“Mindhunter”, Teatro Hecho Cine Para Televisión.

“El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.” La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

Mindhunter“, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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Se le podría adjudicar a tres hombres, al inicio del cine, que éste sea una forma de arte. En orden cronológico serían ellos David W. Griffith, George Orson Welles y Alfred Hitchcock. El aporte de cada uno, el descubrimiento de la gramática cinematográfica, de su potencial visual y sonoro, y la teorización de sus herramientas narrativas, permitió el crecimiento de esta forma de expresión cultural, evolucionando desde su primario desarrollo, en la que prevalecía una cámara en la posición del público para filmar unos actores en un escenario, hasta pasar a tener la visión de un autor, con una puesta en escena semejante al punto de vista de un dios, permitiéndole al cineasta imponernos qué ver y qué no.

La series de televisión, generalmente más básicas en su concepción, han usado históricamente ese mismo fundamento como el principal en su código de producción: unos actores en un set, filmados por una cámara que en la mayoría de las veces toma la posición de alguien que estaría sentado en un público. A hoy, las comedias de situación (sitcom en inglés) se organizan bajo ese esquema; diferenciándose así de las series tipos premium, a las que se les reconoce por su puesta en escena cinematográfica más moderna.

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El teatro, por su parte, ha caído en la tentación de las ventajas tecnológicas actuales para masificar sus presentaciones a través de la transmisión en video de sus obras, expandiendo su público a uno con potencial de ser global y superando su alcance local. Como era de esperarse, ha contraído con eso una puesta en escena propia, aunque similar a la que acá se ha hecho referencia en los principios del séptimo arte y de la televisión más regular.

La nueva forma de disfrute del teatro es definida con gran criterio por Juan Carlos Corazza, maestro entrevistado para Forbes México por el autor de estas líneas. En sus palabras, “‘Teatro filmado’ es un género en sí mismo. La naturaleza del teatro es la reunión de espectadores en torno a una reunión de creadores, y juntos celebran un encuentro vivo. Se transforma en otra experiencia cuando lo vemos filmado”.

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“Mindhunter” no es más de esto. No es una serie grabada en una escenario teatral con actores, ni tampoco una obra de teatro filmada, o un programa de televisión con una puesta de escena cinematográfica. Es teatro hecho cine transmitido por la web. Una obra audiovisual magnífica cuya base son unos diálogos alucinantes, interpretados de manera maravillosa por unos actores en estado de gracia y filmada por un cineasta brillante tal vez en su mejor momento.

Roger Ebert, afamado crítico de cine de los Estados Unidos, definía “Pulp Fiction” como una obra impulsada por los diálogos. La fabulosa descripción del fallecido cinéfilo se ajusta de maravilla a “Mindhunter”, al haber en ella una fuerza inmensa dentro de las palabras de los personajes, suficientes para hacer avanzar toda la trama y crear todo el drama necesario. Siendo un audiovisual sobre asesinos en serie, es de resaltar el no haber en ella grandes secuencias de asesinatos, ni búsquedas intrigantes sobre sus autores. Lo que sí hay son descripciones poderosas de los autores de sus crímenes, siendo las palabras, recitadas con maestría por sus intérpretes, las que nos describen con detalles los homicidios cometidos y las que nos hacen elaborar horrorosas imágenes en nuestras mentes.

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Y en esas poderosas líneas se crea el marco de toda la acción del filme. A mediados de la serie, Bill Tench le espeta a su colega Holden Ford: “Si lo que hacemos no se te mete en la piel, estás más jodido de lo que pensaba o estás engañándote.” Secuencias después, en un momento privado del joven oficial con su pareja, la presión de su trabajo afecta su intimidad, algo a lo que está ya acostumbrado su veterano compañero. Comenzando la serie, el personaje de Peter Rathman explica en términos académicos las posibles razones que están llevando al nuevo tipo de violencia presentado en la sociedad, anticipando el marco en el que todas las conversaciones se van a desarrollar.

Y es que el postulado político de la serie es obvio: en términos de izquierda política moderna, se busca encontrar una génesis a la violencia, mientras que la derecha ha tenido siempre una explicación tautológica a ésta: los villanos son así porque son malos. La respuesta de los últimos, la fuerza pública, es la que ha predominado en Hollywood, a través de “rambos” que solucionan todo a punta de bala, algo comprensible puesto en términos narrativos es más impactante. Pero en esta serie se busca explayar en la primera hipótesis y lo hace de manera brillante. En la primera escena la dicotomía se presenta en la posición de Hold y el policía frente al secuestrador, lo que se expande a lo largo de la serie en las conversaciones que el par tienen con sus colegas de la fuerza pública.

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Las obras audiovisuales sobre asesinos en serie tienen, generalmente, la intención de responder “quién” cometió los actos y “cómo” los realizó. “Mindhunter” va más allá, indagando en el “por qué” de ellos, en cuál fue la fuerza que impulsó a sus perpetradores a realizar unos delitos tan llenos de demencia. Sus respuestas, aterradoras, construyen unas conversaciones capaces de generar pesadillas en cualquiera. Esto último algo nada sorpresivo cuando se da una ojeada al creador de la serie.

