses comerciales se ven amenazados. Es por esto que se debe celebrar cuando desde el arte, sin importar su forma de expresión, se alza una voz de denuncia que acusa, con la sutileza producto de su misma esencia, alguna faceta diciente de ese mundo totalitario que hoy se ha erigido frente a nosotros.

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Guns N’ Roses, Una Banda De Rock Y Cine.

Lo de Guns N’ Roses en esta segunda década del milenio es algo alucinante. Después de una separación abrupta de una alineación original ya diezmada a mediados de los años noventa, la banda se reúne en el 2016 para arrancar una gira mundial de conciertos, un suceso con hartas posibilidades de culminar en fracaso, puesto que el grupo no lanzaba un disco desde el milenio anterior. Pero, aún así, organizan una exitosa y numerosa cantidad de presentaciones por varios países, dándose el lujo además de romper un par de récords en su visita a los principales estadios.

El actual resurgir de los músicos ha creado una marcada nostalgia por esos siete años dorados en los que estos cinco desadaptados, forjados como grupo de rock en la ciudad de Los Ángeles, simple y llanamente pusieron el mundo de la música de cabeza. Siendo, indudablemente, una de las marcas más rentables en la industria, su cercanía con Hollywood era algo de esperarse, puesto que además de inmensa fama, su conexión con el cine es algo especial y manifiesta. Y no nos referimos con esto a las docenas de producciones que han licenciado sus canciones para que acompañen a las imágenes en movimiento, sino que hay momentos en los que la banda hizo tributo con su arte a algunas películas, a la existencia de sutiles conexiones con el séptimo arte y, por supuesto, al haber participado directamente en grandes producciones.

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«Heat», De Michael Mann, Obra Maestra Del Cine.

Taschen, la famosa editorial alemana, en el libro que le dedicó a Michael Mann definió a éste como un «paisajista de los espacios urbanos industriales». Tom Cruise, por su parte, en los días de promoción de «Collateral» se referió a su director como alguien con un «increíble ojo». Y un bloguero español, del que se lamenta no recordar su nombre, usó la frase «un puto genio con la cámara» como la mejor manera para describir al artista.

Y es que visualmente pocos autores tienen una firma tan definida y definitoria como la de este cineasta oriundo de Chicago, quien tuvo entre mediados de la década de los años noventa y principios del milenio una época de inspiración pura, de la que se nos legó cuatro obras sublimes; siendo la primera de ellas, «Heat«, su trabajo más logrado y uno que coquetea con la perfección artística de manera descarada.

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«Inception», De Christopher Nolan, Máxima Cinematográfica.

Al juntar las iniciales de los nombres de los principales personajes de la película: Dom, Robert, Eames, Arthur, Mal, Saito, se crea la palabra «Dreams», la que traducida a nuestro idioma significa «Sueño». Si agregamos al ejercicio los nombres de otros tres: Peter, Ariadne y Yusuf, formamos con todo el conjunto la expresión inglesa «Dreams Pay», la que podría entenderse por los hispanos como «Los Sueños Pagan». Básicamente, esto último es el quehacer del grupo dirigido por Dom Cobb en «Inception«, la obra maestra de Christopher Nolan.

Continuar por esta linea no es un ejercicio fútil; es más bien uno capaz de incrementar el aprecio por la película. «Yusuf», el nombre del personaje interpretado por Dileep Rao, es la palabra árabe para «José», figura religiosa (bíblica y del Corán) quien en el libro del Génesis tuvo el don de interpretar los sueños, pudiendo con su visión preparar al faraón para el desastre de los «siete años de escasez». Ariadne (Ellen Page), en la mitología griega era el nombre que tenía la hija del rey Minos de Creta y es recordada por la historia porque según su leyenda, ayudó ella a Teseo a vencer al Minotauro al entregarle una bola de hilo rojo de lana con la que pudo encontrar el camino fuera del laberinto. Cuando Cobb le pide a Ariadne que realice, precisamente un laberinto que él no pueda resolver rápidamente, la solución encontrada por la arquitecta es un diagrama idéntico al del Rey Minos.

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Amando A Weinstein, Odiando A Harvey, El Fin De Una Era En Hollywood.

Kevin Smith, director de «Clerks» y «Zack and Miri Make a Porno«, entregó a Harvey Weinstein a mediados de la década de los noventa un guion escrito por Matt Damon y Ben Afleck, años más tarde conocido por todo el mundo como la película «Good Will Hunting«. El productor le encantó el texto y organizó un encuentro para discutir con los escritores. El hombre a cargo de Miramax en esa época, le confesó a sus contertulios la fascinación que sentía por el material; pero que se encontraba absolutamente confundido por la escena entre los dos profesores (a ser interpretados por Stellan Skarsgård y Robin Williams) ubicada en la página sesenta, en la que mantenían sexo oral. El grupo de jóvenes realizadores le contestaron al ejecutivo que esa escena no era para filmarla en la película, sino para probar a los jefes de los estudios, buscando comprobar si habían leído ellos o no el texto. Después de haberse visto con todos los grandes: Warner Bros, MGM, FOX, Harvey Weinstein era el único que había hecho algún comentario acerca de esa escena.

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Getty Images

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«Blade Runner 2049», Ahora Los Hombres Somos Los Dioses.

Las secuelas hollywoodenses son, en la inmensa mayoría de los casos, una oportunidad desperdiciada para contar una gran historia. Al volcar su objetivo en convertirlas en poderosas maquinas de hacer dinero, sus realizadores abandonan desde el más temprano proceso creativo toda posibilidad de explotar argumentativa y artísticamente un mundo ya experimentado con satisfacción por un público masivo. No es ese el caso de «Blade Runner 2049«, una secuela hecha 35 años después de su antecesora y centrada en profundizar, expandir y actualizar el universo y los temas que fascinaron con fervor al público de dos generaciones anteriores.

No es baladí compartir el sustantivo usado por el director a la hora de explicar por qué decidió tomar las riendas del proyecto, puesto que parece hallarse en esa palabra la característica que mejor define la última película dirigida por el canadiense Denis Villeneuve: después de revisar el guion escrito por Hampton Fancher, Michael Green y Ridley Scott, el cineasta encontró un material escrito con una calidad poética; que lo impulsó con fervor a convertirlo en imágenes y sonidos. Al parecer, y es algo triste de comprobar cada vez con más fuerza, cómo en estos tiempos la suerte de estos artistas, así sean visuales, es quedar condenados al fracaso comercial puesto que, y es que todo debe decirse, el último trabajo de Villeneuve se ha estrenado con gran fracaso en taquilla alrededor del mundo.

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La Mística Que Rodea A «Blade Runner».

Es común, entre las grandes producciones pertenecientes a lo que en este blog se denomina como el negocio del séptimo arte, encontrar una génesis fascinante para cada una de ellas. Philip K. Dick, por ceñirnos a nuestro tema de referencia, halló la inspiración para su cuento “Do Androids Dream of Electric Sheep?”, eventual base del guion escrito por Hampton Fancher y David Webb Peoples y que a su vez sería transformado en la película “Blade Runner” por el director Ridley Scott, mientras hacía una investigación sobre los nazis alemanes.

El acceso a los archivos de la organización política germana fue una experiencia traumática para el joven autor, quien encontró en esas páginas los detalles de un accionar tan salvaje por parte del grupo político, con una total ausencia de consideración humana, que le imposibilitó considerar a esas personas como sus pares. Eran, desde su perspectiva, una especie de entes diabólicos en cuerpos de seres vivos idénticos a un hombre y una mujer. Una frase encontrada en esos documentos, transcrita de algún agente de la Gestapo estacionado en Polonia, lo llevó a dictaminar tan tajante conclusión: “lo que nos mantenía en la noche despiertos eran los llantos de los niños muertos de hambre”.

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De David Lynch, «Mulholland Drive», Resolviendo El Misterio

David Lynch conquistó y transformó el mundo televisivo al principio de la década de los años noventa con «Twin Peaks«. Queriendo repetir el suceso, para comienzo del nuevo milenio desarrolló el piloto de una serie sobre dos actrices en Los Ángeles luchando por encontrar el éxito en la Meca del cine. El trabajo, que no le gustó a ninguna cadena, parecía condenando al olvido; pero el afamado cineasta, no queriendo abandonar lo realizado, tomó el programa y lo convirtió en una película de terror, cuyo escenario sería la mente de una frustrada actriz.

El filme, que fue mostrado en Cannes para su estreno, enloqueció a medio mundo. Cautivó a unos, indignó a otros; pero realmente a nadie dejó indiferente. Y es que «Mulholland Drive» es una de las experiencias cinematográficas más poderosas y enriquecedoras que cualquier cinéfilo puede llegar a disfrutar. Su excelencia le otorgó ser catalogada como una de las diez mejores producciones de 2001 por la prestigiosa Cahiers du Cinema; lo que irónicamente va de la mano con el hecho de ser una de las realizaciones de cine más incomprendidas jamás llevada a la pantalla grande. La película, protagonizada por Naomi Watts, Laura Elena Harring, Justin Theroux, Melissa George y Ann Miller, es un imperdible del cine.

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Las diez pistas de Mulholland Dr.

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«It», Muerte Al Cine De Suspenso, Larga Vida Al Cine De Sustos.

Una pareja sentada en una mesa de un lindo restaurante celebrando su aniversario. Un hombre misterioso deja un maletín con una bomba debajo de la mesa, sin que ninguno de los dos lo percate. El reloj con la cuenta regresiva comienza a andar y se acerca imparable a la explosión que acabará con sus vidas. Los tórtolos siguen melosos, compartiendo en la más ignorante dicha la inexistencia del artefacto junto a sus pies. Si esto fuera una escena, cada segundo que pasa, cada palabra dicha, carcomen nuestra calma hasta llevarnos al desespero por no saber si la bomba estallará o no. Eso, en cine, es un suspenso agobiante que sentimos como espectadores. La misma pareja hablando, tranquila, en el mismo restaurante, y de repente estalla una bomba de la que nadie sabía su existencia, es un enorme susto.

Más o menos en estas palabras explicaba el brillante Alfred Hitchcock, con gran genialidad y con cierto aire de paternidad, la diferencia estructural entre el susto y el suspenso al crítico de cine, y posterior maestro del séptimo arte Francois Truffaut, en su ya clásico libro y biblia de todo cinéfilo: «El Cine Según Hitchcock«. La diferencia entre el susto y el suspenso, es también la diferencia entre una película palomitera y una obra maestra, prácticamente. «It» de Andrés Muschietti (ahora «Andy») es, al igual que casi todo el cine de horror taquillero actual, una película de sustos, no de suspenso. Pero eso sí, una muy buena película de sustos.

