El Mito De La Derecha En Hollywood.

Desde la factoría de los sueños que es Hollywood, se nos ha vendido la idea de que los Estados no deben negociar con los terroristas, puesto que esta acción debilitaría la democracia y les daría poder a sus enemigos. Esa filosofía ha servido como perfecta base para varios guiones de los más recordados blockbusters veraniegos, en los que un imbatible e incorruptible miembro de la fuerza pública, llámese John MaClaine, John Rambo o John Matrix, logra vencer a sus adversarios empleando el poder militar y policial del Estado, al tiempo que ridiculizan a aquellos que les proponen usar medios diplomáticos para vencer a sus opositores.

En la actualidad, varios líderes como el presidente Rajoy de España, el expresidente Uribe de Colombia o el Ministro de Justicia Jiménez del Perú; han demostrado su apego a esta línea de pensamiento, negándose a dialogar con aquellos que amenazan, de alguna forma, la integridad de sus países. Todos ellos, a su vez, tienen como modelo a seguir al Departamento de Estado de los Estados Unidos, quienes siempre han promulgado el aferrarse a esa idea en los momentos de mayor tensión con organizaciones criminales internacionales.

Wallpaper de Rambo
Wallpaper de Rambo

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¿Y Si Hacemos Del Cine Un Universo Paralelo?

Estaba conmocionado. Ciertamente extasiado. Había tenido, plenamente, una experiencia cinematográfica absoluta, llena de magia y emoción. En el camino de retorno a mi hogar, con la cabeza cavilando sobre lo visto recién, me confirmaba con cada nuevo pensamiento producido, el haber disfrutado de una de las más grandes producciones realizadas, de esas llamadas a inmortalizarse en el tiempo por los recuerdos y sentimientos de aquellos quienes la disfrutamos desde su estreno.

Ya instalado en mi apartamento, me adentré al portal de la IMDB, con el objetivo único de darle un merecidísimo diez en calificación a tan alucinante filme. Paso a seguir, visité la sección de “trivias” de la web, buscando elementos para extender mi conocimiento sobre la película y aumentar mi gozo. Lamentablemente, allí me encontré con lo inesperado.

Poster Gravity
Poster Gravity

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¿Por Qué Amamos Los Villanos?

En los últimos quince años, la televisión se convirtió en el medio más celebrado del audiovisual. Grandes guiones, con los mejores actores y una exquisita calidad técnica, transformaron por completo la industria del entretenimiento, especialmente en Estados Unidos, generando un cambio en el que la pantalla chica logró superar en estatus al cine.

No deja de ser interesante, y bastante intrigante, que en lo más profundo de ese proceso, dos de las series más celebradas del renovado medio, “The Sopranos” y “Breaking Bad”; tengan como protagonistas a personajes que en el establecimiento más tradicional se reconocerían como villanos. Más fascinante aún, es la admiración profesada de parte de sus seguidores.

Dos grandes villanos de la televisión.
Dos grandes villanos de la televisión.

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¿Por qué darle el sí a Netflix?

Básicamente, porque es claro que la plataforma más que un medio para encontrar títulos, es realmente una para descubrir títulos. En los múltiples comentarios que hay en las redes sociales de la empresa, los dos más comunes de encontrar son: «para cuándo la tercera temporada de…» y «sólo cosas viejas, me salgo».

Desde que accedí a los servicios de la plataforma de streamming, el gran uso que le he dado ha estado enfocado en encontrar contenido que nunca había visto y que, por supuesto, no pierde su vigencia. De nuevo: Netflix es más un lugar para descubrir y maravillarse, que para llegar a encontrar títulos que se tienen en mente.

Logo De Netflix.
Logo De Netflix.

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¿Ha Muerto El Celuloide?

En un principio, las razones para el uso de la tecnología digital en el cine estaban relacionadas con las facilidades obtenidas (costos principalmente) para aquellos quienes fueran a usarla. Y, en aquel momento, no cabía la menor duda de que la calidad del celuloide superaba con creces a lo traído por las nuevas cámaras. Era una cruda pero cierta realidad.

Pero en los últimos diez años se ha podido disfrutar de la evolución de la tecnología digital y su constante progreso hasta nuestros días, una época, nos atrevemos a decir, en donde se le ha dado el toque final a la antigua forma de capturar imágenes para cine. La manera más sencilla para dar a entender cómo el digital ha llegado a consolidarse como el formato estándar en nuestra industria, es sin duda alguna, haciendo un repaso por los hitos alcanzados en varias producciones.

Poster Oficial de la Película
Poster Oficial de la Película «Born Of The Fourth Of July»

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Siete Películas Para Cambiar Una Vida.