Joe Penhall aterrizó con un gran respaldo en Netflix después de haber escrito dos obras galardonadas en muchas instancias: “Blue/Orange” y “Sunny Afternoon”. Este hombre, nacido en tierras australianas, ha tenido un desempeño envidiable en las tablas de Londres, habiendo recibido múltiples premios desde que su primer libreto se produjo para el teatro en 1994. Fincher, en entrevista con Charlie Rose, declaró que él fue básicamente quien ejecutó la escritura de todos los guiones del la serie, por lo que el aura de esa manifestación artística está impregnada en cada momento. Más aún, otra autora de algunos libretos fue Jennifer Haley, es una exitosa colega del dramaturgo.

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En la bella e insuperable “All About Eve“, del inmenso Joseph L. Mankiewicz, se desarrolla un apasionante debate entre el escritor de una obra llamado Lloyd Richards (Hugh Marlowe) y una estrella teatral llamada Margo (Bette Davis), luchando ambos por tratar de descubrir quién debería ser el verdadero receptor de los aplausos del respetable: ¿el autor que escribe las palabras o el actor quien las recita? Quentin Tarantino, en su discurso de aceptación del Oscar por el Mejor Guion de “Inglourious Basterds“, dio una respuesta salomónica al dilema: los dos.

En la pieza acá reseñada la enseñanza del antiguo empleado de una video tienda es seguida al pie de la letra: el impecable texto escrito es magistralmente recitado por cada uno de los actores escogidos para la serie. Por supuesto, es imposible hablar del buen quehacer de los histriones y no mencionar a Jonathan Groff, Holt McCallany y Anna Torv (a quien medio mundo confundió con Carrie Coon, quien hizo de la gemela de Ben Affleck en “Gone Girl”), todos convertidos merecidamente en personas muy solicitadas por todo tipo de productores después de su aparición en “Mindhunter”.

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Martin Scorsese alguna vez dictaminó que “el 90% del trabajo de un director es el casting”. Siendo el maestro quien hace la sentencia, es ésta una casi que imposible de refutar. Lo hecho por Fincher y sus colegas en esa área es brillante. Cuando se hablaba en este espacio de “Heat” de Michael Mann, se elogiaba el énfasis del director por encontrar un gran elenco para que acompañara a sus grandes estrellas, demostrando una visión profunda y detallada de su obra.  

Se alcanza el mismo nivel en “Mindhunter” y el mismo elogio puede usarse tranquilamente en este espacio. Cameron Britton en el papel del asesino serial Ed Kemper es tan fascinante como intimidante, Tobias Segal es una amalgama de emociones en su papel de Dwigth y Jack Erdie es un torbellino de furia en su impactante interpretación de Richard Speck. Pero se hace referencia aparte al papel de Peter Murnik como el Detective Carver porque es en él donde se alcanza una cima artística deliciosa.

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En el principio del trailer de “Melinda And Melinda“, el filme de Woody Allen, un personaje pronuncia una frase que al ir diseccionando se descubre en su interior un pensamiento profundo de gran calado artístico. Dice él: “déjenme contarles una historia y ustedes me dicen si es material para una comedia o un drama”. El filme trata de yuxtaponer una historia en los dos géneros, buscando demostrar la delgada línea que separa a uno del otro; pero fracasando rotundamente en alcanzar su cometido.

Esta máxima, seguramente por accidente, se alcanza con soltura en la obra de Netflix a través del personaje de Murnik. En relación con su trabajo para Fincher, rescatamos que actúa él como un detective tratando de resolver un horroroso asesinato, porque es exactamente ese el mismo papel realizado por el actor en “Seinfeld“, quien en esa producción debe solventar también una situación harto similar. No obstante, lo que aquí genera intriga, en la serie de comedia genera mucha gracia, siendo el contexto de la obra en cada caso la que determina si reírse o asustarse, y no lo hecho por el actor. Es claro que en la comedia de la NBC Murnirk acentúa sus rasgos con tal de buscar la comicidad mientras que acá disminuye su gesticulación; pero la cercanía entre ambos es muy estrecha y permite el fascinante análisis.

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Y toda esa majestuosidad es la que lleva a la pantalla el señor David Fincher, un autor definitorio de nuestro tiempo, un creador de imágenes inolvidables por la mezcla de crudeza y belleza que caracteriza su universo propio. No se limita a hacer “teatro filmado”, por citar al maestro Corazza. Fincher, para esta ocasión, no filmó personajes hablando; sino por el contrario, pareciera querer buscar el resalte de las líneas del diálogo con la gramática visual ya establecida, todo en medio de su clásica paleta de colores llena de una oscuridad predominante. Suya es la frase de que hay dos posibilidades para poner la cámara: la correcta y la otra. Acá pareciera que esa premisa se lleva al máximo.

No es él, todo debe decirse en éstas líneas, el primero en lograr una poderosa fusión de teatro y cine. Pero sí pareciera necesario remontarse hasta los años sesenta para encontrar un trabajo con tal alcance. Es, por supuesto, la obra maestra “Who’s Afraid of Virginia Woolf?“, del inolvidable Mike Nichols, con la que se efectúa la comparación. Imposible, honestamente, encontrar un mejor halago que el asimilar esta producción con tan maravilloso clásico de la pantalla grande, para definir este trabajo que es cine, es teatro, es televisión y se transmite por la web.

 

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