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«Basic Instinct», La Femme Fatale Hecha Una Diosa.

«Basic Instinct» es un título clásico ya de culto. Una producción de 1992 impactante, transgresora y absolutamente arriesgada para su época. Un éxito absoluto de taquilla a nivel mundial, capaz de establecer a Sharon Stone como uno de los símbolos sexuales más poderosos del que haya recuerdo. En alguna entrevista ella contó que una vez, a pocos días del estreno de este filme, se subió a su auto y una muchedumbre enardecida y enloquecida por ella sacudió su medio de transporte con tal fuerza, esperando saliera ella de él, que sólo la fuerza policial pudo controlarla. Sin embargo, un visionado en nuestro tiempo no es un buen ejercicio para los amantes del filme: se revela él, a hoy, como uno incapaz de superar la prueba del tiempo y, por ende, uno condenado al olvido, dejándonos ver lo vacío que en muchos aspectos realmente es.

La historia tiene como eje de la trama el trabajo del detective Nick Curran (Michael Douglas), designado a investigar el asesinato cometido a una importante personalidad musical de su ciudad. La principal sospechosa del crimen es una celebre escritora, Catherine Tramell (Sharon Stone), quien además de mantener una íntima relación con la víctima, escribió un libro con una descripción exacta del homicidio perpetrado. Mientras Curran concentra su tiempo en dar con la pista que condene a Tramell, se ve obligado a seguir su tratamiento médico a cargo de su ex esposa, la doctora Beth Garner (Jeanne Tripplehorn) (aún atraída por él) y al que se ve obligado a asistir por ser el culpable de las muertes causadas a un grupo de civiles estando en su labor bajo los efectos de la cocaína y el alcohol.

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Una diosa: Sharon Stone en «Basic Instinct».

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«My Blueberry Nights», de Wong Kar Wai, Un Lienzo Para Cine.

Wong Kar Wai es un artista del cine. Un creador de potentes y hermosas imágenes. Un pintor que colorea con mucho cuidado y con mucha profundidad cada uno de los planos de sus películas. Un creador de atmosferas adornadas con hermosas y originales piezas musicales. Eso, que es lo que más me gusta de este director asiático, es lo que es en esencia “My Blueberry Nights“, la última película de este peculiar cineasta, y la primera que hace en tierras por fuera de su natal china.

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Neoliberalismo, Oliver Stone y Michael Moore

Michael Douglas, arriba de la tarima del  “Inside The Actor’s Studio» junto a James Lipton, relató una anécdota regular de su vida, jocosa a simple vista; pero que al analizarla desde la ventaja dada por la historia, se revela como una inmensa en su capacidad para interpretar la cruel economía gobernante del mundo actual. El actor, según lo contado entre risas por el mismo Douglas, varios años después del estreno de “Wall Street”, se encontraba con corredores de bolsa totalmente borrachos por las calles de Manhattan, quienes inmediatamente al verlo corrían hacia él y le decían: «Oh, wow, Richard Gekko, mi ídolo, mi héroe, gracias a usted me convertí en corredor de bolsa.» Entre las correspondidas risas del público, el hijo de una leyenda llamada Kirk le respondió a sus escuchas que él a ellos les espetaba: «¿de qué hablan? Yo era el villano de la película».

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El papel del Oscar para Michael Douglas.

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«Dunkirk» Lo Importante De La Historia, El IMAX, y Lo Horrible De La Guerra.

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Poster Oficial

Se dice, debatiéndose entre mito y realidad, el que Stalin, en medio de una reunión con los más altos mandos del politburó y como respuesta a una supuesta frustración, dijo: “denme una industria el diez por ciento de poderosa de lo que es Hollywood y convierto al mundo entero al comunismo”. De haber existido tal sentencia, ésta debió haberse pronunciada en aquellos días en que, como titula el diario.es de España, hubo un “fugaz romance entre Hollywood y la Unión Soviética”.

Reseñando esa misma época, el autor Michael S. Shull, en su libro Hollywood War Films, 1937-1945, hace un minucioso repaso de las producciones hollywoodenses en los días de la confrontación bélica. Entre ellas, cita algunas como «Song of Russia», donde se presenta una clara colaboración entre los norteamericanos y los rusos para combatir el nazismo, en el que incluso nace el amor entre dos ciudadanos de cada país; «The North Star», cuya historia exhibe a las granjas colectivas rusas como un paradisiaco lugar; y, «The Boys From Stalingrad», donde un grupo de niños rusos heroicamente enfrentan al régimen alemán.

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«The Departed», La Cúspide De Scorsese.

Inmediatamente mencionadas las nominaciones al Oscar para el año 2007, un aluvión de escritos pronosticó con tono tajante el premio a Mejor Director para Martin Scorsese, resultado esperado y por poco obligado como resultado de su trabajo como creador del filme “The Departed”. A la mañana siguiente de haber obtenido la dorada estatuilla, como setas que crecen después de la lluvia aparecieron comentarios acusando que el galardón había sido más por su carrera, su pasado, más no por la obra en competición, algo difícil de comprender para esos comentaristas, pues esta no era un trabajo a la altura de sus antiguas entregas. La gente puede llegar a ser quisquillosa.

Pero quisquilloso puede ser cualquiera, por lo que no parece errado declarar, con conocimiento del riesgo que se toma frente a los más conocedores del séptimo arte, el que “The Departed” es la obra maestra de Martin Scorsese. Puede, y es válido el debate abierto con la siguiente sentencia, no ser una obra maestra del cine; pero sí es la de su director. Después de un largo repaso al cuerpo de su trabajo, incluyendo largometrajes, documentales y comerciales, es difícil encontrar un filme tan completo, ambicioso y con una intención tan marcada de subyugar la narración del metraje a su inmenso talento y conocimiento del cine, como lo es esta película. En pocas palabras: “The Departed” es la película más Scorsese de Martin Scorsese.

De Robert Bruno

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«Jason Bourne», Donald Trump Y El Fin De La Democracia.

Sergi Halimi, director de Le Monde Diplomatique, escribía recientemente en el diario que maneja un artículo con una hipótesis muy poderosa titulado «El Estado Profundo». En él, descubría el prestigioso escritor la existencia en el gobierno de los Estados Unidos de un Estado dentro del Estado que funcionaba como un claro poder detrás del trono, capaz de impedir se presentaran cambios en las políticas a implementar por los nuevos gobiernos. En breve: un ente o institución en las sombras tan fuerte que lograba convertir las promesas de los candidatos, incluso de aquellos que honestamente querían cambiar las cosas, en meras palabras desvanecidas en el tiempo.

Tal vez, como en ninguna otra película de Hollywood, ese Estado está fuertemente representando en la última obra de Paul Greengrass, «Jason Bourne«, en la que volvió a trabajar con Matt Damon (el actor había declarado que no volvería a la franquicia si no lo hacia el director), en la saga que los dos hacen para Universal. No es, ni mucho menos, la primera vez que ambos colaboran en un filme para un estudio de Hollywood que contenga él un fuerte contenido político. En ese sentido, «Green Zone«, filme sobre la invasión a Irak por parte del gobierno Bush, es la más valiente realizada por este dúo.

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«Jason Bourne», un antihéroe.

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«Why We Fight», Y El Negocio De La Guerra.

«Why We Fight«, documental dirigido por Eugene Jarecki, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 17 de junio de 2005. La fecha del lanzamiento, tal vez desapercibida para la mayoría, fue escogida por ser ese día el 45 aniversario del famoso discurso de despedida del presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower, en el que advirtió a sus mandantes sobre un naciente problema que engendraba a su interior todos los elementos necesarios para cambiar por completo su sociedad: la co-existencia entre el aparato productivo y el militar en un nuevo sector de la economía denominado el complejo militar-industrial. Para ser muy exactos, la apreciación de Einsenhower fue algo equivocada, puesto que las consecuencias del poderío de este sistema no recayeron sobre los norteamericanos, sino sobre el resto de pueblos del mundo.

La tesis expuesta por el filme tiene su génesis al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos, después de haber creado el ejercito más importante del mundo, se quedaron con un sistema bélico productivo muy eficiente, que daba mucho empleo; pero que no tenía razón para seguir existiendo, puesto que habíamos entrado ya, como especie humana, a una época de paz. Por otro lado, el ejército era tan inmenso, que era imposible encontrarle un enemigo capaz de enfrentarle, por lo que, patéticamente, una completa lista de guerras inventadas y falseadas habrían por venir, como medio de justificación y legitimación de esta industria.

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El Presidente Eisenhower, en el poster de «Why We Fight».

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«The Bleeder», Más Extraño Que La Ficción.

Se ve, en la pantalla de cine, un suceso real transmitido en un televisor: John G. Avildsen está recibiendo el premio Oscar a Mejor Director por su trabajo en «Rocky» y, a continuación, produce sonrojos en el espectador ver a un joven Jack Nicholson anunciando el premio a Mejor Película para el mismo filme. Quien, desde la ficción del largometraje ve las imágenes tomadas de un archivo documental verdadero, es el personaje de Chuck Wepner (interpretado a las mil maravillas por el actor Liev Schreiber), cuya vida y profesión fue, en la década de los años setenta, la principal inspiración de Sylvester Stallone a la hora de escribir el guion que lo llevaría al estrellato máximo, el de «Rocky«.

La anterior situación, bizarra hasta el paroxismo, es la mezcla de realidad y ficción que constantemente coloca ante nosotros «The Bleeder«, o «Chuck» o, por su título en español, «La Leyenda«. Es, todo el metraje, un ejercicio cinematográfico poderoso  y fascinante, al ser nada más que una historia de ficción enfrascada en contar los acontecimientos que inspiraron a una persona de la realidad para crear un icónico personaje del cine.