Es un lugar común, entre los grandes maestros del cine, el decir que en el proceso de digerir una película, un porcentaje de lo experimentado por el espectador lo coloca el cineasta y otro porcentaje lo coloca él mismo. Eso, es una forma poética de decir que cada visionado es una experiencia subjetiva y personal.

Por lo tanto, los filmes más importantes en la vida de cada persona llegan a obtener tal reconocimiento no sólo por el trabajo del realizador; sino también por lo que en un plano individual y muy profundo significa para cada quien que la ve. En el particular de quien esto escribe, las producciones que más le han impactado tienen como elemento común, el haber ido construyendo el sueño de convertirse en cineasta.

Wallpaper especial de Paramount Pictures.
Wallpaper especial de Paramount Pictures.

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¿El Fin De La Era De Los Mega Blockbusters?

Es una tendencia marcada: cada año, los majors de Hollywood exhiben con orgullo su crecimiento en ingresos generados por las taquillas de cine en los Estados Unidos. Lo que ocultan, por supuesto, es que en ese país cada vez menos personas van al cine por año.

La situación se ha tornado crítica este último verano, donde sólo una mega-producción, «Guardians Of The Galaxy» de James Gunn y la todopoderosa Marvel, podría llegar a los 300 millones de USD en taquilla. El resto de estrenos han pasado la prueba; pero los años en que los grandes ingresos superaban con creces los grandes presupuestos, han quedado atrás.

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«Gangster Squad», de Ruben Fleischer, Un Plagio A «The Intouchables» De Brian De Palma.

Ruben Fleischer saltó a la fama mundial con una pequeña comedia, muy inteligente y bien actuada, titulada «Zombieland«. Lamentablemente, la dicha no duró y su siguiente trabajo, «30 Minutes Or Less» repitiendo con él como actor principal el indescifrable Jesse Eisenberg (indescifrable para mí puesto que aún no se sí es un «protagonista de novela» o el reemplazo de Laurence Olivier) , fue un tremendo fracaso, de esos que directo van al DVD.

Sin duda alguna con «Gangster Squad«, Fleischer hizo una apuesta enorme. Buscaba entrar al selecto grupo de directores de la llamada Lista A de Hollywood y establecerse en la meca del cine con un trabajo muy característico de ellos. Es, entonces, lamentable, que el miedo a arriesgar y la mala suerte lo haya llevado a terminar con un trabajo que a pesar de su enorme factura técnica, no deja de ser plano y simplón.

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«Trance», De Danny Boyle, Sólo Un Lienzo Digital.

Decía James Vanderbilt que David Fincher le había dicho alguna vez que dirigir una película era como pintar un cuadro, con 50 hombres trabajando en el lienzo y una persona atrás en un walkie talkie dando ordenes a cada uno del tipo: «más azul en ese lado; más verde al otro». Por supuesto, la analogía del brillante director la hace parafraseando a otro monstruo del cine: el gran Orson Welles.

En un documental, llamado «Boffo Tinseltown’s Bombs & Blockbusters«, George Clooney hablaba sobre la fragilidad de la que dependía el éxito de una película; puesto que se necesita de la equivocación de una sola persona para que la producción no funcionará. Se arrancaba con lo primero, que era un excelente guion; pero luego podía ser el director el que se equivocará, o el editor o un publicista.

En «Trance«, Danny Boyle («Trainspotting» 1995; «The Beach«, 2000; «Slumdog Millonaire«, 2009) contaba con un equipo y elenco de lujo; quienes en su gran mayoría hicieron un trabajo alucinante. Pero sería el mal quehacer de una persona, al principio del filme, el que determinaría que esta terminará no funcionando, quedándose únicamente en la promesa de lo que pudo ser: una excelente película de entretenimiento.

«Trance» es visualmente impactante. Su trabajo de cámara y luz es particularmente delicioso para la vista. Anthony Dod MantleRush«, 2013; «Anthicrist«, 2009; «The Last King Of Scotland«, 2009), comentaba en algún momento que para él y Danny Boyle el movimiento de cámara era realmente importante; lo que en cada película se definía era el cómo se iba a lograr. En esta particular, el trabajo de ese apartado es realmente fascinante.

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Amante como ninguno de la filmación en digital y la comodidad que esta ofrece, el trabajo de cámara resalta durante todo el metraje. En el movimiento, por supuesto; pero también en los agresivos e impactantes encuadres. En una película que tiene como universo el mundo de las artes plásticas, pareciera que la gran mayoría de fotogramas del filme fueran unas maravillosas pinturas.