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La pelea que creó «Rocky». (Foto Cortesía de Cine Colombia)

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Tom Cruise, La Estrella Más Grande De Hollywood.

tom-cruise-with-beardQue Tom Cruise anda como chiflado en estos días no es un secreto para nadie. La cienciología lo deschavetó y la crisis de los cincuenta parece haberle llegado con mucha fuerza. Pero no por eso debe olvidarse que es él, realmente, una de las estrellas más grandes de Hollywood. Alguien con una impresionante capacidad para moverse en una industria tan salvaje como lo es la de la meca del cine, dejando tras de sí un legado lleno de megablockbuster altamente entretenidos, una tanda de muy buenas películas y, como si esto fuera poco, una cuantas obras de arte, es una persona con una carrera digna de analizar. Peter Bogdanovich contaba que George Orson Welles respondía, cada vez que alguien se refería a Marlene Dietrich como la estrella con sólo dos películas buenas, que en esta vida es más que suficiente tener una de ellas. Bajo esa perspectiva, el autor referido en esta reseña se puede catalogar como la estrella más grande del cine de los Estados Unidos.

Se rescata acá, casi que por obligación, la participación de Cruise en la película “Taps” de Harold Becker, por ser esta su primera aparición en la pantalla grande. Pero es claro para cualquiera que el Tom Cruise que todos conocemos comenzó a labrar su gran reconocimiento en una pequeña obra, muy personal e independiente, titulada “The Outsiders“, dirigida por el grandioso Francis Ford Coppola. Ese filme, uno muy particular, es recordado entre el mundo del séptimo arte con mucho cariño porque fue, tal y como sucedió con Cruise, la plataforma necesaria para el despegue de un elenco de jóvenes a punto de convertirse en grandes estrellas: Patrick Swayze, Emilio Estevez, Rob Lowe, Diane Lane

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Detrás De La Máscara Del Batman De Nolan.

Después de haber roto casi todo los éxitos de taquilla existentes hasta ese momento, y al parecer de paso ir creando unos nuevos, «The Dark Knight«, la segunda entrega de Batman, puso en el Olimpo de los dioses del cine al ya mundialmente reconocido Christopher Nolan. Finalizada la proyección de la obra encargada de concluir la trilogía, la regular «The Dark Knight Rises«, el director pudo mantener su estatus; pero dejó en claro su ideología.

Cuando en 2.004 se anunció el relanzamiento de la franquicia del superhéroe enmascarado, para todo el mundo estaba en la memoria la hasta ese momento sagrada adaptación que del personaje de Bob Kane había hecho el genial e inconfundible Tim Burton; pero también el desastre realizado por el variable Joel Schumacher, quien se vio forzado a cometer un un acto absolutamente extraño en Hollywood (pero totalmente revelador), como lo fue el haberse disculpado ante los fanáticos por tándem del superhéroe.  Tanto por lo primero, pero especialmente por lo segundo, no existía razón alguna para hacer otra película, dado que al parecer lo mejor y lo peor de este personaje ya se había llevado a la gran pantalla. Sin embargo, para la Warner Bros. y DC lo que estaba en su memoria no era eso, sino que cada una de las entregas habían dado más de cien millones de dólares, por lo tanto, otra Batman habría de hacerse.

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«Kill Bill», La Obra Y El Debate De Un Autor.

En algún momento Tarantino se refirió a su universo de la siguiente manera: «cuando una persona normal, real, de la calle como tú y yo, va al cine, va a ver películas como “Pulp Fiction” y “Reservoir Dogs”; pero cuando los personajes de esas películas van al cine, van a ver “Kill Bill”». Pocas sentencias pueden describir con tanta precisión el cine de este autor y, basándonos en eso, nos arriesgamos a decir que “Kill Bill” es la película que Quentin Tarantino siempre quiso hacer.

El filme, presentada a un focus group en Austin, Texas, recibió una ovación de pie de más de quince minutos, lo que llevó a Harvey Weinsten a no querer recortar ni un segundo de su producción y enviarla, inmediatamente, a su proceso de distribución. Eso, a pesar de lo arriesgado que la misma pudiera parecer comercialmente, teniendo en cuenta su fuerte contenido de violencia y el haberse enmarcado en géneros pocos comerciales.

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«Alien Covenant», Una Conveniente Secuela.

Era Francis Ford Copolla quien decía que en el cine, como en la vida, la única vía posible de surgir era tomando riesgos, porque si tomabas uno podías ganar o perder; pero si no tomabas, sólo podías terminar perdiendo. Y era Quentin Tarantino quien decía que el cine era un oficio de gente joven, puesto el cansancio de la vejez era incompatible con la demanda requerida de energía para hacer una película. Ambas frases, cuya veracidad es una matizada, describen a la perfección «Alien Covenant«, la última producción dirigida por Ridley Scott, sexta entrega de la franquicia que él dio inicio con la magistral «Alien» de 1979.

Y citamos a los maestros estadounidenses para hablar de la última obra del maestro ingles, porque la última obra del antiguo director de comerciales es una película menor entre las obras de Scott, lo que quiere decir muy superior a la media ofrecida hoy en día. «Alien Covenant» es una mala película comparada con las otras grandes obras de su realizador; pero no con lo que se le ofrece al espectador hoy.

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«En El Espacio Nadie Puede Escucharte Gritar», decía el eslogan de la primera entrega de la saga.

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«The Autopsy Of Jane Doe», Horror Para No Ver Solos, Según Stephen King.

Se ha establecido ya, como una ley no escrita, que el cine de terror es uno de alta rentabilidad, fundamentado en un modelo de negocio idílico: bajos costos, altos ingresos. En algunos casos la apuesta trae sus frutos, en otros no, como en cualquier otro emprendimiento. «The Autopsy Of Jane Doe» (traducida al español como «La Morgue») es el último intento por lograr una taquilla ingente con un presupuesto paupérrimo. Tristemente, la audiencia le ha fallado, hecho incontestable cuando vemos la cifras realizadas a nivel global; y eso a pesar de que la producción cuenta con unas reseñas notorias en su concepto favorable, tanto de público como de crítica.

Por citar una: el gran padre del terror moderno, el mismo Stephen King, ha sido citado comparando el filme como uno a la altura de «Alien» y de lo mejor de David Cronenberg. También, dijo el poderoso escritor que, y no podemos estar más acuerdo, hay que ver la película… «pero no solos».

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«T2: Trainspotting», Una Sobredosis De Puro Cinema.

«Escoge Cine», podríamos decir extasiados después de ver la última producción de Danny Boyle, una secuela de su obra de culto de los años noventa, «Trainspotting«. Basada en la continuación del libro («Porno» de Irvine Welsh) cuya primera parte dio origen a esta franquicia inglesa, «T2 Trainspotting» es puro cinema. Parafraseando a Jack Lemmon, podemos decir que una de las instrucciones más brillantes dadas por director alguno, alguna vez, fue aquella impartida por Billy Wilder en medio de un set, quien al actor le espetó sobre una toma: «está muy bien, pero no tiene nada interesante». David Fincher, otro maestro, explicaba en una entrevista que hay dos posibilidades para posicionar la cámara en un plano: el correcto y el otro. En «T2 Trainspotting» Boyle obedece y fusiona las máximas de los dos célebres directores y crea un viaje audiovisual en donde cada plano no sólo es el correcto, sino además el más impactante.

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«Érase Una Vez En Hollywood» La Revancha De Disney Contra Tarantino.

Es Hollywood un lugar mágico. Aquellos que han visitado la ciudad de Los Ángeles no dejan de sorprenderse por la omnipresencia de la industria del entretenimiento en cada espacio de la urbe. Y como si de una buena película se tratara, la meca del cine es un lugar donde el misterio rodea a aquellos que manejan los hilos de lo que puede ser el más grande imperio americano. Sus relaciones con la mafia, con las más altas esferas políticas y, sobre todo, su capacidad para ocultar los resultados de su negocio son hechos que superan la más increíble ficción.

Sólo en Hollywood un estudio como Paramount puede declarar que una película como «Forrest Gump», con un costo de 55.000.000 de dólares y una taquilla de 677.000.000, no les generó alguna ganancia. Y sólo allí, otro estudio, Warner Bros, puede repetir tal fraude fiscal anunciando varios años después que con “Harry Potter and the Order of the Phoenix” sufrieron pérdidas por 167.000.000 de dólares, a pesar de que la taquilla llegó a los 940.000.000 de dólares y su costo fue de 150.000.000.

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Las Majors De Hollywood

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De Sergio Leone, Un Genio Por Conocer.

El cine es un arte que necesita del cambio para evolucionar, pero que está dominado por una industria temerosa a las nuevas ideas. Esa disyuntiva permite, no obstante, que de vez en cuando salgan piezas audiovisuales capaces de renovar las reglas que definen a un género y que supera las visiones conservadores de los ejecutivos. En esos oasis de libertad artística transgresora y éxito comercial masivo, nacen leyendas que incitan la adoración de sus contemporáneos, la que se va renovando con cada visionado que de sus obras se van dando en cada nueva generación. Alfred Hitchcock, por ejemplo, transformó el género del suspense y, Sergio Leone, con sus seis películas, enterraría sólo para hacer renacer el más americano de éstos, el western.

Y de ese quehacer irreverente sobresale «Once Upon A Time In The West«, el último spaghuetti western dirigido por Leone, considerado en cualquier lista seria de cine como uno de las mejores exponentes del género en toda su historia. Para este blog, la sentencia es tajante: es el mejor jamás creado. Es éste un filme con absolutamente todo para considerarse un clásico de culto, con la capacidad de atraer nuevos adoradores por todos lados a cada momento en que alguien tiene la oportunidad de disfrutarlo.

"Once Upon A Time In The West", de Sergio Leone
Un cuadro clásico al mejor estilo de Sergio Leone.

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«Silence», De Martin Scorsese, La Fe Del Maestro.

En «The Dreamers«, la obra cinematográfica que tiene como autor al gran Bernardo Bertolucci, el personaje de Theo, un joven y apasionado cinéfilo, recuerda a otro de iguales características llamado Matthew aquella famosa sentencia del gran Francois Truffaut que clarifica que «Nicholas Ray es cinema». Hoy, algún famoso crítico de cine que ocupe los espacios en la sociedad desde la que el francés fuertemente influyó, podría decir que «Martin Scorsese es cinema»; pero también, que Scorsese es religión.

Y es que el sustento de la sentencia se haya al leer el fascinante libro «Conversations With Martin Scorsese», una recopilación de varias entrevistas dadas por el cineasta durante su carrera, donde se explaya con mucha naturalidad sobre el arte que tanto domina y que a él obsesiona. En una de ellas, dice él que cada vez que viaja se da cuenta de que realmente no es ateo, porque apenas comienza a despegar el avión su miedo lo obliga a rezar y a pedir a Dios que lo ayude.

Scorsese enfrenta el silencio de Dios frente a los actos de maldad en su última película.

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«Trainspotting», Lo Bueno, Lo Feo y Lo Malo Del Mundo De La Droga.

Después de darse a conocer de manera local como un cineasta interesante en su natal Gran Bretaña, gracias a su opera prima. “Tumba Abierta“, Danny Boyle se transformó en todo un director de culto y en uno de los talentos cinematográficos más importantes de los años noventa, con el estreno de su segunda película: “Trainspotting“. La historia del filme tiene como base la novela de Irvine Walsh, que fue un todo un fenómeno literario en su país de origen, Escocia. En ella, se cuenta la vida cotidiana de unos heroinómanos de Edimburgo, quienes tienen una muy tranquila filosofía y actitud en la vida.

Sin importar el punto de vista desde donde se origine el análisis, “Trainspotting” fue un proyecto que impactó al público y a la crítica global. Su fuerte contenido se convirtió en una inmensa polémica, al desatar la furia del espectro más conservador de la sociedad, quienes vieron en ella una clara apología al uso de las drogas ilícitas. No obstante, lo que esas personas no alcanzaron a ver, algo característico en ese espectro político reconocido por su estrechez en la mente, es que la película de Boyle es un viaje al profundo mundo de la drogadicción, con todas sus consecuencias, pero estoy hay que decirlo, con todas sus ventajas. Nada en este mundo es absolutamente bueno o absolutamente malo, todo depende desde la perspectiva que lo estemos mirando. Y fue eso lo que logró hacer Boyle junto a John Hudge (escritor de la adaptación cinematográfica y quién en la vida real, como doctor, trató a muchos adictos a la heroína) sobre el bajo mundo de la capital escocesa.

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El Voz De Una Generación, Hecha Película

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«Sin City», Cuando La Tecnología Produce Arte.

Algunos dicen que el cine es el séptimo arte no sólo por cuestiones de cronología, sino también porque abarca y adopta en su seno a los otros seis. Bueno, con el comic, como una forma de arte posterior, ha pasado exactamente lo mismo. La cercana relación entre los dos viene desde el nacimiento de cada expresión artística, la que dista tan sólo en un año de diferencia. En la búsqueda constante de historias para ser llevadas a la pantalla grande, el cine se ha servido de varias áreas de nuestra sociedad como fuente de inspiración, no quedando la novela gráfica fuera de esta esfera. Como era de esperarse, la relación que entre ambos se ha consolidado en los últimos años, ha pasado por diferentes épocas y estados.

Desde que Alain Resnais relatara cómo encontró en comics como «Mandrake» y «Dick Tracy» un manantial de ideas para la creación de los personajes y atmósferas de dos de sus películas, y, que además, advirtiera él de la influencia de las historietas en el uso de la profundidad en el fondo de campo en la fotografía de Greg Toland para la influyente «Citizen Kane«, muchas cosas han cambiado hasta nuestros días de Marvel produciendo un filme de cuanto personaje de historieta se le aparezca. Desde aquellos tiempos de Resnais, la constante es que el cine ha encontrado en el comic una rica fuente de ideas, que algunas veces han funcionado y otras han sido desastrosas. Lamentablemente, la mayoría de veces el fin con que han sido usados éstos son simples historias para ser llevadas a la pantalla impulsado por un afán económico y no artístico.

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Ciudad Pecado.

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«Life», Quisiera Ser «Alien».

Por más que quiera separar su película del clásico de ciencia ficción, es palpable que «Life«, la última cinta del sueco nacido en Chile Daniel Espinosa, es un homenaje que coquetea constantemente con el plagio más burdo de «Alien«, la obra que catapultó a la fama a Ridley Scott. No obstante, no se estipula lo anterior como una crítica desdeñosa con afán de destruir el filme; puesto que la última cinta protagonizada por Ryan Reynolds, Jake Gyllenhaall y Rebecca Ferguson, es realmente un trhiller lleno de suspense con altas dosis de adrenalina, altamente excitante, profundamente impactante y con la capacidad de generar pánico en las audiencias.

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«Snowden», La Muerte Del Cine. Segunda Parte.

Cary Fukunaga, quien dirigiera la celebrada primera temporada de «True Detective«, estipuló que la baja calidad del séptimo arte se debe no a una falta de ideas en Hollywood, sino a una falta de buenas audiencias en el mundo. Al ver, con tristeza, los ingresos recibidos por la boletaría vendida en la última película de Oliver Stone, «Snowden«, es imposible no estar de acuerdo con el brillante cineasta.

El filme, protagonizado por Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Timothy Olyphant, Zachary Quinto, Scott Eastwood, Nicolas Cage, Rhys Ifans y Tom Wilkinson, decepcionó en taquilla a nivel planetario (hizo 37 millones de dólares), a pesar de tener críticas decentes en IMDB (7.3) y Cinemascore (A).

La crítica al público está señalada acá por el hecho de que esta producción presenta uno de los temas de mayor importancia en la actualidad, uno de los debates más poderosos a tratar en los próximos años y uno que afecta a cada ciudadano por igual. Lo retratado es el que todo, absolutamente todo lo que hagamos en los medios digitales sea revisado y visto por las agencias de seguridad más importantes del mundo, con lo que estamos hablando, por supuesto, de la absoluta pérdida de la privacidad por parte de los humanos.

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Oliver Stone, El Rebelde De Hollywood.

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«Boss Baby», Una Tierna Propaganda Hollywoodense

Desde principios de las década de los noventa, y con la saga de éxitos de Disney de aquellos años («The Little Mermaid«, «The Beauty And The Beast» y «Aladdin«), la animación encontró en un equilibrio, el de hacer películas para niños que los padres pudieran disfrutar, una máxima que les permitió rentabilizar la tecnología hasta el punto de convertirla hoy en un género por sí mismo.

El último gran ejemplo de esto es «Boss Baby«, la reciente producción de Dreamworks, dirigida por uno de sus tradicionales realizadores, el poco conocido Tom McGrath. La animación trata con mucha inteligencia uno de los temas más comunes en las familias tradicionales: la llegada de un segundo hijo al hogar y el impacto que contrae ésto en el primogénito.

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El Trailer De La Película Lo Estrenaron «El Día Del Jefe» En Los Estados Unidos.

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«Mad Max», La Explosión De Las «Explotation Movies».

Las Explotaition Movies son unas producciones muy baratas, hechas de manera muy ágil y con un muy bajo control de calidad, que han estado presentes en la cinematografía mundial desde los años 30. Este género del séptimo arte se caracteriza por su gratuita y cruda violencia, escenas de sexo injustificadas, un lenguaje vulgar, persecuciones en carros y muchos disparos.

Entre una de las razones más importantes para la existencia de este fenómeno, era que algunas productoras debían realizar estas películas de manera muy rápida, puesto que se centraban en hechos noticiosos que interesaban al público, los que eran explotados por estos pequeños estudios, denominados Powerty Row, de manera vertiginosa, con tal de aprovechar el interés de la gente. También, se hacían películas bajo esta modalidad, puesto que una vez algún estudio se enteraba que uno de sus competidores tenían un producto interesante, corrían a hacerle la competencia.

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Ozploitation Movies

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«Logan», Una Despedida Para Toda Una Generación.

No se ve tan lejano, aquel momento mágico y de puro cine en donde  se descubre, encerrado en una jaula de peleas ilegales, en un bar de mala muerte ubicado al norte de los Estados Unidos, al Wolverine encarnado por un desconocido actor australiano llamado Hugh Jackman. La escena fue diseñada con maestría por Bryan Singer (director que en los noventa nos encandiló con la espectacular «The Usual Suspects«), y, desde ese momento, el rostro del personaje creado por Stan Lee se adaptó a la cara del interprete nacido en la tierra de los canguros.

Con esa película se desencadenarían dos grandes fenómenos: primero, una maduración muy marcada en el género de los superhéroes, la que tan sólo unos años después vendría a ser catapultada por Christopher Nolan con su emblemática trilogía sobre Batman; y, segundo, una irregular franquicia sobre los mutantes llevada con mucho desparpajo por par parte de la FOX, pero en la que siempre tendríamos la muy marcada y potente presencia de Jackman en su inolvidable papel de Wolverine.

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El fin de una era.

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«Kong: Skull Island», Y La Magia De Una Sala De Cine.

En su larga conversación con Lawrence Grobel, editada ella en forma de libro, Al Pacino declaró que «hay películas que son para cine y otras que son para televisión y a cada una se le debería respetar su formato». Bastante visionaria la aserción de uno de nuestros actores favoritos, dado es imposible hoy no darle la razón al hombre nacido en Corleone, que saltó a la fama con la adaptación hecha de un libro para película. Esa famosa producción hace parte de ese pequeño grupo de obras audiovisuales que superan a sus fuentes originales literarias, en el que también podríamos insertar a»Forrest Gump«.

Sí, hay libros que resultan mejor como películas, como alguna vez lo postuló el gran Salman Rushdie. Y las series actuales han demostrado acomodarse mejor a la pantalla chica que al largometraje. Cada historia, entonces podemos concluir, debe encontrar su formato ideal para ser contada. King Kong, por ejemplo, tiene una versión novelada que data de principios de los años treinta pasados; pero, y sin duda alguna, este cuento del simio gigante, hoy puesto en escena para la pantalla grande en»Kong: Skull Island«, es uno para ser contado y disfrutado en una sala de cine. De hecho, en la sala de cine más inmensa posible.

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El Rey «Kong».

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«Reservoir Dogs», La Segunda Gran Opera Prima Del Cine.

En 1992 se estrenó en el Festival de Cine de Sundance una cruda, dura y muy violenta película, la que dejó una fuerte marca en todas las personas que tuvieron la oportunidad de verla. La opera prima de Quentin Tarantino habría de marcar la manera como el cine y la violencia se iban a encontrar en la década posterior a su premiere, la de los años noventa. De hecho, como anécdota ilumindora, se decía que antes de Dogs en las películas de Sundance los personajes de ellas se morían… pero de viejos.

De la misma manera que le sucedió a Sergio Leone, Sam Peckinpah o a Brian de Palma, quienes al plasmar una fuerte violencia en sus películas se ganaron muchos contradictores, pero muchos más seguidores con el tiempo, hasta ir dejando su marca en el cine mundial, con Tarantino y “Reservoir Dogs” lo mismo habría de pasar en el Sundance (las críticas) y lo mismo en la historia (los seguidores).