Como complemento perfecto al trabajo del cinematógrafo, tenemos a un Mark Tildesley inspirado en el diseño de producción. La película, ubicada en el Londres de nuestros días, realmente ofrece una perspectiva alucinante y muy refrescante de la cuidad, algo que merece todo el reconocimiento del público, puesto la capital de Inglaterra es una locación ampliamente conocida a través del cine. Presentarla de manera tan original es un acierto.

Rosario Dawson as «Elizabeth» and James McAvoy as «Simon» in Danny Boyle’s «TRANCE.» ©Fox Searchlight.

Muy inteligente en ese sentido es el realizar planos a través de vidrios, metales o plásticos, que distorsionen la imagen, dándole un aspecto que además de atractivo, es acorde a la temática de la hipnosis que presenta «Trance«.

En conjunto, la calidad del trabajo de sonido en el filme es una absoluta delicia. Tanto por las poderosas composiciones de Rick Smith (recordado por ser parte de la banda «Underworld», que nos trajo la famosa canción «Born Slippy«, dada a conocer mundialmente gracias a «Trainspotting«), que podrían ser calificadas como hermosas piezas de música clásica pero ejecutadas a través de instrumentos de música electrónica; como por lo logrado por Simon HayesPrometheus«, 2012; «Kick-Ass»; 2010; «Snatch«, 2005) en la captura y diseño de sonido, donde logra emanar sentimientos de estados alterados de la mente en muchos momentos de la película.

De la parte técnica, tal vez la más impactante de todas sea la de la edición, a cargo del irrepetible Jon HarrisThe Woman In Black«, 2012; «127 Hours«; 2010; «Snatch», 2005) quien logra contar una complicada historia de la manera más ordenada posible. Por supuesto, el endiablado ritmo que lo ha caracterizado en el pasado, que da tanta emoción a muchas escenas, hace notoria presencia acá.

Ahora, como bien se dice, nada del apartado técnico sirve si no hay buenas actuaciones y un buen guion. De los primero, hay mucho en este filme; de lo segundo, no tanto. James McAvoy y Vicent Cassell están a la altura que nos tienen acostumbrados. La transformación a lo largo de la película del primero, quien declaró que estaba desesperado por interpretar el papel, es acompañada por la enorme variedad de matices que presenta el segundo. Rosario Dawson realmente no está mal y, a pesar de  que si dejan algo que desear los secundarios de la película, el resultado final del conjunto es más que pasable.

El apartado de la película que si no hay por donde tomar es del guion. De una idea realmente bien pensada, se hizo un desarrollo harto mediocre. Haciendo algo de historia, vale recordar el famoso dilema entre el suspense y la sorpresa, que tan brillantemente explicó el inmortal Alfred Hitchcock en un ejemplo. Dijo el director inglés en sus conversaciones con el famoso director francés, que la sorpresa es el estallido de una bomba de manera inesperada por el espectador en una escena entre dos personas conversando; mientras que el suspense es mostrarle al espectador que se coloca una bomba a punto de estallar entre dos personas que están conversando. En el primer escenario el espectador brinca del susto cuando está estalla, pero luego se le pasa y ya; mientras que en el segundo, el espectador estará tensado durante toda la conversación, sin saber si esta estallará o no.

Jon Ahearne, escritor del guion, el que contó con una revisión de John HodgeShallow Grave«, 1994; «Trainspotting«, 1995; «The Beach«, 2000), escogió la facilidad que entrega lo primero (la sorpresa) en vez de la profundidad que otorga lo segundo (el suspense). Con un agravante: y es que en un tipo de película en la que se descubre la verdad al final, debe el espectador tener la oportunidad de descubrirla antes. Es por eso que «The Sixth Sense«, de M. Night Shyamalan, o «The Usual Suspects«, de Bryan Singer, son tan adoradas por el público: por que durante toda la película, da una u otra manera, nos han dicho ya el sorprendente final de la misma. El no habernos dado cuenta por nosotros es lo que las hace tan fascinantes.

Eso no pasa acá. Las pistas que dan son claras; pero es imposible llegar a la conclusión de la película con tan sólo esa información. Y eso hace que el final pierda toda la fuerza que podría haber tenido.

Es realmente una tristeza que la estructura escogida para el guion sea esta tan mediocre y débil, puesto que no logra cerrar lo que de otra manera hubiera sido una pieza cinematográfica alucinante, convirtiéndola en un hito, tal y como lo son los dos últimos filmes mencionados en este post. «Trance» tenía una inmensa y muy entretenida idea entre manos; pero fue ejecutada a la perfección por todo el equipo técnico y artístico, con excepción del guionista. Habrá que darle entonces la razón al gran George Clooney.