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La Escena Del Café En «Reservoir Dogs».

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La Muerte Del Cine. Primera Parte.

Durante años, el cine fue el lugar donde sólo los más talentosos llegaban. Escritores, actores y directores se consideraban de mejor categoría si presentaban sus productos en la pantalla grande y, sólo recurrían a la televisión como un medio pasajero o alternativo. Hoy en día la situación ha cambiando de manera radical, al ser la pantalla chica quien está atrayendo de manera más profunda a lo más y mejor del talento estadounidense, dejando a Hollywood con uno de los momentos más críticos de su historia.

Tal y como lo dice James Wolcott de Vanity Fair, “antes mi hora favorita para ir al cine era al final de la tarde. Ahora casi nunca. Por estos días, en la oscuridad del teatro rogamos, no para que la película nunca termine sino para que al fin empiece, para que la historia diga algo, y hora y media después para que por favor se acabe”.

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Cartel de Hollywood

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El Amor En El Cine, La Vida Como Debería Ser.

En algún lado se escribió que el cine no trata sobre lo que el mundo es, sino sobre lo que el mundo debería ser. La afirmación, aunque cierta, parece muy incompleta y errada. Pero con respecto a las películas de amor de la gran pantalla, ésta se aplica completamente. El amor es el sentimiento más poderoso que un ser humano pueda sentir, el que más afecta y el único verdaderamente capaz de transformar a los humanos en unos mejores seres. La falla es que muchas veces en la vida real no tiene toda la belleza necesaria alrededor de él.

No es difícil ser un fanático eterno de las historias de amor en el cine. Desde las tontas películas románticas hasta los más poderosos clásicos del cine mundial, la marca que puede dejar estas historias en una persona son tan profundas e importantes que, sin duda alguna, aquellos reconocidos como amantes y seguidores de este tipo de filmes son seres diferentes de los demás. No mejores o peores, pero sí diferentes.

Image: FILE PHOTO: 70 Years Since The Casablanca World Premiere Casablanca
Siempre Tendremos «Casablanca»

Walter Murch decía que la manera como se corta y edita una película no tiene la más mínima lógica con lo que respecta a lo que día a día se vive. De hecho, dice el maestro, la manera como una película termina editada parece acercarse más a la manera en la que se ven y sienten los sueños cuando se duerme, que a la manera como los hombres y mujeres perciben el mundo cuando están espiertos. Teniendo en cuenta que cuando se siente un verdadero enamoramiento es más el tiempo gastado pensando y soñando, tanto despiertos como dormidos, la relación fantástica entre el amor de los humanos y el que vemos en la pantalla se hace más fascinante.

No obstante, lo que verdaderamente es mágico en las historias de amor en el cine son las actuaciones heróicas de los personajes frente a la mujer amada. No me refiero a un caballero que tenga que derrotar a un ejército para llegar a la torre del castillo y liberar a su princesa, me refiero a los inmensos actos perpetrados para poder conquistar y conservar a la persona que da todas las razones para vivir.

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«Pretty Woman» 50 Sombres De Gere.

En una relación, en cualquier relación de verdadero amor, son los pequeños pero profundos detalles los que siempre sobresalen y quedan en la memoria de la persona que los recibió. Son también ellos, los más difíciles. Ya sea Richard Gere subiendo unas escaleras a las que le tiene pánico para entregarle unas flores a Julia Roberts en “Pretty Woman“, o la eterna despedida entre Humprey Bogart e Ingrid Bergman en “Casablanca”, apartándose él del futuro de ella, el cine ha servido para inspirar y propagar el más hermoso sentimiento que hay sobre la faz de la tierra.

Porque es que hay cosas que como seres sociales, los humanos, se sienten absolutamente incapacitados de hacer, pero que en el cine se les permite y, además, se les hace resaltar con toda la gallardía habida alrededor de ellas, siendo siempre el que algunos personajes sean capaces de superar sus miedos y limitaciones, con tal de acercarse al amor de su vida, las más atractivas. Una de las escenas más hermosas en el cine es el primer beso de Emile Hirsch y Elisha Cuthbert en “The Girl Next Door“. El poder de esa escena radica en que es evidente que el personaje interpretado por Hirsch se siente sumamente atraído por el de Cuthbert, pero se siente tan nervioso de acercarse a ella, que la verdad es que es un hecho totalmente heróico el enfrentarse a su inmenso miedo y acercarse y darle un beso a la mujer que tanto ama.

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«The Girl Next Door» Y El Beso De Un Héroe

El cine puede, y siguiendo la linea argumentativa acá expuesta, debe superar a la vida real. En la cotidianidad juzgamos más los actos según la persona que los hace que por el valor de los mismos. En el séptimo arte la situación no es tan patética, y por lo tanto más romántica y hermosa. La eterna dicotomía entre el frío dinero del rico y los calurosos actos del pobre sólo le da posibilidades de triunfo al segundo en la pantalla grande. Únicamente en ese espacio irreal es posible ver que Shirley Maclaine prefiera los hermosos detalles de Jack Lemmon sobre las inmensas posibilidades financieras que le presta Fred McCmurray, tal y como se ve en el hermoso film de Billy WilderThe Apartment“.

Tal vez es por todo esto que cuando estamos verdaderamente enamorados nos sentimos como en el cine, y que cuando el amor acaba con nosotros quisiéramos estar en él. De la misma manera en la que el amor es el sentimiento más hermoso que podemos tener, el perderlo es de las experiencias más aterradoras que podamos vivir. La soledad, el miedo y las ganas de volver con el ser amado son de las situaciones más dramáticas que un ser humano puede llegar a tener.

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«The Apartment» De Billy Wilder

Tal vez es por esto que los reencuentros o las reconciliaciones son de los elementos vitales para hacer un buen filme de amor. Tal y como dice Bon Jovi, cuando en la vida real nuestra amada pareja nos abandona, lo que esperamos es “que sea como en la T.V., que cuando suene la orquesta ella vuelva”. En el cine las escenas de reconciliación se cuentan por millones, y cada una de ellas tiene una inmensa fuerza interior que logra conmovernos cada vez que la vemos. El momento en que Jimmy Fallon ve correr a Drew Barrymore por todo la cancha de béisbol para acerarse a él y decirle que quiere darle un segundo chance a la relación, es algo con lo que todos los que han tenido una ruptura amorosa sueñan les suceda.

Es evidente que no se espera que algo tan magnífico suceda, ¿pero acaso no pasa qué cuando se extraña a la persona soñada cada timbre en el teléfono se espera sea ella, o que cada vez que alguien llama a la puerta la persona que esté al otro lado no sea otra? Ese mismo sentimiento se transporta al cine, solo que sería muy aburrido hacerlo en circunstancias tan normales como las que en la vida real nos toca vivir. Por todo eso es que se puede suistentar, casi que que sin duda alguna, que en las relaciones amorosas si se respeta la frase que dice que la vida debería ser como en el cine.

Steven Spielberg, Tributo Al Rey Midas Del Gran Cine.

Si se hiciera el ejercicio de ajustar por medio de la indexación de precios la taquilla de las películas más exitosas de todos los tiempos al día de hoy, el ejercicio dejaría como dato impresionante que Steven Spielberg ha logrado dirigir 8 de las 100 con mayor recaudación. Como si eso fuera poco, importantes publicaciones lo han catalogado como el más influyente personaje en la historia de la industria cinematográfica y se calcula que su fortuna, según la Revista Forbes, está en más de 3 billones de dólares.

La única persona en el mundo del celuloide que más dinero tiene que Spielberg es George Lucas, al parecer, siendo esto, su inmenso éxito taquillero, tal vez, la razón principal para que a muchas personas les quede muy fácil el olvidar que el director de «E.T.» es tanto un gran técnico como un verdadero artista, un narrador de historias audiovisual excepcional, con una puesta en escena que, parafraseando a Mathieu Kassovitz, es imposible de superar.

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«Ser un cineasta quiere decir que uno vive muchas vidas».

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«The King Of Comedy», La Mejor Actuación de De Niro Con Scorsese.

Martin Scorsese es amplíamente reconocido por las actuaciones que de sus interpretes logra sacar. Más aún, 18 de los performances llevados a cabo en sus películas han terminado con nominaciones a los premios Oscar, logrando que cinco de sus actores, Ellen Burstyn, Robert De Niro, Paul Newman, Joe PesciCate Blanchett, recibirían la dorada estatuatilla.

Más allá de todo, Scorsese es recordado por sus dos grandes asociaciones con los actores Leonardo Dicaprio y el antes mencionado Robert De Niro. Con este último ha logrado tres de los personajes más icónicos de toda la historia del cine: Travis Beackle, Jake La Motta y Jimmy Conway. Por todo esto, y mucho más, cuando este hombre de baja estatura y prominentes gafas dice que la mejor actuación de su antiguo actor fetiche es el de Rupert Pupkin en «The King Of Comedy«, sencillamente hay que verlo.

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20th Century Fox:  Jerry Lewis y Robert De Niro «The King of Comedy.» 

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Ridley Scott Y La Sobrevaloración De Un Artista

Leo constantemente en varios artículos que se publican en Internet una crítica dirigida al público que le gusta el afamado director británico, el variable Ridley Scott, enfocada ella en que es uno de los artistas más sobrevalorados del cine mundial, algo que me parece sencillamente inconcebible. No me equivocó cuando digo que la crítica de quienes escriben semejante barbaridad vaya dirigida al público y no al director inglés, siendo esa la razón por la que me estremezco cada vez que observo tremendo disparate.

Sir.  Ridley Scott
Sir. Ridley Scott

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La Violencia En El Cine

Uno de los tópicos más maltratados a la hora de analizar películas son las escenas de violencia. Desde los slasher films, pasando por las películas de artes marciales, hasta los duros dramas tratando de representar el mundo moderno, la violencia en el cine ha sido constante blanco de críticas acérrimas en contra de ella. De nuevo, y como casi todo en la vida, el problema en sí no radica en la violencia, sino más bien en quiénes son las personas que la ven y quiénes son las personas que la hacen. Nada más que una cuestión de perspectiva.

Y en ese esquema, hay que saltar en defensa gallarda de los que disfrutan con el cine violento. Porque el gran ataque de quienes osan despotricar de esta forma de entretenimiento, y por qué no decirlo: de arte, es el supuesto traslape a la sociedad de los hechos puestos en pantalla, capaces de influenciar a las audiencias a realizar actos similares a los del filme. Pero la realidad muchas veces golpea con fuerza las creencia. A hoy, es muy difícil encontrar una sociedad más pacífica que la japonesa y, a su vez, una con un cine tan violento como el de ese país. Los mexicanos y colombianos durante décadas se especializaron en novelas de formato largo (culebrones) y hay que ver la manera cómo solucionan sus diferencias. Es válido decir que, en pocas palabras, la violencia en la sociedad no tiene nada que ver con el cine.

Leatherface. "The Texas Chainsaw Massacre".
Leatherface. «The Texas Chainsaw Massacre».

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«The Matrix», Denunciando La Dictadura Perfecta.

“En la orwelliana 1984 esa sociedad era consciente de que estaba siendo dominada; hoy no tenemos ni esa consciencia de dominación”. La frase, rotunda y espeluznante, fue una sentencia promulgada por el filósofo surcoreano Byung-Chul Han, a quien el diario El País de España llama un destacado «diseccionador de la sociedad del hiperconsumismo«. Antes que él, sus postulados habían sido llevados al cine en una película de acción hollywoodense. Y es que en 1999 los hermanos Wachowski dejaron a medio mundo con preguntas metafísicas sobre la sociedad y la realidad vivida, presentando posturas que comparten mucho con lo dicho por el pensador oriental, las que plasmaron a cabalidad en «The Matrix”.

La película, una producción de la Warner Bros protagonizada por Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Hugo Weaning y la despampanante Carrie- Ann Moss, se ubica en un futuro no muy lejano, en donde la inteligencia artificial ha adquirido un nivel inusitado de autonomía, llegando a comportarse de manera absolutamente soberana frente al querer del hombre. En alguna especie inexplorada de sublevación de las maquinas, éstas se apoderaron del mundo, convirtiendo a los seres humanos en meros instrumentos portadores de energía para su supervivencia. En simples baterías, según explicación de uno de los personajes. En ese escenario apocalíptico, las maquinas controlan todo por medio de la Matriz, un sistema de realidad virtual que le permite a los hombres y las mujeres creer que siguen su vida como si nada hubiera cambiado, manteniéndolos en un estado somnoliento y alejándolos de la posibilidad de conocer, gracias a que controlan sus sueños, la verdadera y difícil situación en lo que la civilización se ha convertido.

Los revolucionarios.
Los revolucionarios.

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«Pulp Fiction», La Película Que Marcó Una Década.

“En el verano de 1989, un trabajador de una vídeotienda de 25 años, aficionado al cine, vendió un guión por menos de lo que gana un taxista en promedio al año. El cine moderno nunca volvería a ser el mismo». Pulp Fiction, The Facts.

Hubo algo en el tándem de películas que hizo Quentin Tarantino a principio de la década de los años noventa que habrían de redefinir el cine hasta nuestros días. «Reservoir Dogs«, pero muy especialmente «Pulp Fiction«, lograron paralizar por un momento la industria del cine mundial, mientras todos trataban de entender qué había en estas obras que tenían extasiado a medio planeta. Después de haber conmocionado a propios y extraños con su ópera prima en el Festival de Cine de Sundance, Tarantino y Miramax estrenaron «Pulp Fiction» en el Festival de Cine de Cannes en 1994. Como es de todos conocido, el filme se llevó la Palma de Oro ese año, pero su camino en la historia del cine no había hecho más que comenzar.

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Poster «Raro»

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La Crisis Del Cine No Es El Tamaño De La Pantalla.

El cine se ha convertido en el medio artístico más influyente e importante de todos los tiempos. Habiendo nacido hace solamente cien años, su alcance no tiene parangón con otro. Sin embargo, en estos días que se habla tanto sobre la crisis por la que el cine está pasando, vale la pena hacer un pequeño alto en el camino y analizar un poco más calmados las cosas.

Es conveniente recordar que esta no es la primera crisis por la que pasa el séptimo arte. El primer enemigo que tuvo que enfrentar como el máximo medio de entretenimiento fue la televisión en la década de los 50. La verdad es que con el paso del tiempo ninguno destruyó al otro, sino que por el contrario lograron convivir ambos en la sociedad.

Antigua Sala De Cine
Antigua Sala De Cine

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«Se7en», Una Película Insuperable.

Cuando David Fincher recibió el MTV MOVIE AWARDS de 1996 a la mejor película del año, el joven director le recordó a todo el mundo presente que cuando ésta se estrenó, muchos críticos la tildaron de manera despectiva como «tan sólo una película al estilo MTV». Parado en el estrado de los ganadores con su premio de palomitas, el director afinadamente les respondió:”¿Cuál es el problema con eso?”.

A más de dos décadas de haberse estrenado, la verdad es que la película se ha convertido en una verdadera producción cinematográfica de culto, un inmenso éxito de taquilla, y uno de los mejores filmes de suspenso de todos los tiempos, siendo o no tan sólo una película al estilo MTV.

Fotograma de
Fotograma de «Se7en»

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«Apocalypse Now», Un Mensaje Claro Y Fuerte

Dos hechos definen “Apocalypse Now” de una manera muy certera. El primero sucedió antes de empezar a filmar, cuando Francis Ford Coppola le pidió a su antiguo productor y mentor, Roger Corman, consejos para producir en Filipinas; a lo que muy acuradamente el gurú de las películas serie b le respondió: «No vayas». El otro se vivió en el Festival de Cine de Cannes, cuando Coppola, de manera muy elocuente, les dijo a los periodistas quienes lo entrevistaban: «Mi película no es sobre Vietnam. Mi película es Vietnam. Un grupo de jóvenes, en la selva, con mucho dinero, que gastaron de más y se volvieron locos».

Apocalypse Now (1979)
Apocalypse Now (1979)

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«Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles», Descifrando El Ser Humano.

«Interview with the Vampire» es el primer libro de la serie Crónicas Vampíricas de la autora estadounidense Anne Rice, del que se trató de hacer una adaptación al cine por más de diez años, hasta que, finalmente, el otrora todopoderoso productor David Geffen pudiera concertarla en 1994. La dirección estuvo a cargo del joven pero interesante creador de “The Crying Games“, Neil Jordan, quien basándose en las descripciones del libro y del guión escrito por la misma Rice, organizó un elenco de muy atractivas personalidades para el film: Tom Cruise, Brad Pitt, Antonio Banderas, Christian Slater, Kristen Dunst y, este si era feo aunque brillante actor, Stephen Rea.

La película fue un absoluto éxito de taquilla y de la niñas de la generación MTV, quienes se enloquecieron por la presencia de tantas bellezas masculinas juntos en la pantalla, además que en atuendos y comportamientos bastantes sensuales. Así mismo, la producción tuvo sus reconocimientos en las entregas de premios más importantes, pero ganando muy pocos y siempre en categorías menores. Una de las críticas que más se recuerda de esa época es que se decía que el filme demostraba que no era suficiente tener un buen elenco, un buen guión y un buen director, para hacer una buen obra. Está jodido el cine.

La Entrevista
La Entrevista

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«Rocky Balboa», La Verdadera Secuela de Rocky.

Posterior al anuncio de Stallone sobre el lanzamiento de “Rocky Balboa” como la película final de la saga, la reacción inmediata de, prácticamente todo el mundo, era el advenimiento del mayor fracaso de la historia cinematográfica. Las palabras del presidente de los famosos Razzie Awards, (los anti-oscars), fueron tajantes: lo que se pronosticaba era un récord de nominaciones. Sin embargo, y de forma harto sorpresiva, una vez lanzado el filme, el éxito de taquilla y de crítica fue tan inesperado, que hasta el jefe de los premios a lo peor del cine se vio forzado a calificar sus comentarios como unos “muy equivocados”.

Para las generaciones más jóvenes, sin duda alguna el personaje de Rocky es uno con pocas razones para darles su admiración. En muchos casos, el primer recuerdo existente del semental italiano es su famosa pelea contra Ivan Drago en “Rocky IV“. Y es que es verdad lo poco habido por rescatar en el aspecto artístico de esas entregas del boxeador. Pero, cuando se puede disfrutar de la primera película de la marca, honestamente se logra entender el porqué de la tan inmensa fama de ésta, por qué hace parte de las películas más importantes de los Estados Unidos según la AFI, y por qué le robo el Oscar a la “Mejor Película” a uno de los mayores hitos del cine como lo es “Taxi Driver”.

Poster "Rocky Balboa"
Poster «Rocky Balboa»

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«The Godfather»: Cuando La Mafia Pactó Con Hollywood

A principios de la década de los años setenta, a un joven y desconocido Francis Ford Coppola se le pidió que dirigiera la adaptación para cine de la novela “The Godfather”, del también joven y poco conocido Mario Puzo. Como resultado de esa unión, el cine habría de cambiar para siempre.

Sin embargo, desde muy temprano, los problemas comenzaron a salir a flote. La decisión de la Paramount, con Bob Evans, Charlie Bluhdorn y Peter Bart a la cabeza, era la de hacer una adaptación moderna y de pequeña escala, financiándola con un escaso presupuesto de menos de 2 millones de dólares. La visión que tenía Francis Coppola en la mente era tres veces más costosa. Los ejecutivos querían contratar a un joven, barato y dócil director italiano y Coppola resultó ser la peor decisión en ese sentido.

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¿Es Necesario El Sexo En El Cine?

Michael Douglas, quien ha filmado tres de las películas con fuerte contenido sexual no explícito más taquilleras de todos los tiempos, decía en una entrevista que no había nada más difícil de interpretar que precisamente esas secuencias. La razón no radicaba en el miedo o nervios de los actores por la situación, sino más bien en la presión que generaba frente al público que lo fuera a ver.

Desde siempre se ha sentido como si el 99% de las escenas eróticas en el cine no tuvieran otra justificación más que mostrar la versatilidad de sus directores a la hora de convencer a sus actores de filmarlas y la fuerte capacidad de venta de taquillas que tiene el sexo. Pocos veces el contenido de la historia da el espacio para que sea necesario que el espectador sea un voyerista de los personajes en la pantalla, en tan particulares y deliciosas circunstancias.

Demi Moore, Michael Douglas,
Demi Moore, Michael Douglas, «Disclosure»

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«Mission Impossible», El Legado De Tom Cruise.

Tom Cruise fue, durante veinte años, un dios del cine. Dos década en las que el actor mezcló a la perfección el estreno de los más enormes blockbusters Top Gun«, «Interview With The Vampire», «War Of The Worlds«), con trabajos junto a los más reconocidos y alabados cineastas («Born On The Fourth Of July«, con Oliver Stone; «Eyes Wide Shut«, con Stanley Kubrick; «Collateral«, con Michael Mann). Difícil encontrar con una época dorada como la de este hombre, pudiendo llegar a consagrárlo como la celebridad más grande que haya producido Hollywood jamás.

De aquellos tiempos, es también uno de los momentos más emotivos para el interprete según él mismo: su entrevista con James Lipton en el emblemático «Inside The Actor’s Studio«. En la conversación, la joven estrella reveló que en la primera aproximación que tuvieron con él Don Simpson y Jerry Bruckheimer para que estelarizara «Top Gun», les pidió él que mejoraran el texto. Para el autor de estas palabras, esto es una cosa mayor, puesto demuestra que su éxito no fue producto de la casualidad; sino de un increíble talento personal para escoger y modelar proyectos. Desde allí, el paso a la producción estaba cantado.

«Mission Impossible», La Saga.

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«Terminator», La Saga Y El Retorno De Su Dios Creador.

James Cameron es el director más grande del mundo. Es, realmente, un completo genio. Sus dos filmes más taquilleros, «Avatar» y «Titanic«, son los dos con el mejor récord en teatros, según BoxOfficeMojo.Com. Algo increíble, pero que la verdad no parece extraño cuando se establece que desde la década de los ochenta, este antiguo camionero, cuya opera prima es un bodrio llamado «Piranha Part Two: The Spawning«, no ha conocido el fracaso comercial.

Finalizando la década de los setenta, el cine de terror y, especialmente, los slashers movies, eran las películas que los directores jóvenes e independientes soñaban crear. «Hallowen«, de John Carpenter, ídolo de Cameron, era el referente para todos. Nada raro entonces que el novato cineasta quisiera también su película perteneciente al género. Una noche, mientras estaba en Roma en la premier de sus pirañas, el realizador tuvo una pesadilla sobre una estructura metálica que lo perseguía con un cuchillo. Cuenta la leyenda que Cameron se levantó de la cama, tomó un trozo de papel, un lápiz de la habitación y comenzó a dibujar el esqueleto metálico que más adelante se inmortalizaría en «Terminator«.

Terminator 2: Judgment Day.

Y se arranca este post definiendo quién es el verdadero padre fundador del personaje, porque para aquellos amantes empedernidos de estas películas, la verdad es que Cameron es más importante que el mismo Schwarzenegger. Estando ad portas del retorno del maestro a la última entrega de la franquicia, el hecho de que el brillante cineasta nos hubiera recomendado «Terminator Salvation» como tercera parte de la saga fue, para aquellos quienes lo admiran, casi un mandato del cielo, indicando con sus palabras que esa película era imperdible. Después de haber visto el bodrio que fue «Terminator Genisys» y la mencionada «Salvation», el hecho de que en esta parte Cameron se meta como productor genera una nueva ilusión.

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Hablando De Cine Y Televisión Con Marlon Moreno Solarte.

(Este artículo  se escribió para la edición digital de Forbes México en 2016)

Marlon Moreno Solarte ha arrancado el 2016 bastante ajetreado. Después de filmar en Brasil el largometraje «I Believe In Butterflies» y en Colombia la producción noruega «Handle With Care» –en que comparte pantalla con el actor más importante de noruega, Kristoffer Joner, de aparición en «The Revenant»– se halla ahora en su lugar de residencia actual, Los Ángeles, organizando sus nuevos proyectos.

Por supuesto, Moreno Solarte es conocido en gran parte del continente por su actuación en la serie «El Capo», en que interpretó al recordado personaje de Pedro Pablo León Jaramillo. No obstante, en su natal Colombia resuena más por sus dos décadas de trabajo en la pantalla chica y sus 18 largometrajes, entre éstos uno de los más taquilleros del país, «Soñar No Cuesta Nada«, y otro con el que alcanzó reconocimiento internacional, «Perro Come Perro», cuyo performance fue celebrado con el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Gramado (Brasil), en 2008, y el Premio al Mejor Actor en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México), el mismo año. Posteriormente, en 2013, obtuvo el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva (España) por su papel en la película «Cazando Luciérnagas».

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Cortesía Marlon Moreno

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El Cine, Un Arma De Culturización Masiva

Que el Estado debe intervenir en la economía es ya un hecho inobjetable. Desde la crisis de 2007 en Estados Unidos y los multimillonarios rescates otorgados a las instituciones financieras, el debate sobre si se debe usar o no al ente como participante en la actividad económica de un país llegó definitivamente a su fin.

La discusión real es, entonces, qué sectores deben ser los merecedores del favor público. El cine, desde nuestra perspectiva, debe ser sin duda uno de ellos por diversas razones, las que van desde su rentabilidad como actividad económica, hasta el impacto favorable que la realización de proyectos culturales posee en el desarrollo y avance de las naciones.

Una imagen que lo dice todo.
Una imagen que lo dice todo.

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Una Tragedia Llamada Jean-Claude Van Damme

El cine de acción, en los años ochenta, llegó a su cumbre comercial. Los héroes de la década, Bruce Willis, Silvester Stallone, Mel Gibson y Arnold Schwarzenegger, eran garantía de una película rompedora de taquilla. Sus éxitos más emblemáticos llegaron a ser fenómenos mundiales, en una época donde el vídeo casero estaba a punto de explotar. Pero, de manera silenciosa, un actor belga, cuyo nombre real es Jean-Claude Camille François Van Varenberg, pero que conocemos mundialmente como Jean-Claude Van Damme, estaba labrando su espacio en la meca del cine, a través de su aparición en producciones de «serie b.»

Cuenta la leyenda que Van Damme se fue de Bélgica a Hollywood sin tener ni donde dormir. Un día, cansado de la situación, esperó a un productor afuera de la oficina donde el hombre trabajaba. Cuando por fin salió, el aspirante a actor se acercó al ejecutivo, llamó su atención y cuando éste volteó a mirarlo, el artista marcial le lanzó su famosa patada por encima de la cabeza. El realizador quedó tan impresionado que comenzó a trabajar con él de inmediato.

Split kick de Van Damme
Split kick de Van Damme

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¿Es Batman Un Paramilitar?

La respuesta inmediata sería, no. Por el contrario: es un héroe. Un ciudadano ejemplar. Un modelo a seguir. Pero la realidad, tristemente, nunca es tan sencilla, porque al hacer una mirada más profunda del fenómeno, nos lleva a la conclusión que sí, que el personaje de Warner Bros. es realmente un criminal.

Bruce Wayne vio como un ladrón asesinaba a su padre y a su madre. Desde ese momento, y tal y como lo hizo Carlos Castaño, se enfrascó en una misión llena de venganza para resarcirse y expulsar su dolor. Haciendo unos imaginativos usos de sus herencias, el criminal colombiano fundó las AUC y Bruce Wayne creó a Batman.

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El «Justiciero» Enmascarado

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Diez Grandes Frases De Diez Grandes Cineastas.

Se ha hablado mucho del tema. ¿Qué tanta importancia tiene el director en una película? ¿Es el autor definitivo? Como todo en la vida, la verdad es que es una situación que varía. Para nuestro gusto, en las películas en las que los productores dan las ordenes artísticas y tienen la última palabra, ese tipo de producciones son dirigidas por directores; pero en aquellas en las que son los directores quienes tienen el control y dominio de la obra, son dirigidas por cineastas.

Ellos, los cineastas, logran sobresalir por un punto de vista sobre la vida o el arte que dominan que es generalmente fascinante. Más allá de sus inmensas capacidades técnicas, que muchas veces se les atribuyen injustamente, pues es el equipo alrededor suyo quien debería recibir las alabanzas, lo que es emocionante en sus obras es su visión. Eso hace que muchas veces sea tan deleitoso escuchar sus palabras como observar sus trabajos.

Director Martin Scorsese (Second-Left) holds up his Oscar for Best Director in 'The Departed' with Directors Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, and George Lucas (L-to-R) at the 79th Annual Academy Awards at the Kodak Theatre in Hollywood, California Sunday 25 February 2007. EPA/PAUL BUCK +++(c) dpa - Bildfunk+++
Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, George Lucas

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«Jurassic World»¿Por Qué Un T-Rex No Alcanza A Una Mujer Corriendo En Tacones?

El estreno de «Jurassic World«, la cuarta parte de la saga jurásica, fue un rotundo éxito en taquilla comparable al producido por el Rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg, a principios de los noventa con la obra que dio origen a esta franquicia. Dirigida por el novato estrella Colin Trevorrow, las cifras recogidas en taquilla logró ubicarla como el tercer gran estreno de Universal Pictures durante el 2015, siendo los otros dos «Furious 7» y «50 Shades Of Gray«, con los que rompieron récords en todo el mundo.

Estreno Nacional Hoy En Colombia.
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«Mad Max: Fury Road», Una Furia De Película.

La leyenda es cierta. En una premiere de «Mad Max: Fury Road«, a la que asistió su director, George Miller, al momento del septuagenario realizador subirse al escenario, una leyenda del cine moderno, el gran Robert Rodriguez, tomó el micrófono para preguntarle: «¿cómo demonios filmó usted esta película?». La pregunta es una que nace de forma natural después de ver el filme. Un famoso comentarista de cine escribió, posterior a haberla disfrutado, que se sentía «como si Miller se hubiera robado 150 millones de dólares de Warner Bros. y partido para África con ellos a filmar un persecución», de unos maniáticos.

Wallpaper de Mad Max: Fury Road

Es que la última entrega de esta saga de orígenes australianos es realmente un ejercicio máximo de cinematografía. Críticos de todo el mundo la han llamado una película que «cambia por completo el cine» (Edward Douglas, Cooming Soon Net), «una película que derretirá tu cara» (Jen Nemato, The Daily Beast) y «una película que de plano es increíble» (Todd MaCarthy, Hollywod Reporter). Con una calificación de 8,6 en IMDB y un alucinante 98% en Rotten Tomattoes, ambas después de tres semanas de estrenada, es justo decir que desde «Pulp Fiction» una película no generaba tanta pasión entre los más exigentes amantes del séptimo arte.

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El Mito De La Derecha En Hollywood.

Desde la factoría de los sueños que es Hollywood, se nos ha vendido la idea de que los Estados no deben negociar con los terroristas, puesto que esta acción debilitaría la democracia y les daría poder a sus enemigos. Esa filosofía ha servido como perfecta base para varios guiones de los más recordados blockbusters veraniegos, en los que un imbatible e incorruptible miembro de la fuerza pública, llámese John MaClaine, John Rambo o John Matrix, logra vencer a sus adversarios empleando el poder militar y policial del Estado, al tiempo que ridiculizan a aquellos que les proponen usar medios diplomáticos para vencer a sus opositores.

En la actualidad, varios líderes como el presidente Rajoy de España, el expresidente Uribe de Colombia o el Ministro de Justicia Jiménez del Perú; han demostrado su apego a esta línea de pensamiento, negándose a dialogar con aquellos que amenazan, de alguna forma, la integridad de sus países. Todos ellos, a su vez, tienen como modelo a seguir al Departamento de Estado de los Estados Unidos, quienes siempre han promulgado el aferrarse a esa idea en los momentos de mayor tensión con organizaciones criminales internacionales.

Wallpaper de Rambo
Wallpaper de Rambo

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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¿Ha Muerto El Celuloide?

En un principio, las razones para el uso de la tecnología digital en el cine estaban relacionadas con las facilidades obtenidas (costos principalmente) para aquellos quienes fueran a usarla. Y, en aquel momento, no cabía la menor duda de que la calidad del celuloide superaba con creces a lo traído por las nuevas cámaras. Era una cruda pero cierta realidad.

Pero en los últimos diez años se ha podido disfrutar de la evolución de la tecnología digital y su constante progreso hasta nuestros días, una época, nos atrevemos a decir, en donde se le ha dado el toque final a la antigua forma de capturar imágenes para cine. La manera más sencilla para dar a entender cómo el digital ha llegado a consolidarse como el formato estándar en nuestra industria, es sin duda alguna, haciendo un repaso por los hitos alcanzados en varias producciones.

Poster Oficial de la Película
Poster Oficial de la Película «Born Of The Fourth Of July»

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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¿El Fin De La Era De Los Mega Blockbusters?

Es una tendencia marcada: cada año, los majors de Hollywood exhiben con orgullo su crecimiento en ingresos generados por las taquillas de cine en los Estados Unidos. Lo que ocultan, por supuesto, es que en ese país cada vez menos personas van al cine por año.

La situación se ha tornado crítica este último verano, donde sólo una mega-producción, «Guardians Of The Galaxy» de James Gunn y la todopoderosa Marvel, podría llegar a los 300 millones de USD en taquilla. El resto de estrenos han pasado la prueba; pero los años en que los grandes ingresos superaban con creces los grandes presupuestos, han quedado atrás.

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«Gangster Squad», de Ruben Fleischer, Un Plagio A «The Intouchables» De Brian De Palma.

Ruben Fleischer saltó a la fama mundial con una pequeña comedia, muy inteligente y bien actuada, titulada «Zombieland«. Lamentablemente, la dicha no duró y su siguiente trabajo, «30 Minutes Or Less» repitiendo con él como actor principal el indescifrable Jesse Eisenberg (indescifrable para mí puesto que aún no se sí es un «protagonista de novela» o el reemplazo de Laurence Olivier) , fue un tremendo fracaso, de esos que directo van al DVD.

Sin duda alguna con «Gangster Squad«, Fleischer hizo una apuesta enorme. Buscaba entrar al selecto grupo de directores de la llamada Lista A de Hollywood y establecerse en la meca del cine con un trabajo muy característico de ellos. Es, entonces, lamentable, que el miedo a arriesgar y la mala suerte lo haya llevado a terminar con un trabajo que a pesar de su enorme factura técnica, no deja de ser plano y simplón.

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«Trance», De Danny Boyle, Sólo Un Lienzo Digital.

Decía James Vanderbilt que David Fincher le había dicho alguna vez que dirigir una película era como pintar un cuadro, con 50 hombres trabajando en el lienzo y una persona atrás en un walkie talkie dando ordenes a cada uno del tipo: «más azul en ese lado; más verde al otro». Por supuesto, la analogía del brillante director la hace parafraseando a otro monstruo del cine: el gran Orson Welles.

En un documental, llamado «Boffo Tinseltown’s Bombs & Blockbusters«, George Clooney hablaba sobre la fragilidad de la que dependía el éxito de una película; puesto que se necesita de la equivocación de una sola persona para que la producción no funcionará. Se arrancaba con lo primero, que era un excelente guion; pero luego podía ser el director el que se equivocará, o el editor o un publicista.

En «Trance«, Danny Boyle («Trainspotting» 1995; «The Beach«, 2000; «Slumdog Millonaire«, 2009) contaba con un equipo y elenco de lujo; quienes en su gran mayoría hicieron un trabajo alucinante. Pero sería el mal quehacer de una persona, al principio del filme, el que determinaría que esta terminará no funcionando, quedándose únicamente en la promesa de lo que pudo ser: una excelente película de entretenimiento.

«Trance» es visualmente impactante. Su trabajo de cámara y luz es particularmente delicioso para la vista. Anthony Dod MantleRush«, 2013; «Anthicrist«, 2009; «The Last King Of Scotland«, 2009), comentaba en algún momento que para él y Danny Boyle el movimiento de cámara era realmente importante; lo que en cada película se definía era el cómo se iba a lograr. En esta particular, el trabajo de ese apartado es realmente fascinante.

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Amante como ninguno de la filmación en digital y la comodidad que esta ofrece, el trabajo de cámara resalta durante todo el metraje. En el movimiento, por supuesto; pero también en los agresivos e impactantes encuadres. En una película que tiene como universo el mundo de las artes plásticas, pareciera que la gran mayoría de fotogramas del filme fueran unas maravillosas pinturas.

Como complemento perfecto al trabajo del cinematógrafo, tenemos a un Mark Tildesley inspirado en el diseño de producción. La película, ubicada en el Londres de nuestros días, realmente ofrece una perspectiva alucinante y muy refrescante de la cuidad, algo que merece todo el reconocimiento del público, puesto la capital de Inglaterra es una locación ampliamente conocida a través del cine. Presentarla de manera tan original es un acierto.

Rosario Dawson as «Elizabeth» and James McAvoy as «Simon» in Danny Boyle’s «TRANCE.» ©Fox Searchlight.

Muy inteligente en ese sentido es el realizar planos a través de vidrios, metales o plásticos, que distorsionen la imagen, dándole un aspecto que además de atractivo, es acorde a la temática de la hipnosis que presenta «Trance«.

En conjunto, la calidad del trabajo de sonido en el filme es una absoluta delicia. Tanto por las poderosas composiciones de Rick Smith (recordado por ser parte de la banda «Underworld», que nos trajo la famosa canción «Born Slippy«, dada a conocer mundialmente gracias a «Trainspotting«), que podrían ser calificadas como hermosas piezas de música clásica pero ejecutadas a través de instrumentos de música electrónica; como por lo logrado por Simon HayesPrometheus«, 2012; «Kick-Ass»; 2010; «Snatch«, 2005) en la captura y diseño de sonido, donde logra emanar sentimientos de estados alterados de la mente en muchos momentos de la película.

De la parte técnica, tal vez la más impactante de todas sea la de la edición, a cargo del irrepetible Jon HarrisThe Woman In Black«, 2012; «127 Hours«; 2010; «Snatch», 2005) quien logra contar una complicada historia de la manera más ordenada posible. Por supuesto, el endiablado ritmo que lo ha caracterizado en el pasado, que da tanta emoción a muchas escenas, hace notoria presencia acá.

Ahora, como bien se dice, nada del apartado técnico sirve si no hay buenas actuaciones y un buen guion. De los primero, hay mucho en este filme; de lo segundo, no tanto. James McAvoy y Vicent Cassell están a la altura que nos tienen acostumbrados. La transformación a lo largo de la película del primero, quien declaró que estaba desesperado por interpretar el papel, es acompañada por la enorme variedad de matices que presenta el segundo. Rosario Dawson realmente no está mal y, a pesar de  que si dejan algo que desear los secundarios de la película, el resultado final del conjunto es más que pasable.

El apartado de la película que si no hay por donde tomar es del guion. De una idea realmente bien pensada, se hizo un desarrollo harto mediocre. Haciendo algo de historia, vale recordar el famoso dilema entre el suspense y la sorpresa, que tan brillantemente explicó el inmortal Alfred Hitchcock en un ejemplo. Dijo el director inglés en sus conversaciones con el famoso director francés, que la sorpresa es el estallido de una bomba de manera inesperada por el espectador en una escena entre dos personas conversando; mientras que el suspense es mostrarle al espectador que se coloca una bomba a punto de estallar entre dos personas que están conversando. En el primer escenario el espectador brinca del susto cuando está estalla, pero luego se le pasa y ya; mientras que en el segundo, el espectador estará tensado durante toda la conversación, sin saber si esta estallará o no.

Jon Ahearne, escritor del guion, el que contó con una revisión de John HodgeShallow Grave«, 1994; «Trainspotting«, 1995; «The Beach«, 2000), escogió la facilidad que entrega lo primero (la sorpresa) en vez de la profundidad que otorga lo segundo (el suspense). Con un agravante: y es que en un tipo de película en la que se descubre la verdad al final, debe el espectador tener la oportunidad de descubrirla antes. Es por eso que «The Sixth Sense«, de M. Night Shyamalan, o «The Usual Suspects«, de Bryan Singer, son tan adoradas por el público: por que durante toda la película, da una u otra manera, nos han dicho ya el sorprendente final de la misma. El no habernos dado cuenta por nosotros es lo que las hace tan fascinantes.

Eso no pasa acá. Las pistas que dan son claras; pero es imposible llegar a la conclusión de la película con tan sólo esa información. Y eso hace que el final pierda toda la fuerza que podría haber tenido.

Es realmente una tristeza que la estructura escogida para el guion sea esta tan mediocre y débil, puesto que no logra cerrar lo que de otra manera hubiera sido una pieza cinematográfica alucinante, convirtiéndola en un hito, tal y como lo son los dos últimos filmes mencionados en este post. «Trance» tenía una inmensa y muy entretenida idea entre manos; pero fue ejecutada a la perfección por todo el equipo técnico y artístico, con excepción del guionista. Habrá que darle entonces la razón al gran George Clooney.